Оставить комментарий

28 ноября ждем вас с нетерпением на нашем базовом акварельном курсе!

ЗАПИСАТЬСЯ НА КУРС, УЗНАТЬ ПРОГРАММУ: https://risuy.info/archives/7884

Акварельная техника – одна из самых «богатых» на всевозможные спецэффекты. Акварель очень часто используется в декоративной живописи, например при создании иллюстраций для книг и журналов. Тут фантазия художника не ограничивается наблюдениями из реальной жизни. Четкие, документальные зарисовки могут встречаться с зыбкими размытыми образами, как сон с явью.

Способы создания декоративных работ могут показаться такими же необычными, как и результат. Рисунки посыпают солью, брызгают краской или чистой водой, мнут и царапают бумагу.

Со стороны может показаться, что художник балуется и играет. Но такие игры с акварелью позволяют достичь интересных и даже неожиданных эффектов.

Ставим кляксы

Как известно, рисовать акварелью непросто. Очень уж легко испортить рисунок – случайная капля краски в неудачном месте, и можно начинать работу сначала. А что получится, если ставить кляксы специально? Легкие цветные брызги могут разнообразить фон и даже дополнить композицию картины. Так просто неплохая акварель превращается в неповторимую авторскую работу. Секрет декоративности – в гармонично подобранных цветах.

Впрочем, кляксы можно делать и чистой водой на еще не подсохший рисунок. Останутся характерные размытые следы, которые сделают фактуру предметов интереснее. 

Научиться брызгаться несложно. Достаточно набрать краску на кисть, а потом на небольшом расстоянии от бумаги постучать ею по другой кисточке или карандашу.

Полученные капли можно оставить сохнуть, а можно играть с ними дальше. Если приподнять лист с одной стороны, краска начнет стекать, оставляя цветные дорожки. А если сбрызнуть водой из пульверизатора, то расползающиеся пятна будут создавать сложные узоры. Предсказать результат сложно, нужно пробовать.

Сыпем соль

Неожиданно, но факт: если посыпать невысохшую акварель солью, то соль будто бы разгоняет краску в разные стороны. Образуются светлые звездочки и цветные подтеки. Эффект тем заметнее, чем крупнее кристаллики соли. Соль имеет смысл сыпать на влажную бумагу, когда краска еще не впиталась. А после высыхания рисунка кристаллы можно осторожно стряхнуть.

Не обязательно посыпать солью всю работу целиком. Иногда этот прием применяют для отдельных фрагментов картины, чтобы сделать на них акцент. 

Натираем воском

Воск используют в разных живописных техниках для того, чтобы оставлять часть рабочей поверхности неокрашенной. Часто применяемый в батике, этот прием неплохо подходит и для акварели. Нужно взять кусочек белого воска и потереть им по листу фактурной бумаги. Следом можно смело делать цветную заливку. После высыхания краски воск легко удаляется тупым ножом.

Воском натирают как чистую бумагу, так и предварительно затонированную. Чем фактурнее ее структура, тем интереснее эффект. Рябь на воде, старые и потертые поверхности, легкие облака – все это можно натуралистично изображать с помощью воска.

Мнем бумагу

В школе за мятые рисунки ругали. Но на самом деле рисование на мятом листе – это декоративный художественный прием.

Работа, выполненная таким образом, оказывается покрытой сеточкой мелких трещин, как старая фреска. ?

Как же правильно «испортить» бумагу?

Для этого берут не очень плотный лист, крепко сминают его в комок и расправляют. Появляются желаемые складочки. Чтобы сделать их четче, лист грунтуется подходящим по колориту светлым оттенком. После полного высыхания бумаги ее нужно хорошо разгладить и наклеить на картон, загнув и проклеив края – натянуть лист на картонную основу. Для этого кусок картона должен быть немного меньше, чем подготовленная бумага. А дальше – рисовать акварелью, как обычно.

Процарапываем рисунок

Лист бумаги можно не только мять, но и царапать. Предварительный рисунок чаще всего делается карандашом. Но можно аккуратно продавливать его шилом или макетным ножом. Плохо заметные вначале, нанесенные линии проявятся после заливки краской.

Кора деревьев, прожилки на листьях, перышки и шерстинки животных, детали зданий – все это выглядит изящнее, когда заранее процарапано, а не прорисовано тонкой кистью.

Техника продавливания часто применяется для небольших иллюстраций.

Все эти художественные хитрости объединяет одно – никогда нельзя в точности предсказать, какой получится результат. Главное – смелее пробовать и экспериментировать. А может быть, Вы придумаете свой собственный декоративный прием?

Об этих и других приемах работы с акварелью можно узнать на курсе «Фрукты акварелью».

ЗАПИСАТЬСЯ НА КУРС, УЗНАТЬ ПРОГРАММУ: https://risuy.info/archives/7884

Эта статья завершает серию статей об акварели. Предыдущие публикации:

Волшебная акварель. От древности до наших дней
Волшебная акварель. Все, что нужно для работы
Волшебная акварель. Основные приемы работы

От скетчей к акварельному рисунку. 12 полезных советов для начинающих художников

Олеся Ахмеджанова

Простые, но очень ценные мысли из книги «От скетчей к акварельному рисунку». Помогут начинающим художникам, которые готовятся создать свой первый скетч или акварельный натюрморт.

Скетчбук

От скетчей к акварельному рисунку

Скетчбуков много. Они различаются форматом, типом переплета, цветом и текстурой бумаги. Очень важно подобрать альбом, в котором удобно рисовать, а бумага подойдет для ваших материалов.

• Более гладкая бумага идеальна для работы карандашом и тушью.
• Более плотная хороша для быстрых набросков и даже набольших картин акварелью.
• Обычно плотность бумаги в скетчбуке одинаковая, но встречаются альбомы с листами разного цвета.
• Скетчбуки на пружинке не выгибаются, когда вы их открываете.

Если вы только начинаете рисовать, проверьте, что помещается в сумку, а что лучше оставить дома.

Автор книги «От скетчей к акварельному рисунку» пишет: «Обычно я рисую в альбомах 25×17,5 см в твердом переплете, но блокноты меньшего формата (12,5×17,5 см) мне тоже нравятся, потому что помещаются в карман или в сумку. Такой блокнот я везде ношу с собой. Я предпочитаю акварельную бумагу плотностью 190 г/м2, но иногда использую и более плотную чертежную. Оба вида подойдут как для набросков карандашами и ручками, так и для рисунков акварелью».

Карандаши и ручки: кратко

Быстрый обзор полезных инструментов.

• Водорастворимые карандаши

Бывают всех цветов радуги. Можно рисовать сухим карандашом или смочить его водой. Удобно размечать цвета на наброске, по которому вы будете работать в студии.

• Водорастворимые графитовые карандаши

Подходят для быстрого тонирования. Выбирайте самые мягкие и темные. Их также можно использовать в технике по сухому для штрихованных тональных зарисовок.

Бывают разных размеров и видов и отлично подходят для быстрых, выразительных набросков. Чернила в них бывают как водорастворимые, так и водостойкие. Первые можно размывать водой, получая красивые эффекты; вторые хорошо подходят для четкого детального рисунка.

• Перьевые ручки с тушью

Тушь обычно черная и коричневая, а размер пера может быть разным. Перья 02 и 03 хороши как для выполнения основного рисунка, так и в качестве дополнения при работе с ручкой, карандашом и акварелью (и для техники линий и заливок), особенно если изображение должно остаться четким.

Отлично подходят для набросков, потому что, по сути, это кисти с постоянным запасом краски! Легкими и свободными движениями вы можете проводить смелые линии. А еще такими ручками удобно закрашивать большие участки.

• Перьевые ручки с водорастворимыми чернилами

Подходят для нанесения плавных и размашистых линий, но нужно быть осторожным. Если вы работаете акварелью, не переборщите с чернилами, иначе линия смешается с краской и поплывет.

• Графитовые карандаши

Бывают от очень твердых (9Т) до очень мягких (9М). Более мягкие карандаши позволяют добавлять темные, даже черные акценты на быстрых набросках. Можете купить графитовые стержни, дающие сочные, жирные линии. Обращайтесь с ними бережно: они хрупкие и ломаются, если их уронить.

• Шариковые ручки

Подоходят для быстрых спонтанных зарисовок. Выбор диаметра стержня и цвета чернил ограничен, но ручки позволяют прорисовывать четкие контуры, а еще ими хорошо делать схематические наброски.

Текстура карандашами

Есть много видов карандашей, а пользоваться ими очень просто. Карандашные заметки о цветах и текстурах крайне важны для того, чтобы перенести увиденное на бумагу. Попрактикуйтесь в создании разных текстур — и тогда вы уверенно передадите в наброске что угодно. Попробуйте нарисовать несколько разных текстур. Изображайте их штрихами, точками, зигзагами и летящими линиями, используйте разные карандаши.

Чистая бумага важна не менее, чем карандашные росчерки: смотрите, сколько белого остается между линиями, какую форму принимают эти участки. По сути, это крохотные негативные пространства.

Текстура и цвет

Чтобы видеть разные текстуры в пейзаже, можно тщательно рассмотреть один небольшой предмет, например ракушку, камешек или деревяшку. Если глядеть на них издалека, они покажутся просто объемной формой. Но положите их под лупу — и у вас захватит дух.

Когда привыкнете так смотреть на небольшие предметы, постарайтесь взглянуть на весь пейзаж и передать текстуру разных частей целого. Это позволит создавать более насыщенные рисунки в будущем.

Тон

Тональные градации важны для построения композиции. Начните с центра композиции/объекта, потом продвигайтесь к краям, стараясь чередовать темные области со светлыми и средними. Рисунки без тонального контраста чаще всего кажутся плоскими.

Тон любого цвета переходит от светлого к темному и зависит от соотношения пигмента и чистой бумаги. Прозрачную акварель, тушь и чернила, например, можно разбавить, добиваясь диапазона от самой светлой размывки до чистого пигмента. Карандашами и ручками можно достичь схожего диапазона, регулируя плотность штрихов (завитушек, точек, штриховки крест-накрест и т. д.).

Проработайте тональную шкалу (справа), затем пронумеруйте каждый тон от 1 (самый светлый) до 6 (самый темный). У разных художественных материалов разные свойства, поэтому только практика покажет, как добиться нужного тона.

Присматривайтесь к деталям

Очень важно видеть то, что вы рисуете. Будьте любопытны и наблюдательны. Выдалась свободная минутка? Оглянитесь вокруг. Обратите внимание на разнообразие фактур: ковер, одежда, шерстка кошки, расписной горшок, ваши волосы.

Как все это зарисовать? Смотрите внимательнее, запоминая ритмы и узоры. Что вы видите: твердые края? точки? чешуйки? Может, поверхность похожа на перышко? Подумайте, как контрастируют или дополняют друг друга эти фактуры. Попробуйте изобразить их линиями, точками и штрихами, меняя силу нажима. Постепенно у вас выработается свой художественный язык. Делайте такие упражнения почаще — и ваши наброски станут лучше, вы научитесь подмечать самые мелкие подробности.

Фиксируйте цвет

Чтобы наброски стали надежным источником информации для будущих картин, увиденные оттенки стоит разметить. Пометки индивидуальны: никаких правил и стандартов здесь нет, придется выработать свою систему условных обозначений. Главное — чтобы вы сами могли их потом расшифровать. Лучшая советчица здесь — практика.

Если вы делаете набросок акварельными карандашами или красками, старайтесь сразу точно передать цвет. Если зарисовка делается тушью или графитовыми карандашами, запишите, какие цвета вы увидели. Вместо описания можно поставить точку или провести линию нужного цвета.

Техника линии и пятна

Перо и ручка дают огромные выразительные возможности — от прихотливости почти случайных тонких завитушек до намеков пунктирных линий и динамики штрихов, сделанных с сильным нажимом. Это разнообразие техник помогает передать текстуры, тон и настроение. Акварельная или чернильная размывка также создает настроение и атмосферу.

Важно, чтобы ваш предмет изображения «дышал»; не нужно загонять его в строгие рамки

Эти две техники очень удачно дополняют друг друга: акварель или чернила отвечают за цвет и выразительность, а линии придают размывке структуру, без которой она попросту теряется.

Композиционный центр

Посмотрите на объект и быстро решите: что в нем важнее всего? Это и станет композиционным центром. Он должен включать самые светлые и самые темные тона и быть прорисованным наиболее детально; окружать его должны самые яркие цвета на картине. Например, на этом эскизе, написанном акварелью на альбомном развороте, композиционный центр — башня.

Старайтесь не помещать композиционный центр на центральной оси рисунка, иначе композиция может распасться надвое.

Формы

Разместите основные формы вокруг композиционного центра. Складывайте из них эскиз как пазл. Не нужно лишнего, все должно быть предельно просто.

Золотое сечение делит композицию на три части по вертикали и горизонтали. Центр композиции может располагаться в любой из четырех точек пересечения разделяющих линий.

Полезно добавить «ритмические» линии, которые направляют взгляд к центру композиции. Это могут быть тропинка, река, забор со столбиками, деревья у подножия холма или даже цепочка облаков — что угодно, что подтолкнет взгляд зрителя в нужную сторону.

Упрощение

Попытка зарисовать все детали — неверный подход. Он приводит к созданию перегруженных и бездушных картин, слишком напоминающих фотоснимки. Если посмотреть на объект прищурившись, то мелкие детали сгладятся и вы увидите основные цвета, формы и тона — ключевые компоненты хорошей картины.

Внимательно рассмотрите то, что рисуете, а затем упростите текстуры или предметы и постарайтесь сбалансировать тональные области. Возможно, придется сместить предметы, разрушить здание, утопить лодку или добавить человеческий силуэт, чтобы составить хорошую композицию! Возможно, все получится не с первой и даже не со второй попытки, но пусть это вас не смущает. Наброски так и делаются: упорство приводит к успеху.

Необычные форматы

Пытаясь запечатлеть сюжет, который кажется нам достойным воплощения, мы вскоре сталкиваемся с проблемой: невозможно изобразить все, особенно если объектов слишком много. Деталями и четкостью приходится жертвовать. Зарисовка всегда должна быть техничной, но порой основной объект приходится исказить или преувеличить, чтобы передать его характер или что-то иное, что нас зацепило. Например, можно использовать скетчбук в непривычном формате, чтобы создать ощущение обширного пространства.

Можно изобразить широкую панораму, по краям которой, например, раскрывается вид на город или горы.

Или, удвоив формат по вертикали, добиться ощущения головокружительной высоты. Объектов, которым подходит такой необычный формат, мало, но если вы пишете высокое дерево или арку, вертикальный разворот даст вам необходимый размах.

По материалам книги «От скетчей к акварельному рисунку»

Обложка отсюда

Акварель "Приёмы использования акварели"

Описание презентации по отдельным слайдам:

Технические приемы акварели и их использование на уроках изобразительного искусства Учитель изобразительного искусства ГБОУ СОШ №443 Гнездилова Елена Викторовна

Цель работы: систематизация технических приемов работы акварелью для освоения на уроках изобразительного искусства.   Задачи: Образовательные: сформировать представление о разнообразии акварельных техник; пробудить интерес учащихся к акварельной живописи через освоение различных технических приемов; научить грамотно использовать акварельные техники и приемы для создания художественного образа; научить грамотному прохождению основных этапов решения творческих задач (от задумки к воплощению). Развивающие: развивать у учащихся цветовое видение; углублять представление об изобразительных и выразительных возможностях цвета в природе и искусстве; развивать потребность детей в творчестве и эмоциональное восприятие ими цвета как способа передачи настроения, эмоций; развивать наблюдательность и способность анализировать увиденное; развивать самостоятельность учащихся в выборе технического приема для создания художественного образа. Воспитательные: воспитывать в детях нравственно-эстетическое восприятие мира искусства.

По способам (приемам) письма Заливка Плоская Градуированная Фактурная Заливка - прием, выполняемый в тех случаях, когда требуется прокрыть значительную площадь рисунка одним цветом или сделать плавные переходы между разными цветами

Мазки  Мазки – это один из самых распространенных способов письма в живописи, по характеру которых легко отличить динамичный рисунок от скучной работы. Наполненная краской кисть, соприкасаясь с поверхностью листа, выполняет то или иное движение, после чего отрывается от бумаги, завершая тем самым мазок. Он может быть точечным, линейным, фигурным, четким, размытым, сплошным, прерывистым и т.п. Размытые Линейные Точечные

Отмывка представляет собой многократную заливку одного тона на другой раствором одной концентрации. Чаще всего этот прием применяется архитекторами и дизайнерами, поскольку обычный чертеж не дает зрителю наглядного представления о форме и цвете постройки. Работая цветом, архитектор находит наилучшее сочетание материала для восприятия задуманного, уточняет тональные отношения, достигает выразительного силуэтного и объемного решения проекта. Отмывка А.С. Чувашов. В стоячей воде. Пример использования отмывки в качестве живописной техники

Резерважи Резерваж – это часть листа, которая сохраняется белой в процессе живописи. Основные способы : обходка, механическое снятие слоя (процарапывание), маскирующие средства, вымывание. Обходка светлых просветов в небе и лужиц Процарапывание травинок Цветы созданы с применением маскировочной жидкости Вымывание

По степени влажности бумаги Акварель «по-мокрому» (Английская акварель) Более капризная и прихотливая манера письма «по мокрому» родилась в Англии, вероятно, потому что в стране, находящейся на острове, окруженном водными пространствами, в этом «туманном Альбионе», повышенная влажность воздуха сама диктовала живописи характер легкий и мягкий. Живопись акварелью на сырой бумаге называют «английской акварелью». Этот приём дает акварели глубину и создаёт ощущение солнечного света и воздушной перспективы.

Техника «A la Prima» Это живопись по-сырому, написанная быстро, в один сеанс, при которой создаются неповторимые эффекты разводов, переливов и перетеканий краски. Попадая на влажную поверхность бумаги, краска растекается по ней неповторимым образом, делая картину легкой, воздушной, прозрачной, дышащей.

Акварель «по-сухому» (Итальянская акварель) Акварель «по-сухому» заключается в просушивании каждого слоя краски перед нанесением последующего. Она обладает превосходной яркостью, более живым цветом и более высоким контрастом светлого и темного; создает уникальные живописные эффекты, не воспроизводимые другими методами.

Лессировками называется способ нанесения акварели прозрачными мазками (как правило, более темные поверх более светлых), один слой поверх другого, при этом нижний всякий раз должен быть сухим. По количеству красочных слоев Однослойная акварель Многослойная акварель Однослойная акварель – мокрым-по-сухому, заключается в том, что каждый мазок наносится рядом с предыдущим, захватывая его, пока тот еще не просох. Благодаря этому образуется естественное смешение оттенков и мягкий переход между ними.

Этапы работы в технике «лессировка»

По цветовой палитре Монохромная акварель (гризайль) Дихромная акварель Многоцветная акварель «Гризайль» - однотонная живопись не только серого, но и любого другого цветового оттенка Использование двух цветов

Некоторые «спецэффекты» Акварель и соль

Акварель и пищевая пленка

Разбрызгивание

Акварель по мятой бумаге

По красящим материалам (чистоте техники) «Чистая» техника акварели

Смешанная техника акварели Акварель и тушь

Смешанная техника акварели Акварель и акварельные карандаши Акварель и пастель Акварель и белила

По степени влажности кисти Сухая кисть Сухая кисть – прекрасный способ изобразить много линий, проведенных в одном направлении. Самый удобный прием для изображения травы, меха животных, пушистых поверхностей, цветов и листьев растений. Сухой кистью рисуют как на фоне ранее нарисованных слоев, так и на чистом листе бумаге.

Полусухая кисть Мокрая кисть

Работы учителя

Работы учащихся

Курс профессиональной переподготовки

Учитель, преподаватель изобразительного искусства

Курс повышения квалификации

Курс профессиональной переподготовки

Учитель мировой художественной культуры

Найдите материал к любому уроку,
указав свой предмет (категорию), класс, учебник и тему:

Выберите категорию: Все категорииАлгебраАнглийский языкАстрономияБиологияВсеобщая историяГеографияГеометрияДиректору, завучуДоп. образованиеДошкольное образованиеЕстествознаниеИЗО, МХКИностранные языкиИнформатикаИстория РоссииКлассному руководителюКоррекционное обучениеЛитератураЛитературное чтениеЛогопедияМатематикаМузыкаНачальные классыНемецкий языкОБЖОбществознаниеОкружающий мирПриродоведениеРелигиоведениеРодная литератураРодной языкРусский языкСоциальному педагогуТехнологияУкраинский языкФизикаФизическая культураФилософияФранцузский языкХимияЧерчениеШкольному психологуЭкологияДругое

Выберите класс: Все классыДошкольники1 класс2 класс3 класс4 класс5 класс6 класс7 класс8 класс9 класс10 класс11 класс

Выберите учебник: Все учебники

Выберите тему: Все темы

также Вы можете выбрать тип материала:

Общая информация

Как изобразить рябь на воде акварелью

Изображение воды может иногда казаться непреодолимым испытанием. Вода постоянно движется, поэтому запечатлеть момент без помощи камеры может быть просто невозможно. Но картины могут передать постоянное движение воды прямо как на фотографии, пока известна правильная акварельная техника.

Следующие 10 советов объясняют несколько основных умений, навыков и методов, которые вы можете использовать, чтобы нарисовать воду, которая выглядит дрожащей. Хотя я использую акварельные краски, эти подсказки также подойдут к любой краске на выбор. Практикуйтесь на свежем воздухе всякий раз, когда можете, но можно также работать по фотографии, когда нужно.

Вода может быть непрозрачной, прозрачной, изменчивой или гладкой, но вы будете использовать одни и те же методы для ее изображения. Следуйте этим советам, чтобы удостовериться, что все ваши картины воды выглядят ярко и живо.

1. Сначала нарисуйте неподвижную воду

Начинайте практиковаться тогда, когда вода спокойна и рефлексивна, таким образом позже вы сможете использовать методы, которые развиваете в этом случае, для того чтобы нарисовать любой другой тип воды, от неистового прибоя до слегка колеблющейся поверхности водоема. Все движения волн и ветра заставляют прибой казаться намного более сложным для рисования, но принцип здесь тот же самый, что и у неподвижной воды. Если будете учиться рисовать отражения и тонкую рябь на спокойном водоеме, вам будет легко изобразить разрушительную волну, надвигающуюся на пляж. Волна - всего лишь очень большая рябь, в конце концов!

2. Отражайте

Независимо от угла рисования, отражения всегда направлены непосредственно "к вам". Это простая физика, но иногда люди ожидают, что отражения будут следовать тем же самым правилам, как тени и перспектива.

Чтобы нарисовать их, сначала выберите простую линию в отраженном объекте, таком как ствол дерева или фасад здания. Отражение этой линии всегда будет перпендикулярно вам или основанию полотна. Это облегчает процесс ослабления какого-либо пигмента из отраженного объекта в его отражении. Все, в чем вы нуждаетесь, это несколько штрихов движения на следующем слое.

3. Помните о цветах

Вода синяя, только если отражает синий! Смотрите на цвета в отраженных деревьях, небе и объектах и используйте эти цвета как палитру для любой воды без белой пены. Даже корпус лодки или неба, не замеченного в живописи, может быть замечен в отражении.

Чтобы соединить воду и пейзаж, ослабьте цвета от отраженных объектов непосредственно в водном отражении, затем вернитесь и выделите береговую линию несколькими темными штрихами.

4. Сглаживаем отдаленную воду

Вода кажется более плоской, когда находится вдали, и горизонтальные линии могут передать это выравнивание поверхности воды и сокращение отражений. Используйте несколько соединяющихся горизонтальных черт, чтобы показать отдаленную воду и отражения от берега или объектов на его поверхности.

Потоки и реки также кажутся сглаженными на расстоянии. Почти те же самые штрихи, которые вы используете для отраженного элемента (как замечено во 2 совете) могут быть похожими на всю реку, если она течет далеко.

5. Сделайте отражения тусклыми

Легко "разбросайте" лучи на поверхности воды, так как отражение - это не идеальное зеркало. Поэтому палитра цветов для отражения должна быть более тусклой, чем отражаемые объекты. Много художников продолжают рисовать первый слой с объектов в воде, а затем заканчивают, добавляя более тусклый слой с большим количеством движения на поверхности воды.

Самые яркие белые оттенки в воде - отражения солнечного света. Более темные цвета обычно выглядят светлее в отражениях, и, наоборот, светлые выглядят темнее. Добавьте легкий дополнительный цвет к своему пигменту, чтобы подобраться как можно ближе к нужному цвету.

6. Нарисуйте четкие овалы для волн

Форма волны - овал, изогнутый в середине "острыми" чертами на обоих концах. Используйте жесткую круглую кисть, чтобы нарисовать волны. Плоская кисточка даст большие широкие штрихи, но она подведет вас в точках. Начните с рисования одной черты овала наконечником кисти, посильнее надавите на кисть для более широкого штриха в середине, затем завершите всё наконечником кисти. Овалы могут быть равномерно распределены или искажены в зависимости от ветра и перспективы.

7. Помните о свете

Направление света в пейзаже подскажет, насколько темной или светлой выглядит вода. Деревья, на которые свет падает с задней стороны, будут темными, но их отражение будет светлее. Наоборот, яркое переднее освещение даст более темное отражение в воде. Направление света также скажет, должна ли вершина или основание волны сверкать прекрасной карибской полупрозрачностью. Если свет проходит через волну под правильным углом, волна действует как линза, сосредотачивая яркие пятна света на своем основании.

8. Рисуем слоями

Слой совершенно прозрачной воды, где мы можем видеть камни на дне, является фактически отдельными слоями воды и камней, и тогда получается, что самый простой способ изображения - рисование слоями. Нужно разделить различные слои, позволяя им высохнуть полностью между нанесениями.

Не бойтесь использовать сильные темные цвета в первом нанесении. Сухая чистка даст структуру, которая открывается под водой. Нарисуйте воду в одном смелом нанесении, делая штрихи формы волны. Позвольте кисти буквально "танцевать" на полотне. Вы можете использовать гуашь для отраженного неба или оставить полотно белым с маскировкой, воском или точными штрихами (см. следующий шаг).

9. Смешайте всё

Используйте множество методов для того, чтобы зафиксировать текстурированные белые оттенки. Мне всегда нравится оставлять больше белого полотна, чем я использую, поскольку бумага - самый сверкающий белый, который вы можете иметь в своем наборе инструментов. Легко нарисовать на белом, но вы никогда не сможете вернуть нетронутую белую бумагу.

Однако, не ограничивайте себя только одним оттенком белого. Перманентный восковой мелок сохраняет белые оттенки, в то время как белая или тонированная гуашь в бледном цвете может дать световые акценты на водной поверхности. Усиление пигмента смягчает края. Подождите до того, как живопись высохнет, а затем используйте влажную тряпку, чтобы смягчить пигмент.

10. Добавьте структуру

Спресованная горячим способом бумага дает богатые цвета и гладкую структуру, идеальна для живописи воды в туманный день без искр белого отражения. Вы можете использовать много воды на влажных мазках кисти для стирания краев. Грубо спрессованная бумага дает тусклые цвета с отраженными искрами и структурой, прекрасно подходящей для побережья с белыми отражениями, прибоем и скалами.

Спресованная холодным способом бумага находится между "горячей бумагой" и "грубой бумагой", создавая немного структуры и более ярких цветов, что очень хорошо для того, чтобы обновить мирную сцену водоема "дрожащим" цветочным отражением.

Автор: Jennifer Branch

Поделиться статьей:

Назаров "Основные способы акварельной живописи" #2.

***
Многослойная акварельная живопись.
Способ Врубеля.
1. Твердым карандашом на хорошо проклеенной бумаге средней или мелкой зернистости в зависимости от размеров работы выполнить подробный, строгий рисунок с изображением внешних и внутренних контуров объектов, а также бликов, полутопов, теней как собственных, так и падающих, границ  цветовых пятен, складок тканей, орнаментов и т.д. Пpимером может служить незавершенный портрет Н. И. Забелы-Врубель 1904 года, на котором М. А. Врубель успел сделать несколько мазков на прическе и головном уборе, предоставив таким неожиданным образом возможность увидеть практически целиком этот удивительный подготовительный рисунок.
2. Изображаемые объекты прокрыть общим локальным цветовым тоном в 1/3 - 1/2 цветовой силы, светлоты. Оставить непрокрытыми блики и другие светлые места. Подчеркнуть разницу в цвете между предметами или их частями.
По высохшему предварительному слою нанести отдельные цветовые плоскости изображаемого объекта в полную силу, создавая некую цветовую мозаику, переходя от более крупных заливок к более мелким. Там, где цветового тона недостаточно, прокрыть последующие цветовые слои по высохшим предыдущим. И так до завершения работы, которая должна представлять собой объект, состоящий как бы из граней, площадок, по-разному расположенных в пространстве.
4. На данном этапе возможны некоторые размывки кистью, смягчающие резкие края некоторых заливок. Размывки могут обобщить отдельные участки работы, а также ослабить цветовой перегруз в случае ошибки. После высыхания данного участка на него можно нанести нужный цветовой тон. Иногда используются в качестве приема мелкие точки и штрихи, чтобы довести до нужного тона небольшие цветовые участки, т. е. по образному выражению художника К. А. Сомова, нужно «пуповать работу». Таким образом заполняются и мелкие промежутки между отдельными заливками.
Образцами такой последовательности работы акварелью являются ранние работы М. В. Врубеля: «Натурщица в обстановке Ренессанса» 1883 года, «Портрет старушки Кнорре за вязанием» 1883 года, натюрморт «Ткани» 1884 года, незаконченный портрет В. Е. Ершовой 1880-х годов, в котором благодаря незаконченности можно многое увидеть.

К сказанному следует добавить, что этот способ можно дополнить еще одним приемом в начале работы после выполнения рисунка. На лист бумаги нужно нанести слабый цветовой тон акварели, соответствующий общему тону изображаемой постановки, что придает работе особый цветовой настрой и обобщает ее. Так советовали вести учебные многослойные работы преподаватели в Московской средней художественной школе во время моего обучения в конце 1950-х годов. Впоследствии, став художником, я часто использовал этот прием в акварельных работах.

***
Многослойная акварельная живопись.
Способ Блюллова.
Основой способа является подмалевок, выполненный в холодных топах. Название способа говорит само за себя. Как известно, Брюллов был виртуозным акварелистом, овладевшим в совершенстве этой техникой, использовавшим в работах разные изобразительные приемы. Мастерство художпика можно видеть в его однотонных и многоцветных сюжетных работах. Тем не менее во многих портретах просматривается способ, в котором он ограничивает свою красочную палитру, выполняя вначале с помощью синей и черной красок подмалевок, расцвечиваемый затем с помощью охры желтой и охры красной. Надо отметить, что похожим приемом пользовались и другие русские художники. Вспомним пейзажные работы М. И. Воробьева и особенно большую группу акварелей Л. Л. Иванова, в которых он прокладывает по сути дела одни голубые холодные тени, решая таким образом задачу передачи пространства и воздушной перспективы. Подобные работы можно встретить у П. Сезанна,который спустя шесть десятилетий так сформулировал свою позицию в письме к Э. Бернару от 15 апреля 1904 года: «...природа для нас, людей, - это скорее глубина, чем плоскость: отсюда необходимость ввести в наши световые ощущения, передаваемые красными и желтыми цветами, достаточное количество голубого для того, чтобы чувствовался воздух».
По-видимому, те же задачи ставил перед собой К. П. Брюллов еще в начале XIX века, добиваясь передачи воздушной среды и пространства в сюжетной и портретной акварельной живописи и приходя к еще более цельному цветовому решению. Мы имеем удивительную, редкую возможность увидеть в начале XXI века замечательный портрет Г. Н. и В. А. Олениных среди атрибутов архитектуры на фоне римского пейзажа, а также серию женских портретов, выполненных мастером способом, о котором идет речь.
Из сказанного можно заключить, что этот способ применим в пейзаже, а также и в портретных работах. Им можно писать натюрморт, когда натурная постановка составлена из предметов классической изысканной формы в сочетании с гипсовыми слепками на фоне драпировок холодного тона, т. е. когда предметы имеют неяркую цветовую насыщенность, когда можно хорошо передать пространство и воздушную среду. Способ можно также использовать для изображения интерьера.
Попробуем представить последовательность работы данным способом.
1. На лист хорошо проклеенной бумаги с фактурой средней или мелкой зернистости нанести строгий, подробный рисунок твердым карандашом таким образом, чтобы на бумаге было четкое изображение. Однако не должно быть углублений, которые может оставить твердый карандаш и которые будут видны сквозь слой акварели.
2. С помощью синей (в нашем случае это голубая ФЦ) и черной красок выполнить подмалевок в технике гризайли, доведя работу до некоторой незавершенности. Красочные слои накладывать друг на друга по высохшей поверхности последовательно от светлых к темным.
3. Используя охру светлую и охру красную (можно также сиену жженую и английскую красную), довести работу до законченного состояния. При этом желтая краска, перекрывая синюю, даст зеленоватые оттенки, красная - фиолетовые, желтая и красная - оранжевые, а все вместе дают коричневатые оттенки. На участках, где нет синего цвета, желтый и красный «звучат» в полную силу. При этом в незначительном количестве можно подмешивать черную краску.
4. На данном этапе в работу можно внести цветовые и тональные акценты (с небольшим количеством черного цвета), а также незначительные исправления в виде легких размывок. Впрочем, лучше к этому в данном случае не прибегать.
В современной акварельной живописи этот способ практически не встречается. Во всяком случае мне не приходилось, видеть работы, выполненные таким способом, на выставках. В некоторых случаях я использовал этот способ, особенно в зимних пейзажах, расцвечивая их затем охрой светлой, английской красной и неяркой зеленью. Мне пришлось, идти от обратного в работе над теплым майским пейзажем с цветущей ивой и распускающейся зеленью над рекой. Чтобы передать теплоту воздуха, я выполнил сначала подмалевок, используя золотисто-желтую ЖХ и охру красную, а затем довел работу до закопченного состояния с помощью алой красной, зеленой и синей красок.

***
Многослойная акварельная живопись.
Классический способ.
Классический способ, который в некоторых искусствоведческих работах называют «нарочитым», не свойственным акварельной живописи, активно применялся акварелистами XIX века в портретной живописи при моделировке лица, при изображении тканей, интерьеров, на отдельных участках фона и иногда в пейзаже. В настоящее время этот способ никто практически не применяет, очевидно из-за его трудоемкости.

Данным способом в 19м веке выполнялись миниатюрные акварельные портреты, но есть также и сюжетные сцены, и интерьеры.
Последовательность работы можно представить таким образом.
1. На лист акварельной хорошо проклееной бумаги с небольшой зернистостью нанести строгий неяркий рисунок твердым карандашом достаточно подробно.
2. На изображаемый предмет или объект нанести общий цветовой тон, соответствующий светлым участкам, за исключением бликов и светлых пятен, где бумага должна оставаться пока не тронутой цветом.
3. После высыхания первого слоя нанести последовательно друг на друга следующие слои-заливки, начиная со светлых полутонов и заканчивая самыми темными участками, собственными и падающими тенями. Края отдельных слоев-заливок не должны быть размыты. Каждый последующий слой нужно наносить на хорошо просушенный предыдущий. Таким образом, изображение доводится до неполной степени законченности, когда можно еще нанести примерно 1-2 слоя.
4. Острым кончиком тонкой кисти (возможно это современные №1, 2) на поверхность просохшего изображения или какой-то его части нанести штриховой слой акварели, аналогичный карандашному или первому рисунку. Этот слой смягчает резкие края отдельных заливок, моделирует форму, доводит изображение до законченного состояния по светлоте и цветовой насыщенности и создаст ощущение материальности изображаемого. Наносимый штриховой слой, в котором штрихи могут пересекаться, накладывалаться друг на друга, может быть как одного цвета (обобщающего), так и разных цветов, в зависимости от стоящих перед художником задач. Например, художники XIX века при моделировке лица на предварительный золотистый тон в светлых местах наносили розоватые штрихи, а в теневых - синеватые. Достоинство такого приема заключалось в его особой пластической выразительности, что позволяло «не замылить» форму и не сделать ее грубой. Это требовало большого мастерства.
В пейзажных и портретных работах мне приходилось проявлять огромную смелость, чтобы суметь воспользоваться хотя бы в незначительной степени этим способом, всякий раз оставляя надежды на будущие работы. Но даже самая незначительная удача при этом вызывала чувство удовлетворения и радости.

***
Многослойная акварельная живопись.
Способ Сезанна.
Название способа указывает на его происхождение. Известно, что Поль Сезанн, помимо масляной живописи, охотно и очень успешно писал акварельными красками. Сохранились очень интересные акварели художника. Одни, как «Облокотившийся курильщик», написаны буквально двумя цветами: сине-пепельным и охрой красной. В других он немного расширяет свою палитру до трех цветов - зеленого, охры красной и желтой, оставляя как основу сине-пепельный цвет. В своих работах Сезанн опирался на один из трех принципов Поля Синьяка, который заключался в том, чтобы никогда не накладывать одну краску на другую, так как любой положенный поверх другого тон выцветает.
Но в последние годы П. Сезанн, продолжая страстно увлекаться акварелью, писал совершенно по-другому. Он перекрывал один цвет другим, затем третьим и так далее, используя при этом основные цвета - синий, красный, зеленый и желтый, примешивая к ним в небольшом количестве черный цвет, с помощью которого делал незначительные штриховые акцепты поверх мазков. Самое главное, что П. Сезанн не смешивал основные цвета между собой, а использовал как бы принцип наложения друг на друга цветных стекол. Вот что писал об этом Эмиль Бернар в 1904 году: «Он начинал с легкой тени, наносил пятно, покрывал его другим, большим пятном, затем
третьим, пока все эти цветовые градации, перекрывая друг друга, не вылепливали цветом форму предметов».
Художник работал над всей композицией, касаясь то первого, то второго плана, то неба, а когда возвращался к тому или иному участку, новое наложение краски не смывало предыдущий слой. Прозрачность акварели сохранялась.
Трудно сейчас сказать с уверенностью, кто наряду с П. Сезанном мог использовать этот способ, так как многие его современники работали, стараясь не перекрывать один чистый цвет другим.
Так или иначе, описанный способ просматривается в работах художников конца XX века. Мне приходилось видеть выполненные похожим образом работы на московских выставках. Их отличала воздушность в сочетании с особой звонкостью и свежестью цвета.

Последовательность работы этим способом следующая.
1. На лист бумаги нанести свободный рисунок графитным карандашом средней мягкости без использования ластика. Ошибочные линии, если они не столь интенсивны, можно оставить на бумаге, они дополнят будущий цветовой слой некоторой игрой линий.
2. Нанести цвет, начиная с синего, на тех участках, где он может присутствовать в той или иной степени. Мазки следует делать небольшие, по форме предмета, прозрачные, легкие. Затем нужно нанести остальные цвета один за другим в любой последовательности, например красный, зеленый, желтый. Важно, чтобы переход от более светлых тонов к более темным был постепенным. К чистым цветам в небольшом количестве можно добавить черный цвет. Перекрывание одного цветового пятна другим может быть неполным, т. е. чтобы предыдущий цвет кое-где просматривался в чистом виде. В этом приеме заключается особая цветовая прелесть способа.
3. На данном этапе нужно сделать цветовые акценты с использованием черного цвета, подчеркивающие форму изображаемого предмета или объекта.
В работе этим способом можно использовать вместо чистых ярких цветов земельные цвета, например охру светлую, охру красную, а к ним добавить окись хрома, голубую ФЦ и черную. Интересная работа может получиться, если карандашный рисунок сделать каким-нибудь цветным карандашом, например синим, зеленым или любым другим; важно, чтобы он был хорошо заметен на бумаге.

***
Многослойная акварельная живопись.
Размывочный способ.
Название способа может показаться странным, так как, говоря об акварельной живописи, мы чаще всего связываем ее с такими определениями, как легкая, прозрачная, «незамученная», и только иногда употребляем выражение «незначительная размывка кончиком кисти». Тем не менее многие известные акварелисты пользовались в многослойной живописи размывочным способом, позволяющим добиваться удивительной игры цвета па бумаге, мягкости форм, воздушности и в то же время плотности и материальности, где это необходимо, при изображении самых равных объектов.
Размывочным способом активно пользовались такие художники, как П. П. Чистяков, В. А. Серов, M Л. Врубель, И. Е. Репин, испанец М. Фортуни, американский художник Э. Уайет, советские мастера акварельной живописи. Из современных акварелистов можно назвать харьковского художника Виктора Сидоренко.
Мне пришлось столкнуться впервые с этим способом во время учебы и художественной школе, когда один старшеклассник, увидев мою неудавшуюся работу, посоветовал смыть ее под струен воды кистью или губкой так, чтобы изображение на бумаге осталось словно и тумане, а затем после полного высыхания написать се снова. Впоследствии преподаватели положительно оценили мою работу.
Последовательность работы размывочным способом может выглядеть следующим образом.
1. Необходимо подобрать хорошо проклеенную плотную бумагу с ярко выраженной фактурой и нанести на нее строгий подробный рисунок карандашом марки T или Н. Важно, чтобы рисунок не был слишком бледным. Лист бумаги закрепить на планшете.
2. Нанести красящий слой в полную силу цвета, прокрывая последовательно цветовые плоскости изображаемого предмета или объекта. Делается это примерно так, как при работе по сухой поверхности бумаги в однослойной акварели. Затем поверхность работы необходимо полностью просушить.
3. Смыть изображение, желательно пол струей воды, кистью или мягкой губкой таким образом, чтобы оно смотрелось как бы через слой прозрачной ткани или пелену тумана. Затем работу необходимо полностью просушить. После просушки нанести легкие прозрачные слои цвета, моделируя форму предметов или объектов, доводя работу почти до законченного состояния. Нужно ли делать следующее смывание изображения? Это решать самому художнику. Для получения необходимого результата изображение может смываться полностью или частично несколько раз, важно, чтобы выдержала бумага. Таким образом, создается своеобразный подмалевок с перламутровой цветовой поверхностью, получаемый «безжалостным» способом.
4. С помощью лёгких заливок, мазков необходимо довести работу до законченного состояния, сохраняя при этом прозрачность, даже легкость цвета. Словом, надо закончить работу так, чтобы за последними слоями не чувствовалось мучительной работы. При удачном решении задачи можно дбиться, где это необходимо, и воздушности, и плотности изображения.

***
Многослойная акварельная живопись.
Смешанный способ.
Об зтом способе, в отличие от предыдущих, можно сказать совсем немного, поскольку он не имеет определенной последовательности в процессе работы. Попятно, что способ предполагает сочетание нескольких способов в одном акварельним листе. Опыт подсказывает, что выполнить ту или иную акварель каким-то одним способом за определенным исключением бывает очень трудно. Например, трудно написать одним способом дождливое небо с просветами и полосами дожя и плотную мокрую землю одновременно или туманную даль залива и плывущий на переднем плане тяжелый катер-буксир. И это только маленький пример. Ведь каждый способ чаще всего бывает хорош для выражения определенной творческой задачи. Кроме того, несмотря на некоторые потери на пути своего развития, акварельное искусство постоянно обогащается новыми техническими приемами.
Сказанное, конечно, вовсе означает, что смешанный способ предполагает сочетание всех способов или большинства в одном. Это выглядело бы чем-то искусственным, механическим. Важно разумное сочетание того, что помогает художнику максимально выразить ту или иную творческую задачу. Многие опытные акварелисты уже давно научились сочетать и одной работе различные способы.
В заключение приведу пример исполнения работы смешанным способом из своей практики. В одной из работ мне пришлось сделать сначала цветной подмалевок по увлажненной бумаге. Затем с помощью синей краски с небольшим добавлением коричневой был выполнен рисунок в технике гризайли с моделировкой форм. Потом работа расцвечивалась с помощью легкой зелени, охры светлой и английской красной с небольшим добавлением черной краски. Кое-где были применены частичные размывки с последующим наложением цвета. И наконец, сделаны какие-то незначительные добавления, акценты точками, штрихами для полного завершения работы.

***
Мы рассмотрели одиннадцать способов акварельной живописи, основных и характерных для этой техники. Как можно заметить, некоторые способы вступают друг с другом в определенные противоречия. Приверженцы одного советуют писать быстро, легко, в один слой, другие предлагают мучительные исправления по нескольку раз. Работа «по сырому » противоречит поэтапной работе по высыхающим слоям и т. д. И в этом нет ничего странного - окружающий мир бесконечно многообразен, поэтому так многообразны и способы eго отражения. Каждый художник выбирает что-то свое, наиболее близкое его душе. И пусть будет много интересных индивидуальностей, что в конечном счете развивает акварель как вид искусства. Важно, чтобы она сохраняла свои неповторимые особенности, помогала художникам раскрывать удивительную красоту мира, увиденную особыми, неравнодушными глазами и пропущенную через свое индивидуальное восприятие.

Источник: http://www.booksshare.net/index.php?id1=4&category=iskusstvo&author=nazarov-ak&book=2002

Умиротворяющая акварель

Ребята, мы вкладываем душу в AdMe.ru. Cпасибо за то,
что открываете эту красоту. Спасибо за вдохновение и мурашки.
Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте

Для тех, кто устал от суеты и котиков.

В мире, где на нас ежедневно сваливаются тонны информационного мусора, иногда так хочется отрешиться от всего, вдохнуть полной грудью и остановить свой взгляд на чем-то спокойном, не вызывающем никакого раздражения и дискомфорта.

Мы в AdMe.ru считаем, что лучший отдых для ума и зрения — это погружение в мир искусства. В этом обзоре мы собрали такие работы акварелистов, которые наполнят вас тишиной и станут глотком свежего воздуха в жаркий городской день.

Путешествие в Париж с Тьерри Дювалем

Родившийся в Париже художник Тьерри Дюваль (Thierry Duval) много путешествовал. Отсюда и наличие целых серий картин «по географическому признаку». Тем не менее, любимым местом автора был и остается Париж. Львиная доля работ посвящена именно городу влюбленных. Дюваль пишет картины исключительно акварелью. При этом у него есть своя собственная техника многослойного нанесения краски, что позволяет создавать картины практически с гиперреалистичной детализацией.

Жаркий полдень Канта Харусаки

Канта Харусаки (

) - японский акварелист, родился в Кумамото, работать акварелью начал в возрасте 32 лет. Харусаки любит писать, используя «wet brush», но сохраняя правильность рисунка. Он умеет мастерски и достоверно передать прозрачнейший легкий цвет,а также свет и пространство. Зрители восхищаются умением художника передать чёткие контуры бликов и листвы, сочетая это с техникой «по-мокрому».

Живая вода Дэвида Драммонда