1 Художественная культура и искусство

Лекция 1.     Художественная культура и искусство. Функции искусства

1. Специфика художественной культуры, ее особенности.  Искусство как феномен культуры.

2. Природа и сущность искусства.

3. Функции искусства. Роль искусства в жизни человека, развитии человеческого общества и преобразование окружающей действительности.

Литература:

Борзова, Е.П. История мировой культуры / Е.П. Борзова. – СПб.: Изд-во «Лань», М.: ООО Изд-во «Омега – Л», 2005. – С. 28 – 55.

Губарева, М.В. 100 великих шедевров изобразительного искусства / М.В. Губарева, А.Ю. Низовский. – М.: Вече, 2006. – 480 с.

Дмитриева, Н.А. Краткая история искусства / Н.А. Дмитриева. – М., 1986. – С. 5 – 118.

Елинек, Я. Большой иллюстрированный атлас первобытного человека. – Прага: Артия, 1983. – 559 с.

Рекомендуемые файлы

Культурология: история мировой культуры / Под ред. Т.Ф. Кузнецовой. – М.: «Академия», 2003.

– С. 33 – 79.

Мировая художественная культура: в 2 т./ Под ред. Б.А. Эренгросс. – М.: Высш. шк., 2005. – Т. 1. –  С. 85 – 153.

Тайлор, Э.Б. Первобытная культура / Э. Б. Тайлор. – М.: Политиздат, 1989. – 572 с.

Художественная культура занимает особое место как в системе культуры в целом, так и в духовной культуре. По уровню ее разви­тия, по характеру созданных произведений судят об эпохе. Антич­ность, Средневековье, Возрождение и другие исторические перио­ды узнают главным образом по художественной культуре, создан­ной в это время. Часто именами творцов обозначают время, в ко­торое они жили: «эпоха Шекспира», «век Пушкина», хотя каждый из них прожил исторически короткий срок – одну человеческую жизнь.

Происходит это потому, что в художественной культуре прояв­ляются самые существенные черты духовной жизни общества, по­тому что она активно воздействует на все другие формы общест­венной и духовной жизни – на мораль, религию, науку, политику и т. д., испытывая, в свою очередь, их влияние, взаимодействуя с ними.

В различные исторические эпохи ведущими, определяющи­ми лицо эпохи, оказывались то одни, то другие формы обществен­ного сознания. Так, доминантой средневековой культуры Европы было христианство, что в значительной степени определило свое­образие искусства этого времени. Особенности культуры XX века формировались под влиянием нового видения мира, открытого наукой. Очень важной для развития всей культуры, и художествен­ной в том числе, оказалась философия.

Теснейшим образом художественная культура связана с мора­лью, вбирая в себя определенные нравственные ценности и утвер­ждая их с только ей присущей активностью.  Художественная культура непосредственно воздействует на человека, постоянно находится в контакте с ним, независимо от того, осознает он это или нет, приобщается к ней сознательно или, как ему кажется, без­различен к ней.

Художественная культура активно участвует в формировании духовного мира личности. Именно поэтому так важно понять свое­образие художественной культуры, особенности ее проявления, ее роль в развитии общества и место в современной жизни.

Особенности художественной культуры

Обычно понятие «художественная культура» отождествляется с искусством. И это не случайно: искусство – центральный и системообразующий элемент художественной культуры. Оно облада­ет огромной культурогенной способностью, создавая целый ряд связанных с ним форм деятельности – художественное творчест­во, художественное восприятие, художественная критика и т.д., образуя вокруг себя «культурное поле».

В научной литературе нет единого мнения в определении со­ставляющих художественную культуру элементов. Но при всем различии воззрений все авторы

включают в художественную куль­туру три основных элемента, обеспечивающих ее функционирова­ние: производство, распределение и потребление (восприятие, ос­воение) художественных ценностей — произведений искусства.

От соот­ношения и взаимодействия составных элементов художественной культуры зависит возможность формирования творческой лично­сти, востребованность (или невостребованность) произведения, созданного творцом, соответствие системы художественного про­изводства, распределения, потребления художественных ценно­стей назначению искусства.

Художественная культура складывается исторически по мере развития общества и расширения сферы художественной деятель­ности и, оставаясь открытой системой, вбирает в себя новые фор­мы и виды творчества.

Художественно-творческая деятельность, в результате которой создаются произведения искусства, появилась в глубокой древно­сти. Все остальные элементы художественной культуры возникали постепенно, на разных этапах развития человечества. Появление их было обусловлено многими причинами: развитием общества и его потребностями, развитием самого искусства, возникновением в нем новых видов и форм, необходимостью создания условий для творческой деятельности, собиранием и хранением произведе­ний искусства, расширением возможностей для потребления художественных ценностей, необходимостью осмысления и изучения искусства и т. д.

Таким образом, художественная культура стала представлять собой совокупность процессов и явлений духовно-практической деятельности по созданию, распространению, освоению произве­дений искусства или материальных предметов, обладающих эсте­тической ценностью.

Каждый из составляющих ее элементов связан с искусством.

Так, для создания произведений искусства – художественных ценностей недостаточно только таланта художника, нужны еще условия, при которых его талант и потребность в творчестве могут реализоваться. Это профессиональная подготовка мастера, предполагающая определенную организацию специального художест­венного образования; создание условий, при которых обладаю­щий способностью к художественному творчеству человек мог бы обеспечить своим творчеством свое существование, то есть систе­ма приобретения художественных произведений, оплаты труда ху­дожника и др.

Искусство создается для людей – читателей, слушателей, зри­телей.

Значит, необходимо издавать, репродуцировать, исполнять, экспонировать художественные произведения. А это, в свою оче­редь, приводит к развитию разных форм культурной деятельности: книгопечатанию, издательской деятельности, организации выставок и салонов, постановке спектаклей и концертов и т.

д. Вначале эта деятельность была достаточно хаотичной, но со временем она обрела определенные формы. Появляются специальные выста­вочные помещения и музеи, концертные залы и театры, библиоте­ки и другие культурно-просветительные учреждения. Совокуп­ность таких учреждений образует фундамент художественной культуры.

Художественные музеи – это просветительные, науч­но-исследовательские учреждения, где хранятся, изучаются, экс­понируются и пропагандируются произведения искусства. Библи­отеки — собирают, хранят, изучают, распространяют, пропаган­дируют книги. Письменная культура с момента появления книго­печатания стала средоточием накопленной человечеством инфор­мации.

Художественная культура во многом определяется культурной политикой государства.

Важным элементом художественной культуры является по­требление, восприятие художественных ценностей. Это особый вид творческой деятельности, состоящий в восприятии произве­дения искусства как художественной ценности, сопровождаю­щийся эстетическим переживанием.

Отношение к искусству не возникает стихийно. Оно складывается в зависимости от среды, в которой формируется человек, от образования, эстетического вку­са, жизненного опыта, ценностных ориентации. Особенно важны первые сведения, которые человек получает об искусстве. В зависимости оттого, какое отношение к искусству он встретит в начале своего жизненного пути – уважение и лю­бовь или пренебрежение, как к чему-то пустячному и необязатель­ному для жизни, – во многом зависит будущее отношение к искус­ству: появится устойчивая потребность в нем или сложится инте­рес только к его развлекательной функции. Первая информация всегда создает определенную установку, на которую, как на фон, накладываются все последующие представления. Данное обстоя­тельство обусловливает огромное значение организации системы художественного и эстетического воспитания, что должно стать одним из направлений культурной политики государства.

Приобщение к искусству формирует уважительное отношение к нему, понимание его непреходящей ценности, осознание его особенностей, своеобразия каждого его вида.

В процессе развития искусства возникает потребность в глубо­ком осмыслении этого уникального феномена, что и приводит к появлению науки об искусстве – искусствознания.

Искусствознание — совокупность наук, исследующих искусст­во. Оно изучает происхождение искусства, его социальную и эсте­тическую сущность, закономерности его развития, природу худо­жественного творчества, функции искусства, его место и роль в ду­ховной и общественной жизни.

Искусствознание представляет собой общую теорию искусства как особой формы художественно-творческой деятельности. Но наряду с ним существуют теории, изучающие конкретные виды искусства: литературоведение, искусствоведение, музыковедение, театроведение, киноведение и др. Каждая из этих частных наук имеет свой объект исследования, обладает самостоятельностью, но входит в общую систему наук об искусстве.

Очевидно, что при всем различии конкретных видов искусства они обладают общей природой и каждое конкретное искусство может представлять всю сферу художественного творчества, так как каждый вид искусства не только специфичен, но и несет в себе универсальные характеристики всего искусства в целом.

Художественно-творческая деятельность протекает в общест­ве. Творческий процесс реализуется в двух формах – индивидуаль­ной и коллективной. На творческий процесс влияют, а во многом и определяют его те взгляды, воззрения, представления, которые сложились в обществе. Жить в обществе и быть свободным от об­щества – нельзя. Но общество, а тем более государство, пытается руководить творчеством, влиять на творческий процесс. Во мно­гих государствах эту задачу выполняют министерства или комитеты культуры, существующие при правительстве. Они определяют культурную политику, делают государственные заказы и тем са­мым направляют творчество художников в нужное для данного го­сударства русло. Они же организуют системы специальных учеб­ных заведений, готовящих художников, музыкантов, артистов.

Часто сами деятели искусств образуют объединения с целью творческого общения и решения некоторых важных для данного искусства задач: популяризации творчества, организации выста­вок, заказов, издания произведений и т. д. Как правило, объедине­ние происходит на основе общности творческих принципов.

Так, в XIX в. в России композиторы входили в творческое со­дружество «Могучая кучка», художники образовали «Товарищество передвижных выставок», которое продолжало свою деятельность и в XX веке. Артисты создали «Русское театральное общество» с це­лью содействовать развитию театрального дела.

После революции 1917 г. у нас в стране существовало много разнообразных творческих объединений писателей, художни­ков и др.

В 30-е годы все они были ликвидированы и созданы творче­ские союзы, объединившие деятелей искусства по видам искусст­ва: союзы писателей, композиторов, художников и т. д. Их целью было организационное и идеологическое руководство культурой.

С распадом СССР творческие союзы не только утратили свое идеологическое содержание, но и лишились государственной под­держки. Сейчас они осуществляют задачу организационно-твор­ческого единения деятелей искусства, что особенно важно для ху­дожников, писателей, композиторов и др. , творчество которых но­сит индивидуальный характер.

Как мы видим, структура художественной культуры сложна и включает в себя много разнородных элементов. Но все они суще­ствуют в тесной взаимосвязи друг с другом и вместе образуют оп­ределенную целостность.

Итак, художественная культура включает в себя производство художественных ценностей, сами художественные ценности – произведения искусства, их распространение, воспроизведение, репродуцирование, потребление, искусствознание и науки о кон­кретных видах искусства, художественную критику, художествен­ное образование, институты и организации, обеспечивающие су­ществование и хранение художественных ценностей,— музеи, вы­ставочные залы, картинные галереи, театры, кино, библиотеки и др., творческие объединения и организации.

Природа и сущность искусства

Искусство – одно из самых удивительных созданий человече­ства. Изображая на полотне одного человека, создавая пейзаж, на­тюрморт, описывая в романе какой-то период жизни, судьбы лю­дей, а в рассказе – только случай или эпизод, сочиняя музыкаль­ное произведение, возводя здание, творец говорит о своем време­ни, об эпохе и о себе – художнике, создавшем все это.

Такой способностью к обобщению обладает только филосо­фия. Но если философия выражает открывшуюся ей сущность яв­лений в обобщенно-абстрактной форме, лишенной жизненных красок, то искусство, давая обобщенное отражение действитель­ности, сохраняет ощущение всей полноты жизни. Искусство отра­жает действительность как некую жизненную целостность. Также целостно оно воздействует на человека, захватывая од­новременно и его ум, и его сердце. Такой способностью целостно­го отражения мира и целостного воздействия на человека не обла­дает никакое другое его творение.

Глубина постижения действительности в художественном про­изведении зависит от художника – его таланта, профессиональ­ного мастерства, от его взглядов, одним словом, от своеобразия личности творца.

Искусство отражает действительность. А так как действитель­ность сложна и постоянно развивается, то и искусство, отражаю­щее ее, сложно.       Сложность объекта отражения определяет слож­ность искусства. Она проявляется в том, что искусство существует во многих видах: художественная литература, архитектура, музы­ка, изобразительные искусства и синтетические: театр, кино. Каж­дый из видов искусства включает в себя несколько жанров. Оста­ваясь одним и тем же, оно меняется во времени.

Так, например, древнегреческий театр скорее напоминал ны­нешний стадион, где собирались сотни зрителей. Представление начиналось на рассвете и продолжалось до позднего вечера. Звук трубы возвещал о начале каждой новой пьесы. Если она не нрави­лась, бурная реакция зрителей могла прервать ее действие и выну­дить актеров перейти к другой. Играли актеры в масках, без кото­рых они были бы плохо видны далеко сидящим. Маски закрывали не только лицо, но и голову. Большие размеры (больше головы) маски позволяли создавать укрупненные, обобщенные образы – трагические, выражающие страдание, или комические, карика­турные. Мимика актеру не была нужна. Но к голосу, дикции предъявлялись особые требования. Ведь играли одни и те же акте­ры с утра и до вечера множество самых разных ролей, в том числе мужчины-актеры играли и женские роли. Артисты должны бы­ли не только произносить текст, но и петь и танцевать и достигали во всех этих видах театрального искусства большого совершенства. Таким был античный театр.

Театр эпохи классицизма совершенно иной. Отказ от воспро­изведения реальной жизни, стремление к идеализации действи­тельности и облагораживанию ее породило и своеобразие формы. Герои Корнеля и Расина – крупнейших драматургов этого перио­да – переживали особые возвышенные чувства, совершали зна­чительные поступки, изъяснялись изысканно и торжественно. И это тоже театр. И в это же время во Франции возникает еще один, совсем особый театр. Это театр высокой комедии, театр Мольера. Здесь жизнь показана в ее естественном течении, драматургия ни на пядь не отступает от действительности. На подмостках театра Мольера вереницей пройдут люди, оказавшиеся в разнообразных узнаваемых жизненных ситуациях. Здесь будут обманутые мужья и верные жены, истинное благородство и эгоизм; здесь прозвучат злые насмешки над семейным деспотизмом и ханжеством, над пу­стотой аристократов и их показным благородством, над искусст­венной речью и вычурными манерами.

Речь мольеровских героев будет естественна, характеры их жизненны, а ситуации, в которых они оказываются, достоверны. И это тоже театр.

В каждой стране театральное искусство имеет какие-то свои особенности. И в одно и то же время театр французский, англий­ский, русский и т. д. будут обладать всеми признаками этого вида искусства, будут своеобразными, непохожими друг на друга.

         Представим себе традиционный японский театр Кабуки или театр Но (китайский театр). Они настолько не похожи на привычные для европейцев теат­ральные формы, что без некоторой подготовки просто непонятно, что происходит на сцене, даже если известно, о чем пьеса.

В театре Кабуки сложная своеобразная драматургия. Пьеса включает драматическую основу, музыку, танцы, пантомиму (игру без слов), балет. В каждой пьесе обязательно есть два типа персо­нажей: один представляет мощь, силу, величие, независимо отто­го проявляется оно в добре или зле. Такой персонаж называется «арагото». Другой тип – «вагото» – мягкость, покладистость. Действие происходит на трех сценических площадках: сцена, авансцена и цветочная тропа: невысокий помост, проходящий че­рез зрительный зал (ханамити).

Свои особенности имеет и игра актеров. Речь, действие, дви­жение на сцене иные, чем в жизни. Главное в игре актера – пре­дельная выразительность. Для этого одну и ту же реплику могут произносить несколько актеров, она может быть расчленена на со­ставные части, и каждую часть ее произносят разные исполнители, а заканчивают все вместе и т.д. Игра актера находится на грани то­го, что «совсем как в жизни» и «в жизни так не бывает».

Но в одной и той же стране, в одно и то же время существует много разных театров. У каждого из них свои особенности, свой почерк, своя манера исполнения, и хотя они иногда ставят одни и те же пьесы, но создают совершенно разные спектакли.

То же самое можно заметить в каждом виде искусства. Живо­пись – это и наскальные росписи 20-25-вековой давности, и иконопись. Живопись эпохи Возрождения, голландская живопись XVII в. , живопись передвижников и художников-авангарди­стов – все это живопись, один из видов изобразительного искус­ства, но как различаются произведения живописи разных эпох!

И в наше время существует много разных живописцев, и каж­дый из них по-своему интересен.

«Каждый из них – это цельный мир, цельное восприятие ми­ра, – говорил о художниках М.С. Сарьян, – это цвет, свет, тень, перспектива, музыка, через которые видит художник мир. Но на что был бы похож мир, если бы на земном шаре возник лишь один тип цивилизации и один тип живописи. Искусство любит много­образие как с исторической, так и с национальной точки зрения»

Искусство очень сложно. Оно сложно по своей структуре, по своему многообразию, оно меняется от вида к виду, от жанра к жанру, от одного художника к другому. И хотя люди, создающие художественные произведения, делают все, чтобы их замысел до­шел до зрителей, читателей, слушателей, понять его, раскрыть для себя — чрезвычайно непросто. Этому надо учиться. И нау­читься этому можно, лишь обращаясь к искусству.

Когда мы говорим о сложности искусства, важно учитывать и еще одну особенность: восприятие художественного произведе­ния зависит не только от него самого, но и от нас. От того, научи­лись ли мы воспринимать искусство, понимать его язык, его осо­бенность, природу, присущую ему условность, зависит многое: поймем ли мы, откроем ли для себя его содержание, получим ли все то неповторимое богатство, которое в нем заключено, или нет. Неприятие какого-то художественного произведения обусловлено многими причинами: неподготовленностью к встрече с искусст­вом, желанием увидеть нечто определенное, не совпадающее с тем, что представлено в произведении, привычкой воспринимать новое, по аналогии с тем, что было увидено и услышано раньше, и т. д.

Картины великого голландского живописца XIX в. Винсента Ван Гога часто вызывают недоумение. Пейзаж и люди на его по­лотнах изображены непривычно. Цвет не совпадает с цветом изо­бражаемого предмета, своеобразен рисунок. Все изображенное ка­жется ярче. Вот как объясняет художник те изменения, которые он производит в своих картинах:

«Допустим, мне хочется написать портрет моего друга – ху­дожника, у которого большие замыслы и который работает так же естественно, как поет соловей, такая уж у него натура. Этот чело­век светловолос. И я хотел бы вложить в картину все свое восхище­ние, всю свою любовь к нему. Следовательно, сначала я пишу его со всей точностью, на ка­кую способен. Но полотно после этого еще не закончено. Чтобы закончить его, я становлюсь необузданным колористом. Я преувеличиваю светлые тона его белокурых волос, доходя до оранжевого, хрома, бледно-лимонного. Позади его головы я пишу не банальную стену убогой комна­тушки, а бесконечность – создаю простой, но максимально интенсивный и богатый синий фон, на какой я способен, и эта нехит­рая комбинация светящихся белокурых волос и богатого синего фона дает тот же эффект таинственности, что звезда на темной ла­зури неба. Точно тем же путем я шел в портрете крестьянина»

Функции искусства

Искусство выполняет множество функций, его роль и значе­ние в жизни человека и общества не исчерпываются утилитарны­ми задачами. Оно самоценно.

В научной литературе нет единого мнения в определении ко­личества функций искусства и их иерархии.

Назовем наиболее значимые из них:

1. познавательная,

2. ценностно-ориентационная (ак­сиологическая),

3. коммуникативная,

4. воспитательная,

5. знаковая (се­миотическая),

6. творческая (эвристическая),

7. эстетическая,

8. идеоло­гическая.

Искусство также обладает способностью предвидения (прогностическая, или футуристическая, функция), его восприя­тие доставляет людям радость, удовольствие (гедонистическая функция). Есть и другие, вплоть до психотерапевтической.

Трудно выделить ту функцию, которая может быть определена как наиболее значимая. Как правило, в художественном произве­дении наличествуют почти все. Превалирование какой-либо од­ной за счет других влияет на качество произведения, делая его то дидактически-поучающим, то поверхностно-развлекательным, и не больше.

Очень важна познавательная функция искусства. Историче­ские события стираются в памяти людей. О них вспоминают, изу­чая историю или тогда, когда современность напоминает о них.

История знает множество сражений не только на суше, но и на море. Во многих из них гибли корабли, гибли люди. Иногда проиг­равшим сражение морякам предлагали сдаться, гарантируя при этом условии жизнь. И нередко команда корабля отказывалась от этой милости, предпочитая смерть плену. Только военные истори­ки помнят имена погибших кораблей. Но о гибели крейсера «Ва­ряг» благодаря песне знает вся Россия. Забыто имя автора, а песня живет, воскрешая в памяти людей трагический и прекрасный факт истории русского флота.

Нередко, особенно на уровне обыденного сознания, познава­тельные возможности искусства отрицают, поскольку полагают, что эту функцию полностью выполняет наука.

Наука и искусства – разные грани творческой человеческой деятельности, они по-разному отражают действительность и дают знания о ней. Наука дает знания об определенных сторонах и свойствах действительности. Искусство – знание жизни. Наука открывает новые факты и законы. Искусство отражает закономер­ные явления. В знакомом и известном оно открывает незнакомое и неизве­стное: не раскрываемую наукой и эмпирическим знанием красоту природы, внутренний мир человека, неповторимую сложность че­ловеческих отношений. Искусство обладает способностью откры­вать красоту в самом обычном. Кажущиеся малопривлекательны­ми человеческие лица, серенькие пейзажи, увиденные глазами по­этов и художников, оказались прекрасными, и, благодаря их твор­честву, изменились, расширились наши представления о красоте. Вспомните стихотворения Н. Заболоцкого «Некрасивая девочка», «Красота человеческих лиц», пейзажи средней полосы России, на­писанные И. Левитаном и И. Шишкиным, «Грачи прилетели» А. Саврасова и др.

«Произведением искусства… может быть признано только та­кое, в котором заключается раскрытие чего-либо нового, доселе неизвестного людям», – считал Л. Н. Толстой. О способно­сти искусства открывать людям незамеченное ими ранее, но очень важное, составляющее сущность человека, говорит он и в своих произведениях.

В искусстве все личностно. Личность художника проявляется в процессе художественного творчества и в его результате. Одни и те же явления действительности разные художники видят, воспри­нимают и воспроизводят различно. Так же как и читатели, зрите­ли, слушатели, которые видят в художественном произведении ка­ждый свое.

Более того, восприятие художественного произведения и его оценка у одного и того же человека могут меняться. Подлинно ху­дожественное произведение так многогранно, что не увиденное раньше может открыться позднее.

«Через каждые пять лет перечитывай «Фауста» Гете. Если ты каждый раз не будешь поражен, сколько тебе открывается нового, не будешь недоумевать, как же раньше ты этого не замечал, – ты остановился в своем развитии»,— считает В.В. Вересаев. То же можно сказать о «Войне и мире», «Братьях Карамазовых» и других великих произведениях.

Но в этой способности открыть для себя новое в уже известном произведении обнаруживается не только многозначность самого художественного творения, но и еще одна особенность искусства: его восприятие носит творческий характер. Воспринимая произведения, мы сами становимся твор­цами. Созданное художником для каждого человека таково, каким он его для себя откроет. Открытое нами в искусстве начинает жить новой жизнью уже в нашем сознании, войдя в наш духовный мир. Так проявляет себя творческая – эвристическая – функция ис­кусства.

Значение ее не только в том, что восприятие искусства требует сотворчества, но и в том, что постоянное общение с искусством развивает эту способность и делает ее неотъемлемой частью любой деятельности. Узнанное и открытое благодаря искусству помогает человеку лучше понять самого себя, других людей и тем самым помогает в установлении контактов между людьми, облегчает взаимопонима­ние и общение между ними.

Коммуникативная функция искусства проявляет себя тем, что показано в художественном произведении, и по тому, как это показано, люди не просто узнают что-то новое, но обрета­ют определенный взгляд на мир, тот, который открыл им худож­ник. Воспроизводя определенные явления действительности, ав­тор неизбежно дает им какую-то оценку: утверждает или отрицает, говорит изображенному или описанному «да» или «нет». И такова сила воздействия искусства, что вслед за автором эту оценку восп­ринимаем и мы.

Действенная сила искусства такова, что нередко именно под воздействием ис­кусства люди начинают по-другому смотреть на жизнь, иначе оце­нивать происходящее и даже менять свои убеждения. Это не всегда переосмысление к лучшему, более глубокому и тонкому мировос­приятию. Все зависит от того, какое это искусство. Вот почему так важно идейное содержание искусства, чтобы оно заставляло вос­хищаться тем, что достойно этого, и вызывало гнев и ненависть ко всему гнусному, подлому, человеконенавистническому.

Действенная сила искусства безгранична, и оно должно слу­жить гуманистическим целям.

Искусство обладает способностью не только давать людям си­лы для жизни и выживания, что само по себе – неоценимо. Оно умеет заглядывать в будущее (футуристическая функция): ему открывается то, чего не видят другие.

Бесплатная лекция: «3 — Современные концепции конфликта» также доступна.

О чем бы ни говорило художественное произведение, к какому бы виду или жанру оно ни принадлежало, оно всегда доставляет нам удовольствие, наслаждение. Читать книгу, смотреть картину, спектакль или кинофильм, слушать музыку – всегда радость. И в этом еще одно назначение искусства, его гедонистическая функция. С ней связана возможность переключиться, отвлечься, отой­ти от повседневных дел и забот, насладиться красотой.

Есть у искусства еще много разнообразных функций. Но все названные и неназванные собираются в единое целое, аккумули­руются способностью искусства не просто развлечь, отвлечь, по­радовать, но и дать особое переживание, вызвать особое чувст­во – эстетическое, непосредственное эмоциональное пережива­ние, возникающее при восприятии совершенных явлений. Это чувство могут вызывать не только прекрасные произведения ис­кусства, но и явления самой действительности: благородный по­ступок, самоотверженность, красота природы, человека или ре­зультат труда.  

Искусство по самой своей природе вызывает эсте­тическое чувство – удивления и восхищения его, искусства, спо­собностью глубинного постижения жизни, дающей возможность понять и увидеть окружающее по-новому, а также тем, как это сде­лано в художественном произведении, то есть совершенством ху­дожественной формы, возможностью прожить и пережить то, что показано, и тем самым испытать нравственное очищение. Искус­ство дает возможность испытать разные по характеру и направлен­ности душевные состояния. Эстетическое наслаждение – это сложный духовный процесс, проявляющийся в различного рода эстетических состояниях: радости от общения с прекрасным, вос­хищении совершенством созданного художником, потрясении от­крывшимся невиданным ранее миром и т. д.

Искусство всегда отражает действительность и отношение ху­дожника к ней. Но способностью дать понимание действитель­ности, заставить увидеть то, мимо чего люди проходили, предста­вить новый взгляд на мир, открыть его красоту, развить эстетиче­ское чувство и сформировать эстетический идеал искусство фор­мирует и самого человека – творца и созидателя культуры. Таким образом, искусство не только отражает действительность, но и создает ее.

Эстетическая функция искусства очень важна. Именно она формирует эстетические воззрения человека, его представления о красоте и прекрасном, уродливом и безобразном и др. Эти пред­ставления определяют не только то, какие внешние проявления красоты привлекают людей, их избирательность в одежде, предме­тах быта и т. д. И даже не только то, какие у них предпочтения в ис­кусстве, хотя это одно из проявлений художественного вкуса, ба­зирующегося на эстетических воззрениях. То, что человек считает прекрасным или безобразным, красивым или уродливым, в значи­тельной степени определяет его представления о красоте жизни, его образ жизни, его эстетический идеал.

Постоянное общение с искусством развивает в человеке эсте­тическое начало – эстетическое чувство, эстетический вкус, фор­мирует эстетический идеал. Именно поэтому искусство является важнейшим средством эстетического воспитания – целенаправ­ленной деятельности по формированию у человека способности воспринимать и оценивать прекрасное в жизни и в искусстве, жить, творить и взаимодействовать с миром по законам красоты.

4.4.2. Культура и художественная деятельность. Культура и искусство

4.4.2. Культура и художественная деятельность. Культура и искусство

Художественная деятельность – это особый вид человеческой активности, уникальный в его отношении к культуре. Это единственная деятельность, смыслом которой является создание, хранение, функционирование и передача духовных ценностей.

Эта деятельность прямо направлена на «обработку», оформление, облагораживание и одухотворение окружающего мира и самого человека. Поэтому именно в художественной деятельности и ее результатах ярче и непосредственнее, чем в чем–либо другом, выявляется культура эпохи, периода, страны, этноса.

Понятие «художественная деятельность» включает в себя художественное творчество и его результаты (художественные ценности), художественное восприятие явлений действительности и произведений искусства. Когда это понятие употребляется в таком значении, оно во многом совпадает с термином «искусство». Правда, «искусство» иногда употребляют и в более узких значениях: только как совокупность художественных произведений (исключая процессы их создания и восприятия) или только как специфическое мастерство высокого уровня (не включая его результаты). В более широком смысле (который мы будем дальше использовать)

? искусство – это особая сфера человеческой деятельности, целенаправленная, осознанная в своем значении специализированная художественная активность (художественное творчество) и ее результаты (художественные произведения, произведения искусства), их функционирование и восприятие.

Художественная деятельность вообще и искусство как ее специализированное выражение возможны потому, что существуют эстетические отношения и эстетические ценности. Эстетическое отношение всегда присутствует и в художественном замысле, и в художественном творчестве, и в художественном восприятии. Если произведение не вызывает такого отношения, то оно не является художественным или не выступает в этом качестве для данного человека. Эстетическое отношение – это средство и цель конкретной художественной деятельности.

Но, конечно, оно не единственное средство и не единственная цель. Только в простейших случаях (орнамент, элементарное украшение какой–нибудь вещи и т. п.) эстетическое и художественное практически совпадают. То есть в этих случаях художественная деятельность направлена на создание эстетической ценности и эстетического отношения. И если последнее возникает – цель достигнута. В других случаях развитое профессиональное искусство, используя особенности эстетических отношений, решает более сложные задачи.

Художественное творчество – это своеобразное осмысление человеком мира и себя в нем. Это осмысление выражается в специфическом оформлении материи, эстетической организации особых чувственно воспринимаемых знаков, особых языках (языках звучаний, линий, движений, ритмов, слов и т. д.). Обычно оно многослойно и многофункционально. В искусстве могут художественно осмысляться любые природные явления или разнообразные человеческие отношения. Произведение искусства может содержать в себе религиозные, философские, нравственные и политические пласты жизненных проблем. Искусство, действуя на того, кто воспринимает произведение (слушает музыку, читает стихи), пробуждает его мысли и чувства, возбуждает гамму художественно значимых смыслов. Художественная идея, по выражению А. А. Потебни, «развивается в понимающем, как его художественная мысль, его эстетическое переживание».[146]

Искусство представляет собой и особый род вненаучного знания о мире, а главное – о человеке, его духе. Это такое знание, которое достижимо только способом художественного мышления. При этом художник может изображать не красоту, выражать не эстетический восторг, а, скажем, негодование и даже омерзение по отношению к уродству или бесчеловечности. В этом плане художественные ценности шире эстетических. В их носителях – знаках и знаковых системах (таких как храм, картина, икона, поэма, пьеса и т. д.) – может воплощаться разнообразное содержание. Художественному осмыслению доступны все сферы природы, жизни и культуры.

Однако такое эмоциональное воплощение содержания и его осмысление становятся художественно действенными, а их результат (произведение) выступает как художественная ценность лишь при некоторых обязательных условиях. Во–первых, если это чувственное воплощение смыслов, осмысление себя и мира эстетически значимы. Если все пласты и смыслы произведения искусства (религиозные, философские, нравственные и т. д.) «втянуты» художником в поле эстетических отношений. Во–вторых, произведение оказывается художественно ценным, только если есть те, кто способен его художественно «постичь».

Художник, создавая произведения искусства, художественные ценности, воспроизводит эстетические ценности и творит новые, тем самым порождая красоту хотя бы в форме выражения художественной мысли, органично воплощающей художественное содержание. Он создает чувство красоты и в себе, и в тех, кому адресовано искусство. И чувство, родившись, снова и снова влечет человека к этой и подобным художественным ценностям.

Поэтому искусство – одно из мощнейших средств воспитания культуры вообще и эстетической культуры в частности, поскольку в искусстве духовное становится зримым, слышимым, осязаемым и вместе с тем чувственно привлекательным и желаемым, конкретным проявлением человеческого в человеке, волнующим его, способным захватить все его существо.

Но это может происходить, только если человек встречается с настоящим искусством и если его эстетический и художественный вкус достаточно развит. Причем, опять–таки, в основе художественного вкуса лежит вкус эстетический, т. е. прежде всего способность различать красоту и уродство. Но развитый художественный вкус – это уже способность отличать художественные ценности (во всем их богатстве, включающем и не собственно эстетические элементы) от того, что не ценно (от подделок, имитаций). Художественный вкус – это один из главных показателей наличия, характера и уровня художественной культуры человека (а художественные вкусы – культуры социальной группы).

Во–первых, художественная культура – это способность людей создавать художественные ценности и воспринимать их в этом качестве, т. е. развитие и реализация художественных способностей человека. Во–вторых, это процесс создания таких ценностей (художественное творчество), т. е. «обработка», оформление, облагораживание и одухотворение разных материалов, вещей, и т. д., творение искусственных, эстетически и художественно значимых форм и смыслов (создание произведений искусства). В–третьих, художественная культура выявляется в функционировании художественных ценностей, которое приводит к облагораживанию и одухотворению людей, взаимодействующих с ними.

Художественная культура тесно связана не только с эстетической, но и с другими сторонами и сферами культуры. Она, как и вообще культура, реализуется не абстрактно, а в конкретных условиях, в разной мере, на разных уровнях. Есть и в разной степени эстетически и художественно культурные люди и их группы. Полное отсутствие эстетической и художественной культуры означало бы, что у человека (или группы общества) настолько неразвиты чувства, что он вообще не может отличить красоту от безобразия. А это значит, что такой человек совершенно неспособен ни испытывать наслаждение от красоты (и отвращение к безобразию), от художественных ценностей, ни создавать что–либо эстетически или художественно ценное. В норме все люди в той или иной мере хотя бы эстетически восприимчивы. Эстетическая и художественная культура так или иначе реализуется в их жизни, существуя и проявляясь, однако, по–разному, в разной степени, на разных уровнях.

Низший уровень эстетической культуры определен прежде всего тем, что у людей, находящихся на нем, главными являются утилитарные потребности. Это жизненные потребности физического существования (в частности, здоровья), имущественного благополучия, комфортности бытия (материально–вещного и не очень высокого духовного). В общем, для человека этого уровня ценны прежде всего польза, успех, комфорт. В связи с этим возможности реализации эстетической и художественной культуры весьма ограничены.

Ведь красота в данном случае может оказываться значимой, но не быть действительной ценностью. Значимость красоты может проявляться в том, что она способна доставлять человеку удовольствие, а иногда и наслаждение. Но, во–первых, обычно ценятся элементарные и очевидные ее проявления: то, что развлекает не слишком тонкие чувства человека; то, что ласкает его зрение или слух; то, что доступно, понятно и, в общем, привычно, то, что не требует особого чувственного богатства, глубины и напряжения чувств, то, что способно затронуть их поверхностно. Это могут быть природные явления (цветы, пейзажи, пение птиц и т. п.) или доступные для людей этого уровня традиционно–привычные ценности: натуралистическое изображение тех же явлений природы, простая мелодичная музыка, легкая бытовая комедия, оперетта, мелодрама, несложная детективная или любовная история со счастливой или «слезливой» развязкой.

Во–вторых, для людей этого уровня утилитарное, полезное, удобное, функциональное, обыденно–разумное всегда важнее, чем красивое или высокохудожественное. Значимость и красоты, и искусства почти во всех отношениях ограничивается, задается и определяется утилитарностью, например, престижностью. Престижно иметь украшения (на себе и в доме), красивые вещи, иногда и произведения искусства, часто – красивую жену. Причем красивое на этом уровне – это обычно то, что считается таковым в кругу людей данного уровня, хотя иногда и то, что позволяет как–то выделиться. Нередко красота сводится к внешней красивости, т. е. ее выражениями оказываются наружный блеск, яркость и броскость; кроме того, красивым может считаться и то, что полезно. В крестьянской среде, например, женская красота связывалась прежде всего со здоровьем, необходимым и для работы, и для воспроизводства здорового потомства. В аристократической среде в женщине ценились такие черты, как слабость, хрупкость, изнеженность, так как у женщины этой среды было иное предназначение, нежели у крестьянки.

Примитивный эстетический вкус ориентирован не только на сближение красоты и полезности, но и на отождествление определенных свойств носителя эстетической или художественной ценности и самой ценности. При этом красивым считается и кажется именно то, что симметрично, геометрически правильно, соразмерно, пропорционально.

Для людей этого уровня искусство, художественные ценности значимы прежде всего как полезное средство украшения, развлечения и отдыха. Польза искусства очевидна и тогда, когда оно выступает средством идеологического воздействия или нравственного воспитания.

Таким образом, эстетический и художественный вкус человека, находящегося на низшем уровне культуры, грубоват и бедноват. Многое в жизни вообще эстетически не оценивается, т. е. многие художественные ценности не могут быть восприняты. Тем не менее эстетическая и художественная культура минимально реализуется и на этом уровне. Эстетическое восприятие и художественное «украшение» жизни делает ее, пусть и не слишком, но более человечной, несколько облагороженной и в какой–то мере одухотворенной.

На следующем, более высоком уровне, уровне самопроявления, красота оказывается одной из высших ценностей или самой высокой ценностью, а сфера эстетических отношений, эстетическая сторона чего бы то ни было вызывают специализированный интерес. Этот интерес, а также эстетический и художественный вкус имеют в своей основе специфическую развитость чувств. Человек такого уровня обычно наделен задатками, которые имеют отношение к эстетическому восприятию мира, художественному творчеству, наслаждению искусством. Это может быть музыкальный слух, чувство ритма, слова, способность к тонкому цветоразличению, эмоциональность натуры, сильное воображение и т. д. Вот поэтому возможно появление способностей (талантов) к рисованию, пению, танцам, сочинению музыки и стихов, игре на музыкальных инструментах. Эстетически, художественно одаренные люди нередко реализуют свои задатки и способности, ведь они дают им возможность для самовыражения в сфере эстетических и художественных явлений, возможность испытывать наслаждение от красоты и искусства.

Человек может быть или не быть художником–профессионалом, но интерес к проявлениям красоты и выразительности и в том и в другом случае серьезен и глубок. Стремление к красоте отчетливо и реализуемо. Оно может выявиться и в декоративно–прикладной деятельности, и в позиции любителя музыки, балетомана, завзятого театрала, серьезного читателя.

Вкус человека такого рода достаточно тонкий. Наслаждение, которое он получает (а если это художник, то и дает), настолько сильное, что оно существенно перевешивает «презренную» пользу и отодвигает разумность, тем более обыденную рассудочность, на второй план. Человек может как бы «раствориться» в эстетическом созерцании, т. е. настолько углубиться в звучащую музыку или читаемую книгу, что порой забывает обо всем: времени, заботах, делах. Красота, искусство в этом случае становятся самоценными и действуют на людей этого уровня, возвышая их душу до неземного восторга и неподдельных страданий. Эти впечатления настолько мощны, что люди преклоняются перед красотой и художественными ценностями, как перед святынями. Русский художник Врубель заявлял: «Красота – вот наша религия!» Люди, находящиеся на этом уровне эстетической и художественной культуры, способны погибать за красоту, жертвовать собой ради искусства.

Но они же порой могут принести в жертву Афродите и Аполлону других. Описываемый уровень бытия эстетической и художественной культуры – высокий, но не высший, хотя он обычен для творцов и страстных ценителей художественных ценностей. Во–первых, ограниченность этого уровня чаще всего связана с узкой «специализацией» интересов и пристрастий. И дело совсем не в том, что человек отдает наибольшее предпочтение одному виду или жанру искусства, хотя и это бывает. «Узкоспециализированным» на этом уровне часто оказывается вкус человека, так как вкус этот определяется преимущественным интересом к чему–либо. И если в «полосу пристрастий» человека не укладываются другие проявления красоты (художественности), то он становится «слеп» и «глух» к ним. Это ведет к отторжению «чуждых» эстетических и художественных ценностей. Эстетический и художественный вкус человека может развиться односторонне, будучи ограниченным определенной традицией, канонами, нормами. Или, если речь идет о новаторе, наоборот, может развиться абсолютное предпочтение эстетически или художественно нового, когда традиционное представляется уродливым в силу того, что оно традиционно.

Уровень самопроявления, специализированный уровень эстетической культуры может быть ограничен еще и чрезмерным интересом к этой сфере и абсолютизацией красоты и искусства в качестве ценностей. Это может приводить к существенным смещениям, т. е. эстетическое отношение фактически заменяется эстетским, а самоценность искусства делает его изолированным от жизни. Абсолютизация ценности красоты приводит к противопоставлению ее другим высшим человеческим ценностям (добру, истине), т. е. к нарушению целостности поля культуры.

Рафинированное эстетство выражается в том, что красота оказывается совершенной формой. То есть именно форма, а не органичность воплощения в ней духовности и содержательной человечности осознается и чувственно переживается как красота. Форма настолько утрачивает связь с духовно–содержательной стороной, что становится возможным как бы «эстетическое навыворот», т. е. восприятие и представление безобразного, уродливого в качестве эстетически ценного. Если до этого не доходит, то красота «разводится», например, с добром на том основании, что «тигр прекрасен и когда терзает несчастную лань», как говорил один из героев О. Уайльда.

Второй уровень эстетической и художественной культуры не исключает возможности перехода эстетического в эстетское и обессмысливания художественного, к чему в конце концов приводят концепции «искусства для искусства». И при переходе эстетического в эстетское, и при обессмысливании художественного человеческая чувственность формализуется до предела, за которым исчезает ее содержательная очеловеченность (облагороженность). А при выхолощенном содержании обедняется и форма. Можно сколько угодно молиться на красоту, но нельзя забывать о том, что она не ценнее человека.

Уже упоминавшийся художник Врубель считал, что глубоко почувствовать в искусстве – это значит «забыть, что ты художник, и обрадоваться тому, что ты прежде всего человек».[147] Другое дело, что не следует подчинять красоту как ценность иным ценностям (например, нравственным, а тем более – политическим), заранее определяя, что прекрасным может быть только то, что ведет к добру. Не следует требовать от искусства, чтобы оно становилось «учебником морали», «учебником жизни» или орудием в идеологической борьбе. Не следует требовать от художников, которые творят эстетические и художественные ценности, чтобы они непременно были красивы внешне и благопристойны в поведении. Любой человек, в том числе и художник, в каких–то отношениях может быть на высоком уровне культуры, а в каких–то – на низком. Для людей сферы искусства (художников, артистов, писателей и т. д.) обычным является второй, специализированный уровень эстетической и художественной культуры со всеми его преимуществами и издержками, поскольку это не самый высокий уровень.

Только на третьем, высшем уровне смысл эстетической культуры определяется доминирующей в жизни человека потребностью – потребностью в другом человеке. И тогда красота как ценность оказывается неотделимой от добра и истины в их высших проявлениях. И дело не в том, что красота может стать внешним выражением добра, его «оформлением» или – «предупреждающим сиянием истины» (В. Гейзенберг). Добро, красота и истина действительно неразделимы, хотя добродетель и красота – не одно и то же. Гений в искусстве и злодейство в жизни вполне совместимы. Ведь художественная ценность – это не гений, а его произведение. В жизни и порочное может выглядеть красивым, так как порок, вообще говоря, не античеловечен. А вот гнусность, подлость, предательство, доносительство и жестокость – антиэстетичны, безобразны. И эстетически культурный человек чувствует это, испытывая отвращение к тому злу, которое лишает человечности, противостоит ей. Говорят, что это чувственное отвращение к злу – нравственное чувство, и с этим можно согласиться. Но в то же время оно и эстетическое. Для высшего уровня культуры то и другое неразличимо или почти неразличимо. Ведь культура нравственная и культура эстетическая не просто взаимосвязаны, они едины в своих высших проявлениях. Ключевые ценности обеих сторон культуры («добро» и «красота») направлены к взаимоутверждению: красота реализуется полностью именно как добро, а добро выявляет свою полноту именно в красоте.

Но на более низких уровнях культуры они соотносятся иначе. Нравственность низшего уровня, граничащая с полным ее отсутствием, совершенно безразлична к эстетической стороне жизни. Осуществление добра как значимости (полезности, да еще и для себя) не связано с красотой и эстетическим наслаждением ни в намерении, ни в действии. Противодействие злу в той мере, в какой его понимает человек этого уровня, тоже не связано с безобразием зла и эстетическим отвращением к нему. Примитивные моральные и эстетические установки просто не пересекаются. Человек такого уровня культуры может быть, как это ни странно звучит, «отвратительно добрым». Скромные проявления сочувствия, жалости и милосердия, на которые он способен, часто оказываются анэстетичными. Дело еще и в том, что проблематично само отношение таких чувств и действий к нравственной культуре. Ведь в данном случае человек балансирует на грани культуры и бескультурья. Нравственное содержание его чувств, намерений и действий предельно бедно, соответственно, и оформленность, окультуренность их тоже бедны, грубы и заведомо неэстетичны. Хотя при подчеркнутом, лицемерно–заботливом отношении к другому человеку формы действий могут как бы эстетизироваться. Но именно «как бы», т. е. внешне, в виде имитации красоты, фальшивой красивости. В общем, человек, находящийся на низшем уровне нравственной культуры, обычно так же неразвит и эстетически (рафинированное эстетство – это не эстетическая развитость). В его поведении, общении с людьми едва намеченные нравственные и эстетические аспекты разделены и не противоречат друг другу.

На следующем уровне культуры между ее нравственными эстетическими компонентами и ценностями зачастую возникают противоречия, иногда доходящие до взаимоисключения. И это происходит тогда, когда нравственные ценности выступают как абсолютно высшие. При этом устанавливается подозрительное или негативное отношение к эстетическим и художественным явлениям. Считается, что красота в жизни не так уж важна, а если и важна, то для развлечения чувств, что допустимо, пока это не нарушает добропорядочности и не мешает вере. Красота может пониматься и как нечто злое, дьявольское, как плотское искушение. Тогда ценна только та красота, которая непосредственно ведет к Богу (ангельская), которая и есть добро. Подчеркнем, что речь здесь идет не об органичном единстве добра и красоты, а о том, что только добро и добродетель прекрасны. И, следовательно, о том, что произведение искусства ценно лишь тогда, когда в нем четко выражено нравственное содержание, когда оно очевидно способствует нравственному совершенствованию человека. Остальное в искусстве выглядит или пустым (и поэтому неценным), или аморальным (например, изображение обнаженных тел). Художники, артисты, вся атмосфера их жизни тоже кажутся в лучшем случае подозрительными, а в худшем вызывают нравственное негодование.

Наиболее яркое выражение все это получает у выдающихся моралистов, таких как Л. Толстой. Толстой искренне считал, что красота есть последствие добра и что «…красота, не имеющая в основании своем добро, как, например, красота цветов, форм, женщины, не суть ни истина, ни добро, ни красота, но только подобие их». [148] Музыка, которую он любил, понималась им как «наслаждение только немногим выше сортом кушанья…», потому что она «не нравственное дело».[149] Он был уверен в том, что «искусство, чтобы быть уважаемым, должно производить доброе».[150] Такая позиция писателя очень благородна и кажется проявлением культуры самого высокого уровня. Однако если ценность эстетических явлений и произведений искусства ставится в зависимость от нравственности, то на деле это приводит к ограниченному морализаторству и к искажению оценок достижений эстетической и художественной культуры. Хорошо известно, что, когда художник начинает специально направлять свое творчество к утверждению определенных нравственных принципов и идей, оно становится художественно ущербным. Конечно, искусство чему–то учит и пробуждает добрые чувства, но вовсе не потому, что оно нацелено на нравственное совершенствование читателей, зрителей, слушателей. Моральный ригоризм Толстого привел его к неадекватным, отрицательным оценкам творчества Шекспира, в пьесах которого нет ни грана морализаторства. Художественный вкус великого русского писателя (возможно, именно в связи с абсолютизацией нравственных установок) оказался консервативным и в оценках живописи импрессионистов, в которой он увидел лишь непонятные «выверты». К счастью, вкус некоторых русских купцов был более развитым в том смысле, что они умели мыслить перспективно, и потому, покупая полотна импрессионистов, они ориентировались на их эстетическую и художественную ценность, а не на временный социальный и ограниченный нравственный смысл.

Неоправданные смещения и в творчестве, и в оценочных суждениях тех, кто абсолютизирует нравственные ценности, во–первых, связаны с тем, что речь обычно идет об устоявшихся, привычных ценностях, нормах бытия. И все новое, не укладывающееся в нормы, с трудом воспринимается. Во–вторых, искажения в творчестве и его оценках вызваны и тем, что морализующий человек отказывает эстетическим явлениям в самостоятельной ценности. Красота кажется ему связанной с человечностью, только если она служит добру и если искусство и красота нравственно оправданны и полезны.

Но ни настоящее искусство, ни подлинная красота не нуждаются в «оправданиях» путем соотнесения с иными ценностями культуры (нравственными, религиозными). Они ценны сами по себе и человечны по своей сути. Поэтому их связь с нравственностью вполне органична для высшего уровня культуры. На этом уровне добро и красота не противоречат друг другу. Эстетический вкус в этом случае не терпит никакого безобразия, в том числе и нравственного. Высокоразвитое нравственное чувство ограждает от пошлости, «грязи» и в жизни, и в искусстве.

Правда, при этом важно помнить о возможности имитаций и эстетических, и нравственных ценностей (подделок, фальшивок), околокультурных явлений и тех, что представляют низший уровень культуры. Человек высокой культуры как раз обладает способностью к тонкому различению нюансов в сферах нравственных и эстетических ценностей. Эта способность проявляется в отношении ценностей культуры прошлого, настоящего и будущего, а также ценностей других культур, как бы они ни были непохожи на собственную культуру человека.

Естественно, поскольку люди даже высшего уровня культуры несовершенны, они тоже могут и ошибаться, и заблуждаться. Но главное здесь – сама настроенность и высокая степень умения отличать в конкретностях бытия культуру от некультуры, псевдокультуры, антикультуры. Отличать, благодаря и эстетическому вкусу, и нравственному чувству, развитым в определенной среде через воспитание, через общение с разными людьми и разнообразными ценностями культуры.

Добро реализуется не полностью там, где нет красоты, а если и реализуется, то несколько натужно. Красота, в свою очередь, не полностью реализуется там, где есть зло. Истинно добрые намерение, поступок вполне добры, если они прекрасны и могут быть пережиты как радость (для себя и для другого). Важно, правда, чтобы была возможность эстетического (а не эстетского) восприятия.

Эстетическое наслаждение полноценно как высшая человеческая радость, как праздник духа. Красота для человека полноценной эстетической культуры – это разнообразное (по носителям, формам, видам) чувственное выражение человечности человека вообще, в том числе добра и истины жизни. Такой человек способен к глубокому сопереживанию, сочувствию. Его вкус индивидуализован, не замкнут в рамки традиций, специализированных предпочтений, канонов и правил. Ему свойственно достаточно точно оценивать новое и перспективное в искусстве, при уважении к ценностям прошлых эпох и иных (чем его собственная) культур.

8.5. Художественная культура и искусство

8.5. Художественная культура и искусство

Русская культура — это, по выражению Д. С. Лихачева, громадное разнообразие возможностей, идущее от множества истоков — учителей. До принятия христианства в Х в. культура Руси имела многовековую историю. Уникальный памятник — самый большой древнерусский курган вблизи Чернигова, получивший в местной традиции название «Черная могила» (уникальны не только его размеры — высота 11 метров и устройство насыпи, но и обрядность, а также погребальный инвентарь), обнаруживает все разнообразие внешних и внутренних связей Древней Руси: восточноевропейский доспех, славянская керамика, скандинавский сидячий божок, византийские монеты и т.  д. Оформление вещей из Чернигова, в частности оковки питьевого рога, позволяет проследить хазарское наследие, включавшее иранскую традицию, в отдаленной перспективе — скифскую. Такая концентрация культурных импульсов была свойственна формирующейся древнерусской культуре в целом. Иными словами, магистральным направлением в развитии культуры можно считать процесс этнокультурного синтеза — восприятия и переработки на русской основе различных этнических традиций. Это касается и собственно этнических процессов — сложения древнерусской народности, и процессов социальных — сложения государства и права, и материальной культуры. Усвоение или преодоление различных этнокультурных импульсов, их «отбор» были тесно связаны с задачами становления государственной идеологии.

В результате крещения культура всей Руси претерпевает существенные изменения. На рубеже X–XI вв. происходит своеобразный «культурный переворот». На всей территории государства развернулся процесс трансформации традиционно языческой культуры, встретившейся с культурой Византии. Смешение старого и нового привело к формированию на славянской основе феномена древнерусской культуры, ее расцвету, получившему в XI–XII вв. название золотого века. Но следует отметить, что, в отличие от религии и основных философских знаний, принятых Русью из Византии и не менявшихся до XVII в., в области художественной культуры Русь начала сразу вырабатывать самостоятельные формы. Так, к началу XII в. блестящих успехов достигла оригинальная русская литература и прежде всего летописание, которое, даже с учетом использования сведений и материалов византийских хроник, ни в коей мере не являлось подражанием им. Разительно отличались летописи и от западноевропейских анналов. Если летописи Древней Руси и наиболее последовательно «Повесть временных лет» (1113) были воплощением осознания возникновения нового народа и его самосознания, то летописи Московской Руси (Лицевой свод и др.) имели целью собрать и сохранить всю предшествующую традицию, что свидетельствовало о высоком развитии чувства исторической памяти, неотделимой от чувства исторической ответственности.

Из Византии на Русь пришла и крестово-купольная система. Бесспорно, что первые каменные храмы строили греческие мастера, но при этом замысел построек был продиктован заказчиком. Его техническое осуществление привело к своеобразным особенностям, позволяющим говорить о становлении русской школы архитектуры. Сюда можно отнести многонефность, галереи, угловые башни, многоглавие и общую пирамидальную композицию, создаваемую ступенчатым повышением объемов от периферии к центральной главе.

До XII в., времени утверждения христианства, в архитектуре господствовал стиль, названный Д. С. Лихачевым монументальным историзмом. Он адекватно выражал дух эпохи — «героической эпохи», по Б. Д. Грекову, «империи Рюриковичей», по К. Марксу. С началом феодальной раздробленности (20-е годы XII в.) в архитектуре бурно развивался придворно-княжеский жанр. Повсеместно на княжеских дворах строятся более компактные («кубические») храмы, увенчанные (обязательно) одной главой. Несмотря на то, что лаконичная кубическая композиция одноглавого храма, казалось бы, не давала никакой свободы творчества, в архитектуре тем не менее складываются местные школы. Стремление возвестить о могуществе княжества сопровождалось своего рода архитектурным соперничеством между Черниговом, Владимиром, Новгородом, Полоцком и др.

Причину подъема живописи Киевской Руси часто усматривают в работе приезжих греческих мастеров, в появлении новых красочных материалов и т. д. Но все это могло дать плоды только в условиях местной расположенности к новому искусству, его понимания. Одним из главных приобретений древнерусского искусства было овладение сложным живописным мышлением, сформировавшимся в Византии, системой храмовой живописи, которая была усвоена Киевской Русью, что подтверждают, в частности, росписи Софийского собора. Особенность внутреннего убранства храма — соединение мозаик и фресок — было незнакомо византийской традиции. Безусловно, тон здесь (особенно в мозаиках) задавали греческие художники, но поразительна быстрота, с какой новое искусство усвоили русские мастера. Среди них уже в XII в. славился Алимпий, которому приписывали большую, поразительной красоты икону «Богоматерь Великая Панагия».

Стиль живописи XI в. характеризуется монументализмом, который проявлялся не только в очень крупных размерах фигур (в Киевской Софии до 5,5 метров), но и в целостной их цветовой моделировке, без излишних дробных складок в одежде, в крупных ясных чертах ликов. Столь эпические образы редки даже для византийского искусства.

Сложение архитектурных школ сопровождалось дифференциацией единого живописного потока (в XI в. общерусская линия выдерживалась определеннее). Наметилось две линии: «греко-фильствующая» и собственно русская. Первая представлена сложнейшими росписями Спасо-Преображенского храма Мирожского монастыря, придворного Дмитриевского собора во Владимире (конец XII в.). Среди работавших на Руси византийских монументалистов были и иконописцы. Хотя эти специальности строго не разделялись, все же не все монументалисты хорошо владели более мелким иконным письмом. Во второй половине XII в. было создано немало икон высокого стиля: «Дмитрий Солунский», «Спас Нерукотворный», «Ангел Златы Власы», «Устюжское Благовещение» и ряд других. Все эти произведения местные, а не привозные, что свидетельствует о том, что на Руси XII в. не было снижения искусства, что иногда связывают с феодальной раздробленностью.

Наряду с этим направлением, в рассматриваемое время набирала силу живопись с явными чертами «русификации», т. е. живопись, в которой строгий византийский стиль как бы наполнялся более конкретными, земными чертами. Сложился это стиль не сразу. Еще в 60–70-е годы XII в. наметился отход от классического византийского стиля как в системе, так и в формальных признаках. Вместо строго (прозрачной) константинопольской системы появилось сгущение сюжетов, соединение стенописи с росписью, имитирующей иконы. Стали шире применять прием, получивший название «ковровости», орнаментализацию линий, упрощение и огрубление фигур, графичность. Лики святых заметно «славянизируются». Поскольку эти черты были характерны для росписи (церковь Георгия в Старой Ладоге, церковь Спаса Преображения на Нередице) и икон («Никола», «Знамение» и др. ) Новгорода, Пскова и Ладоги, которые представляли тогда почти всю русскую живопись, то этот стиль можно назвать русским. С падением в 1204 г. Константинополя местное русское творчество окрепло, что и помогло ему перенести ордынское нашествие.

Таким образом, древнерусская культура до нашествия монголов являла яркую и цельную картину. Сравнительно легко расставшись с языческими капищами и стоящими на них идолами, но сохранив дух жизнеутверждения, свойственный славянам-язычникам, она восприняла идущие из Византии духовные ценности без излишне теософской рационалистичности, что не привело к антагонизму с народной культурой. Язычество как религия, как культ изживалось медленно, но главные его эстетические ценности — чувство единения с природой, поэтика природы, поэтика художественного творчества — сохранились и стали живительной силой нового искусства. Культура XI — начала XII вв. отражала идею единства Русской земли, новые представления о Руси как неотъемлемой части всемирной истории. Стилем этой эпохи был монументальный историзм, который по духу Д. С. Лихачев назвал «своей античностью»[23].

Вместе со снижением вселенского значения архитектуры и живописи происходила конкретизация художественных программ в соответствии с условиями местной жизни. На этом интересном этапе развитие русской культуры было заторможено ордынским нашествием.

Монголо-татарское нашествие тяжело ударило по естественному развитию русской культуры, а уничтожив многие памятники письменности, зодчества, иконописи, почти прервало необходимую традиционность в работе мастеров культуры, оказало огромное влияние и на социальную психологию российского населения. После шока первых десятилетий постепенно начинается накопление сил, причем не в каком-либо одном центре, а в ряде городов — Новгороде, Пскове, Твери, Москве, претендующих на главную роль в жизни Руси. Это еще не могло вылиться в какую-то единую линию общественного сознания и художественного творчества. Поэтому многие черты, например в архитектуре, рождались психологией заказчика. Поскольку заказчиками в Новгороде и Пскове выступали боярско-купеческие круги, подчас целыми улицами, то этот архитектурный жанр можно охарактеризовать как уличанский. Ему присущи кубическая компактность, интимность внутреннего пространства, простоватость наружного декора. Это церкви: Спаса на Ковалеве (1345), Успения на Волотовом поле (1352), Федора Стратилата на Ручью (1360), Спаса Преображения на Ильине улице (1374) и др. В Москве же и московской округе, где было много княжеских гнезд, расцвел придворно-княжеский жанр. Иван Калита строит в Кремле церкви Иоанна Лествичника (1329) и Спаса и Бору, Дмитрий Донской — Воскресенскую, Городищенскую и Успенскую церкви в Коломне (вторая половина XIV в.) и др. За московскими князьями тянутся другие князья, а также монастыри — Троице-Сергиев, Спасо-Андроников и др. Когда-то И. Э. Грабарь противопоставлял «мужицкий» облик новгородско-псковской архитектуры «аристократическому» владимиро-суздальскому.

Живопись развивалась в едином русле с архитектурой. В иконописи Новгорода и Пскова идущие от Византии черты строгости и возвышенности заметно ослабли, в образах святых, композиции, колорите усилились местные особенности — неподвижность фигур, асимметричность, орнаментальность. Появляется диспропорция между центральной и боковыми фигурами. Вместо тонкой свето-теневой моделировки предпочитается красочность, похожая на аппликацию. Нередки краснофонные иконы. В живописи Средней Руси гораздо заметнее домонгольские традиции, но первые шаги и здесь отличались известной самобытностью.

Новым для русской живописи XIV в. было вторичное сближение с искусством Византии, переживавшим (после «никейской эмиграции») последний период расцвета, известный под названием «палеологовский Ренессанс». Но это сближение со стороны русского искусства уже не было ученическим. И Новгород с Псковом, и Москва с Ростовом, Тверью и другими среднерусскими городами обладали своим достаточно развитым искусством. Поскольку оно развивалось в разной социальной среде: в Новгороде и Пскове — в боярско-купеческой, а в Москве и Подмосковье — в княжеско-церковной, то и византийские «импульсы» были различными.

Демократическая боярско-купеческая среда была более открыта к восприятию живописи широкого стиля; московским и подмосковным феодальным кругам больше нравилось искусство придворного, утонченного характера.

В живописи XIV в. постепенно увеличивается эмоциональное, экспресивно-психологическое и вместе с тем живописное начало. При этом новгородско-псковская живопись склонялась к большей внешней свободе стиля, а московская — к известной сдержанности. Кроме социальной специфики к этому толкала и сама архитектура, храмовый интерьер. В Новгороде и Пскове это были тесноватые уютные пространства с неярким освещением, а в Москве — возносящиеся ввысь хорошо освещенные стены.

Развитие культуры Руси в период со второй половины XIV по XV в. вызывает споры среди специалистов. Сомнений в том, что это было время расцвета культуры Московского государства, у них не возникает, однако по принципиальному вопросу — уровню этого расцвета, высоте культуры — имеются значительные расхождения. Д.  С. Лихачев предложил считать XIV–XV вв. временем Предвозрождения, но оговорился, что Возрождения на Руси не произошло — этому помешало стремительное становление государственности, отнимавшее силы у культуры, а также гибель городов-республик Новгорода и Пскова, где зародыши Возрождения были особенно сильны. Мощью церковной организации, поддержанной светской властью, были подавлены ереси и антиклерикальные течения, что также упрощало русло культуры. Вопрос этот не нашел пока достаточно полного освещения и остается дискуссионным.

В истории русской культуры трудно найти периоды, когда бы все ее сферы развивались равномерно. Вторая половина XIV–XV вв. — это время расцвета иконописи. Как известно, православие крепче и глубже всего было воспринято славянами на художественно-эстетическом уровне. Иконы пришли на Русь из Византии и обрели здесь чрезвычайно плодотворную среду. Своеобразный «иконоцентризм» средневековой русской культуры выразился в том, что сложные мировоззренческие проблемы отображались у нас не столько в словесной форме, богословами, сколько иконописцами в художественных образах. На протяжении всего средневековья на Руси практически нет тенденций оригинального развития философии или богословия. Поэтому представления об «интеллектуальном молчании» Древней Руси в определенном смысле оправданы: древнерусскому сознанию свойственно эстетическое переживание мира. Любая икона — «особый вид церковного предания в красках и образах», по определению отца Сергия Булгакова. Икона удивительно полно выразила особенности русского православия, которое отличается радостным, светлым характером мирочувствования. Именно в ней русским художникам удалось полностью отразить характер страны и народа, подняться до высот мировой культуры.

С середины XIV и до конца XV в. жили и творили корифеи иконописи Феофан Грек, Андрей Рублев и Дионисий. Могучий темперамент Феофана, работавшего с 70-х годов XIV в. в Новгороде, а затем в Москве, свидетельствовал о силе индивидуального начала, выходящего за пределы средневековья, о заметном раздвигании рамок канона. Его новгородские многофигурные композиции пронизаны динамизмом, психологизмом, экспрессией. Присущие стилю мастера знаменитые светоносные «блики», или «рефлексы», как бы выхватывают фигуры из мрака молний.

Показательно, однако, что манера византийского мастера не затронула русского художника Андрея Рублева, хотя при росписи Благовещенского собора в Московском Кремле (1405) они работали вместе. К этому времени, и прежде всего в Москве, сложились новая историческая обстановка, новые эстетические запросы, новый оттенок в стиле. Москва становится художественным центром Руси. По количеству новых построек, монументальных росписей и станковых произведений (икон) она занимает первое место. Теперь все местные «школы», кто больше, кто меньше, испытывают влияние Москвы, и по степени этого влияния определяется их роль в формировании общерусской культуры.

Мировоззрение Андрея Рублева сформировалось под влиянием национального подъема после Куликовской победы, мощной Духовной силы, которая вселяла веру в высокий идеал. Этой силой была вера в Человека. Увеличившийся именно в начале XV в. интерес ко всему национальному, к своему героическому прошлому, «своей античности» и создал тот стиль, который характеризует искусство «эпохи Андрея Рублева». Основными его тенденциями были стройная, уравновешенная, классическая пирамидальность и соответствующая ей округленность, тяготение к гармоническому пропорционированию (рублевские пропорции человеческой фигуры 1:9, что близко к канону Леонардо да Винчи и скульптуре Венеры Милосской[24]), идеальная просветленность образов, нежная колористическая сгармонированность. Иными словами, это было совершенно новое по сравнению с драматическим стилем Феофана Грека. Носителем нового стиля, его высокого качества был целый «круг Рублева» (Прохор с Городца, Даниил Черный и немало других живописцев). Это подтверждает, что он действительно был выражением духа времени.

К середине XV в. искусство Андрея Рублева стало понемногу забываться. Лишь во второй половине столетия появился Дионисий. Становление его как художника приходится на время апофеоза Ивана III, его женитьбы на принцессе бывшего византийского двора, строительства нового Успенского собора Кремля и других событий централизующегося государства. Определяющими признаками его творческого метода стали увлечение внешней стороной в ущерб психологической разработке образа человека, «готизация палеологовских форм», проявившаяся в сверхудлинненых фигурах (1:10 и более) в знаменитой росписи храма Ферапонтова монастыря (начало XVI в.), высветление и тонкая нюансировка колорита, подчеркивание воздушной пространственности, стремление к изощренной красоте. Дионисий создал высокий стиль, является непревзойденным мастером и «хозяином» цвета, тонов необычайно светлых и чистых. Для него особенно характерны многофигурные сцены, праздничные картины многонародных торжеств, темы славы и величаний, отличающие Дионисия от мастеров предыдущей эпохи.

Процесс централизации государства развивался параллельно становлению единой общенациональной культуры, синтезирующей достижения местных школ в летописании, агиографии, книжной миниатюре, архитектуре, иконописи. На смену героям живописи шли титаны зодчества, прославившие в конце XV–XVI вв. культуру Московской Руси. Потрясенные их творениями иностранцы даже назвали русскую культуру «великим немым», подразумевая, что она сильнее всего проявилась в иконописи и зодчестве — искусствах внешне безмолвных.

Как только Москва стала во главе единого централизованного государства, что позволило сбросить монголо-татарское иго, возникла необходимость в возрождении больших монументальных форм. Создается ансамбль Московского Кремля. Итальянские архитекторы Аристотель Фиораванти, Алевиз Новый, Марко Фрязин и Пьетро Солари потому вписались в историю древнерусского искусства, что сумели почувствовать дух «древнерусской классики», внеся в нее ренессансную рациональность и чувственность, пришедшиеся по вкусу русским и оставившие глубокий след в русской культуре, особенно в архитектуре XVI в. Первая его половина ознаменовалась возведением шатровых храмов. Памятники этого времени овеяны духом чистоты геометрических форм (церковь Вознесения в селе Коломенском). В пропорционировании часто применяется «золотое» сечение. Шатровые храмы XVI в. впитали в себя и народную природу, и романо-готические реминисценции, и влияние образцов крепостной архитектуры, и общекультурную символику шатровой формы, идущую от христианской древности [2, с. 142]. Не случайно храм Покрова на Рву (Василия Блаженного) назывался современниками Новым Иерусалимом. Большей частью такие храмы воздвигались в память больших побед.

Классический, золотой век древнерусской живописи, отмеченный творчеством А. Рублева и его школы, сохраняет свои традиции на рубеже XV–XVI вв. в творчестве Дионисия, а затем уступает место искусству централизованного государства, пытающегося строго его регламентировать, подчиняя своим задачам и нуждам. Вопросы искусства (живописи) становятся предметом прений на церковных соборах и объектом постановлений одного из них — Стоглава.

Живопись XVI в. — это живопись переходной эпохи. Достижения XV в. утрачиваются, а новые явления наберут силу лишь в XVII в. Повествовательное и дидактическое начало окончательно торжествует над эмоционально-созерцательным, усиливается символизм, разрабатываются аллегорические сюжеты, рациональное соединяется с иррациональным. В известной степени это можно сопоставить с маньеризмом, который был порожден в эпоху падения Ренессанса[25].

Но новые тенденции пробивали себе дорогу. Многие символико-космологические картины XVI в. пронизаны веяниями мирской жизни, напоминают жанровые бытовые сцены, что нередко вызывало отпор со стороны ревнителей ортодоксии. Сцены мучений изображаются с предельной экспрессией, что ведет к обогащению живописи динамикой, психологическими и колористическими композиционными контрастами, «элементами реалистичности», т. е. всем тем, что можно назвать «властью земли». Постепенно в искусстве развиваются тематическое разнообразие, интерес к сюжетам мировой и особенно русской истории. Примером может служить икона-картина «Церковь воинствующая», правильное название которой — «Благословенно воинство небесного царя». Это — апофеоз московского войска под предводительством Ивана Грозного после Казанской победы и триумфа Москвы. Показательны совершенно не иконная, горизонтально вытянутая форма и очень большие размеры произведения (144 х 396).

Различные миродержавные идеи, вселенские и космологические концепции, идеи государственности, а также династические интересы способствовали развитию чувства историзма, все более освобождавшегося от аллегорической формы (росписи Золотой палаты Кремлевского дворца в 1547–1552 гг.). Историзмом проникнут многотомный Лицевой летописный свод XVI в., насчитывающий 16 тысяч миниатюр.

В тесной связи с развитием исторического жанра XVI в. находится и эволюция портрета. Портретные фигуры русских князей заполняли росписи Золотой и Грановитой палат, соборов Московского Кремля. Эти портреты представляли попытки хотя бы внешней индивидуализации конкретных персонажей, что также нельзя назвать иконой. Большим новшеством было появление в росписи паперти Благовещенского храма изображений «эллинских мудрецов» — Аристотеля, Гомера, Вергилия и др.

Таким образом, хотя в искусстве XVI в. были утрачены многие эстетические ценности, это не было движением вспять. Без свойственного для XVI в. расширения содержания и формы, элементов реалистичности переход к стилю искусства XVII в. стал бы невозможным. Между тем именно эти черты в конце века привели к такому интересному явлению, как «строгановский стиль», отличавшийся утонченным декоративизмом. Он как бы возвращал себе эстетические ценности, ослабленные в XV в., хотя они уже не были их повторением.

Культурное развитие России XVII в. ознаменовалось существенными сдвигами, направление которых отмечено нарастающим ее «обмирщением», разрывом связи между религиозным и эстетическим сознанием.

В XVII в. передовые позиции в русской культуре принадлежали литературе, где протекали сложные и противоречивые процессы. Происходила борьба религиозного и светского начал. Церковные писатели в ряде случаев и сами создавали произведения мирского содержания. Но еще явственнее сказывалось развитие светских жанров литературных сочинений, прежде всего демократическо-сатирического направления, локализованного в городском посаде. Именно в этой среде возникают популярные повести о Ерше Ершовиче, Шемякином суде, о Горе и Злосчастии, близкие и понятные простому люду. Написанные колоритным языком, с народным юмором, они высмеивали бояр, судей-лихоимцев, жадных до наживы купцов. В оппозиционных официальной церкви кругах священнослужителей выдвигается такой талантливый и самобытный автор, как протопоп Аввакум. Его автобиографическое жизнеописание, отличавшееся образной речью, меткостью бытовых и психологических зарисовок, достоверностью описания русской жизни середины XVII в., было направлено против церковного синклита, самого царя, что снискало ему широкую известность.

К XVII столетию относятся первые сборники русских пословиц и поговорок. Отдавая должное труду, мирской жизни, честности, народные изречения не обходили острых социальных проблем, смыкаясь в этом отношении с посадской демократической литературой. Немаловажное значение в литературе занимали героико-патриотические произведения. Самую большую популярность приобрели «Сказание» Авраама Палицына, посвященное крестьянской войне и иностранной интервенции, и «Временник» Ивана Тимофеева, изображавший события русской истории от Ивана Грозного до Михаила Романова. Именно тогда повышение интереса к истории борьбы народа за свое освобождение вызвало появление множества списков «Сказания о Мамаевом побоище», в том числе иллюстрированных («лицевых») популярных сказаний о пятилетней героической обороне Азова донскими казаками.

В придворных кругах (особенно во второй половине XVII в.) получает распространение торжественно-панегирическая литература, посвященная коронованным особам по случаю знаменательных дней и событий (рождений, именин, военных побед). В поэтическом жанре наибольшую известность получили стихотворения Симеона Полоцкого. Он занял особое положение при дворе, для него устроили даже специальную («Верхнюю») типографию, которая издавала произведения этого одаренного и трудолюбивого автора.

На литературно-художественную жизнь в России второй половины XVII в. большое влияние оказало воссоединение с Украиной. На Русь переселилась большая группа украинских и белорусских писателей, художников, ученых. Так, хорват Юрий Крижанич написал здесь свои основные литературно-исторические и философские сочинения, отстаивая идею единства славянских народов под эгидой России.

Характеризуя итог литературного процесса в России второй половины XVII в., можно сказать, что наметился качественный сдвиг в художественном мироощущении, означавший переход к литературе Нового времени. Лишь в XVII в. литература начинает интересоваться внутренней жизнью людей, решать задачи художественного обобщения. Новые произведения пытаются повествовать не о единичном факте, а стремятся к созданию типического образа. Героями в них впервые становятся не только героические и идеальные личности, но и люди обычные, со своими реальными бедами и далеко не праведными чувствами. Время перемен вызвало к жизни целую когорту известных литераторов, произведения которых стали одним из истоков великой российской литературы Нового времени.

Под влиянием духа времени созревали черты нового стиля в архитектуре. Почти сразу после окончания Смутного времени наряду с культовым зодчеством стала набирать силу и гражданская архитектура. При этом и в культовом, и в гражданском зодчестве архитекторы руководствовались общими эстетическими принципами, так что главным признаком храма стали только купола, апсиды да колокольни. Архитектурно-художественный язык у них был единым.

Сошла на нет архитектура шатрового и столпообразного типа, как не отвечавшая посадскому духу времени. Исключение по-прежнему составляли храмы-памятники (мемориалы), связанные с идеями триумфа (Храм Архангела Михаила в Нижнем Новгороде был, по существу, мавзолеем Кузьмы Минина, а Покровский храм в Медведкове под Москвой прославлял князя Пожарского). Посадские храмы отличались сочным пластическим декором (фигурные наличники, пучковые полуколонки, паливные изразцы и т. д.), выглядели чрезвычайно «чувственно» по сравнению с классической строгостью архитектуры XVI в. (церковь Покрова в Филях, храмы в Хамовниках, Никитниках). Подобная декоративно-пластическая «одежда» была характерна и для гражданских построек, что уравнивало все виды архитектуры.

В литературе архитектура XVII в. получила название «московского барокко». Один из крупнейших исследователей древнерусского искусства Г. Н. Вагнер [4, с. 153], считая, что черты нового живописного стиля не настоящее барокко, определил стиль архитектуры XVII в. как барокко, выполняющий ренессансную функцию. Черты ренессансности он усматривает в элементах рационализма в архитектурном творчестве, началах этажности, своеобразной ордерности, умеренной масштабности, общем настроении радости, нарядности. От Ренессанса эту архитектуру отличает интуитивная народная эстетика, своеобразная прагматичность. В конце XVII в. русская архитектурная эстетика поднялась до более абстрактных художественных композиций, что и привело к началу барокко. Ранним памятником, построенным во владениях братьев Голицыных, стал знаменитый храм Знамения в Дубровицах.

Русская живопись XVII в. развивалась более сложным путем. Тесно связанная с религией, она не поддавалась так легко, как архитектура, мирским, светским воздействиям. Вместе с тем новые тенденции, переоценка ценностей вызвали кризисность творчества. Одним из первых ее испытали иконописцы, имевшие дело с ликом человека. В их среде и сложилось новое движение. Время выдвигало на первый план не идеального (совершенного) рублевского человека, а человека конкретного, живущего активной событийной жизнью. Художники XVII в. не могли не чувствовать острого несоответствия старых средств новым идеалам. Это заставляло их разрабатывать образы, не предусмотренные иконографией. Немалое значение здесь имел украинский и белорусский портрет, «опередивший» поиски русских художников в этом направлении.

Вторая четверть XVII в. отмечена первыми «парсунами» (царя Федора Иоановича, Скопина Шуйского и др.). Портретные тенденции привели к тому, что этот жанр занял вполне суверенное положение.

В стиле русской живописи XVII в. появляется реалистическое овладение сакральной тематикой (в Ильинской церкви в Ярославле Каин пашет землю русской сохой, ветхозаветные легенды развертываются на фоне лесистого северного пейзажа с елками), конкретизируется пространство, развивается принцип панорамности. Таким образом, все, что ранее обобщалось как бы «за кадром» или в «боковых кадрах», в XVII в. выплеснулось на расписываемую единую плоскость. Все частности и детали представлялись важными, поскольку посредством их передавалась картина «живой жизни». Именно протекающая перед глазами жизнь, а не «вечное» (мысленное) ставится во главу угла. Жизнь охватывалась «вширь». Это стало неписаной программой эстетики второй половины XVII в., прочно «заземлило» ее, дало почву не только портретному, но и пейзажному, бытовому жанру, даже натюрморту.

В живописи пробивали дорогу такие черты, как фиксация имен художников, жизнерадостность, утрата монументальности, повышенная динамика, акцент на колорит, прорыв к познанию действительности, к возможно точному отражению природы, что позволяет сопоставить их с эстетикой раннего Ренессанса [18]. Однако в живописи сохранялось еще много аллегоризма. Последний прочно удерживался в придворно-клерикальных кругах. «Вселенские» претензии церкви возрождали византинизм в прозападной форме с сильно развитыми элементами помпезности, царственного апофеоза, т. е. всего того, что было свойственно клерикальному крылу западноевропейского барокко.

Противопоставлять оба этих направления друг другу неверно, ибо они вели к более широкому охвату реальной действительности.

Русская культура XVII в. оставалась культурой средневекового общества, тесно связанной с религиозным восприятием и осмыслением мира. Вместе с тем зарождаются процессы секуляризации, развивается система противоборства двух тенденций — церковной и светской; для поступательного развития культуры привлекаются древнерусское и византийское наследие, явления современной европейской культуры.

Древнерусская культура (литература, архитектура, живопись, музыка) представляет нерасчленимое единство, что характерно для средневековья. Но в Древней Руси, в силу ее меньшей рационалистичности, теософичности (мы почти не обнаруживаем истории идей, теорий, концепций), оно особенно органично, пронизано духом единой гармонии. Развитие русской культуры было направлено не столько вперед, сколько вглубь и ввысь (к основам бытия и высотам духа). В лучших произведениях художников, писателей, зодчих XI–XVII вв. воплотилась эпоха, они стали символами, вобрав в себя чаяния и идеалы огромных слоев населения.

Характеристика средневековой Руси как последовательной смены фаз развития позволяет проследить все многообразие, многофакторность ее экономической жизни, политических изменений, духовной и художественной культуры. Это процессы динамические, изменяющиеся в своих внутренних пределах, вектор которых указывал в направлении трансформации средневекового культурно-исторического комплекса.

Список рекомендуемой литературы

I. Основная литература

1. Вачьянц А.М. Введение в мировую художественную культуру / А.М. Вачьянц. – 5-е изд. – М.: Айрис-пресс, 2009. – 224 с. (Мировая художественная культура)

2. Вачьянц А.М. Древняя Греция. Древний Рим / А.М. Вачьянц. – 9-е изд. – М.: Айрис-пресс, 2012. – 232 с. (Мировая художественная культура)

3. Вачьянц А.М. Западноевропейское средневековье / А.М. Вачьянц. – 8-е изд. – М.: Айрис-пресс, 2012. – 136 с. (Мировая художественная культура)

4. Вачьянц А.М. Ренессанс / А.М. Вачьянц. – 5-е изд. – М.: Айрис-пресс, 2009. – 104 с. (Мировая художественная культура)

5. Вачьянц А.М. 7 чудес Древнего мира / А.М. Вачьянц. – 10-е изд. – М.: Айрис-пресс, 2012. – 152 с. (Мировая художественная культура)

6. Гоголев К.Н. Краткий конспект: Западная Европа и Ближний Восток. – 2-е изд. – М.: Айрис-пресс, 2004. – 264 с. (Мировая художественная культура)

7. Грибунина Н.Г. История мировой художественной культуры: Учеб. пособие для общеобразовательных школ и средних специальных заведений. – Тверь, 1993. – 240 с.

8. Данилова Т.И. Мировая художественная культура: Вечные образы искусства. Библия. 6 кл.: учебник для общеобразовательных учреждений / Г.И. Данилова. – 5-е изд. – М.: Дрофа, 2012. – 240 с.

9. Емохонова Л.Г. Мировая художественная культура: Учебник для 10 кл.: среднее (полное) общее образование (базовый уровень) / Л.Г. Емохонова. – М.: Изд. центр «Академия», 2008. – 240 с.;

10. Емохонова Л.Г. Мировая художественная культура: Учебник для 11 кл. : среднее (полное) общее образование (базовый уровень) / Л.Г. Емохонова. – 6-е изд. – М.: Изд. центр «Академия», 2012. – 240 с.

11. Зарецкая Д.М. Западная Европа и Древний Восток / Д.М. Зарецкая, В.В. Смирнова. – 8-е изд. – М.: Айрис-пресс, 2009. – 304 с. (Мировая художественная культура)

12. Караськова О.В. Средние века. Возрождение. – СПб.: КОРОНА принт, 2003. – 416 с.

13. Рапацкая Л.А. Мировая художественная культура. 10 кл. В 2-х ч. Ч. 1: [учебник] / Л.А. Рапацкая. – М.: Гуманитар. Изд. Центр ВЛАДОС, 2010. – 375 с.; Ч. 2: Русская художественная культура: [учебник] / Л.А. Рапацкая. – М.: Гуманитар. Изд. Центр ВЛАДОС, 2008. – 315 с.;

14. Рапацкая Л.А. Мировая художественная культура. 11 кл. В 2-х ч. Ч. 1: [учебник] / Л.А. Рапацкая. – М.: Гуманитар. Изд. Центр ВЛАДОС, 2008. – 384 с.; Ч. 2: [учебник] / Л.А. Рапацкая. – М.: Гуманитар. Изд. Центр ВЛАДОС, 2007. – 320 с.

15. Рябцев Ю.С. История русской культуры. ХХ в. 9 кл.: пособие для учащихся общеобразовательных учреждений / Ю. С. Рябцев, С.И. Козленко. – М.: Гуманитар. изд. центр ВЛАДОС, 2008. – 303 с.

16. Солодовникова Ю.А. Мировая художественная культура. 10 кл.: учебник для общеобразовательных учреждений / Ю.А. Солодовникова. – М.: Просвещение, 2009. – 304с.

17. Срабова О.Ю. Древний мир как предмет изучения. – СПб.: Изд-во «Союз художников», 2010. – 336 с.;

18. Срабова О.Ю. Древний мир: Первобытное общество. Месопотамия. Древний Египет. Эгейский мир. Древняя Греция. Древний Рим. – СПб.: КОРОНА принт, 2010. – 352 с.;

19. Срабова О.Ю. Новое время. Западная Европа ХVII – ХIХ вв.: Учеб. пособие / Под ред. Ю.В. Лобановой. – СПб.: КОРОНА принт, 2004. – 432 с.

II. Дополнительная литература

1. Алленов М.М. Русское искусство ХVIII – начала ХХ вв. – М.: Трилистник, 2000. – 319 с.;

2. Алленов М.М., Евангулова О.С., Лифшиц Л.И. Русское искусство Х – начала ХХ века. М.: Искусство, 1989. – 480 с.; Алленов М.М., Лифшиц Л.И. История русского искусства. В 2-х тт. – М.: Белый город, 2007. Т. 1. – 347 с.; Т. 2. – 320 с.

3. Власов В.Г. Новый энциклопедический словарь изобразительного искусства. – СПб.: АЗБУКА-КЛАССИКА, 2007. – 912 с.

4. Гайдамак А. Русский ампир. – М. – Париж: ТРИЛИСТНИК, 2000. – 272 с.

5. Древние цивилизации / С.С. Аверинцев, В.П. Алексеев, В.Г. Ардзинба и др.; Под общ. Ред. Г.М. Бонгард-Левина. – М.: Мысль, 1989. – 479 с.

6. Дмитриева Н. Краткая история искусств. – М.: АСТ-ПРЕСС, Галарт, 2009. – 624с.

7. Ильина Т.В. История искусств. Западноевропейское искусство: Учеб. – 3-е изд. – М.: Высш. шк., 2000. – 368 с.;

8. Ильина Т.В. История искусств. Отечественное искусство: Учеб. – 3-е изд. – М.: Высш. шк., 2000. – 407 с.

9. История искусств: учебное пособие / Кол. авт.; под ред Г.В. Драча, Т.С. Паниотовой. – 2-е изд. – М.: КНОРУС, 2013. – 680с.

10. История искусств с древнейших времен до классицизма. Энциклопедия / Председатель научно-ред. совета академик РАН Чубарьян А.О. – М.: ОЛМА Медиа Групп, 2009. – 640 с.

11. История искусства зарубежных стран: Первобытное общество, Древний Восток, античность: Учебник / Колл. авт. института им. И.Е. Репина, Академия художеств / Под ред. А.П. Чубовой. – 5-е изд. – М.: Сварог и К, 2008. – 376 с.

12. История искусства: Российская академия художеств, НИИ теории и истории изобразительных искусств / Ред. кол. М.А. Бусев, В.В. Ванслов, Т.Х. Стародуб; под ред. Е.Д. Федотовой. Т. 1. – М.: Белый город, 2012. – 520 с.

13. История мировой культуры (мировых цивилизаций) / Под ред. Г.В. Драча. – Ростов-на-Дону: Феникс, 2010. – 533 с.

14. История русской архитектуры / Под общей ред. Ю.С. Ушакова. – СПб., 1994.

15. Каган М.С. Введение в историю мировой культуры / М.С. Каган. – 2-е изд. – СПб.: Петрополис, 2003. Кн. 1. – 368 с.

16. Культурология: Библиотека словарей / В.Д. Лихвар, Д.Е. Погорелый, Е.А. Подольская. – М.: Эксмо, 2008. – 416 с.

17. Лифшиц Л.И. История русского искусства. Искусство X – XVII веков Т. 1.  – М.: Белый город, 2007 – 344 с.

18. Лихачев Д.С. Русское искусство: от древности до авангарда. – СПб.: Искусство-СПб, 2009. – 480 с.

19. Любимов Л.Д. История мирового искусства. Древняя мир. Древняя Русь. Западная Европа / Л.Д. Любимов. – М.: АСТ: Астрель: Транзиткнига, 2007. – 543 с.;

20. Любимов Л.Д. Искусство Западной Европы / Л.Д. Любимов. – М.: АСТ: Астрель, 2005. – 240 с.

21. Новицкий А.П., Никольский В.А. История русского искусства. – М.: Эксмо, 2008. – 704 с.

22. Петкова С.М. Справочник по мировой культуре и искусству / С.М. Петкова. – Изд. 5-е. – Ростов-на-Дону: Феникс, 2008. – 506 с.

23. Печенкин И.Е. Русское искусство второй трети XIX- начала XX веков: Учебное пособие. – М.: В.ШЕВЧУК, 2008. – 240 с.

Художественная культура народов Северного Кавказа

Сердце, воображение и разум – вот та среда, где рождается то, что мы называем культурой.
К. Г. Паустовский

Художественная культура – яркий и неповторимый мир, образованный многовековым опытом накопления и передачи духовных и материальных ценностей. Творчество народа – визитная карточка, характеризующая его самобытную культуру, философию, мировоззрение. Литература, музыка, изобразительное и декоративно-прикладное искусство – лишь малые грани, отражающие богатство Северного Кавказа, с которыми мы предлагаем познакомиться, обратившись к новому разделу нашего указателя.

 

О казачьих традициях и культуре горских народов можно узнать из рассказа кандидата исторических наук Петра Федосова, опубликованного в газете «Ставропольская правда».
stapravda.ru/20100430/kazachi_traditsii_i_kultura_narodov_severnogo_kavkaza_44611.html

Культуре Кавказа большое внимание уделено на сайте Регионального общественного фонда содействия развитию культуры «Мир Кавказа». Авторы представленного раздела подчеркивают: «Выбранный нами метод организации материала не претендует (по крайней мере, до поры) на энциклопедичность, а предполагает путь постепенного наполнения различных рубрик данного раздела, которые будут регулярно обновляться и дополняться. В перспективе такой подход позволит собрать и систематизировать необходимый материал и превратить раздел «Культура Кавказа» в полезный и увлекательный источник получения информации для всех интересующихся культурой и искусством Кавказа, прошлого и современности».
mirkavkaza.ru/kultura

На сайте «Народный костюм» представлена работа З. В. Доде, посвященная костюму населения Северного Кавказа в VII-XVII веках.
narodko.ru/article/avtoref/koctum_nacelenia_cevernogo_kavkaza2.htm

Журнал научных публикаций аспирантов и докторантов опубликовал статью И. М. Ведзижева, в которой рассказывается о народных промыслах в республиках Северного Кавказа.
jurnal.org/articles/2013/ekon47.html

 

Республика Дагестан

Многонациональный Дагестан поражает великолепием природных богатств и являет собой настоящую сокровищницу культурных ценностей. А каждый из народов, проживающих на территории этой Республики, по-своему уникален и неповторим.

 

На сайте, посвященном Республике, представлена статья о народном искусстве Дагестана как части национальной культуры. М. М. Байрамбеков,  автор данного материала, рассматривает самобытную культуру дагестанских народов в историческом аспекте. На этом же сайте имеется информация о лезгинской музыкальной культуре.
sites.reformal.ru/odnoselchane.ru/#

Художникам Дагестана посвящен материал на сайте Научного общества кавказоведов.
kavkazoved.info/news/2013/07/17/hudozhestvennaja-zhizn-dagestana-kak-duhovnoe-dostojanie-nashej-strany.html

«Дагестан – заповедник народных художественных промыслов» – так называется материал, размещенный на сайте Республиканского информационного агентства.
riadagestan.ru/news/science/dagestan_zapovednik_narodnykh_khudozhestvennykh_promyslov

Республиканский общественно-политический журнал «Народы Дагестана» предлагает познакомиться со статьей, посвященной народным художественным промыслам. Также ресурс рассказывает о Дагестане, как о крае мастеров.
narodidagestana.ru/vipusk/13/stat/narodnie_hudojestvennie_promisli_%E2%80%93_fundament_kulturi
narodidagestana. ru/vipusk/31/stat/dagestan__kray_masterov

Международный журнал экспериментального образования знакомит со статьей С. Р. Дамадановой и А. С. Лугуева «Художественная культура Дагестана как часть духовной культуры России». Весьма полезным может быть список литературы, размещенный в конце статьи.
rae.ru/meo/?article_id=553&op=show_article&section=content

Статья Э. Абдуллаевой «Дагестанское музыкальное искусство постсоветского времени: основные тенденции» представлена в научной электронной библиотеке «КиберЛенинка»
cyberleninka.ru

Отдельный ресурс посвящен кумыкам и дает возможность узнать о музыкальной культуре этого народа.
kumukia.ru/?id=548

Сулейман-Стальский район подарил Дагестану целую плеяду деятелей искусства. О них можно прочитать на официальном сайте района.
suleiman-stalskiy.ru/?com=pages&id=133&page=page&task=view

Дагестанский государственный университет предлагает читателям резюме статьи Г. Г. Тикаева  «Декоративно-прикладное искусство Дагестана. (Оружейное и ювелирное производство)».
dgu.ru/f/tikaev.dgu.ru/htdocs/russian/publications/rezume_na_russkom_stati_dekorativno_prikladnoe_iskusstvo_dag.html

Изделия из шерсти – особый вид искусства в Дагестане. Российский экономический интернет-журнал опубликовал статью К. М. Гусейнова «О шерстоткачестве в Дагестане (XIX – начало XX века).
e-rej.ru/Articles/2008/Guseynov.pdf

Серебряным изделиям посвящен материал М. Филатовой «Серебряное кружево Дагестана».
njt.ru/upload/iblock/a68/28_30_vostok_2.pdf

Вышивка – удивительно прекрасное ремесло. Ему посвящена статья Ф. А. Гаджаловой «Особенности технических приемов традиционной вышивки у народов Дагестана». С ней можно познакомиться на сайте Кунсткамеры.
kunstkamera.ru/files/lib/978-5-88431-239-5/978-5-88431-239-5_25.pdf

Журнал «Теория и практика общественного развития» предлагает познакомиться со статьёй А. М. Курбановой и Д. А. Гусеновой «Этическо-эстетические особенности гончарного искусства Дагестана».
teoria-practica.ru/rus/files/arhiv_zhurnala/2013/11/kulturologiya/kurbanova-gusenova.pdf

 

Республика Ингушетия

Ингушетия – удивительный край, вобравший в себя прекрасные традиции и обычаи, неповторимые памятники архитектуры, красивые песни… Приглашаем познакомиться с художественной культурой этой юной Республики с многовековой историей.

 

Информацию о художниках Ингушетии можно получить на официальном сайте Государственного музея изобразительных искусств Республики Ингушетия.
museumizori.ru/hudozhniki-ingushetii

 

Республика Кабардино-Балкария

Снежные горы, знаменитые ущелья, красавец Эльбрус… и богатое культурное наследие этой Республики привлекают путешественников, ученых, исследователей.

 

О становлении изобразительного искусства Кабардино-Балкарии рассказывает статья Ж. Аппаевой, опубликованная на сайте Общероссийской общественной организации «Ассоциация искусствоведов».
ais-aica.ru/index.php?option=com_content&view=article&id=2581:2011-12-29-10-37-00&catid=239

Процессы формирования просветительской литературы в Кабарде и Балкарии в XIX в. , посвященной сохранению культуры и традиций, отражены в статье Г. Д. Базиевой, опубликованной на сайте научной библиотеки Челябинского государственного университета.
lib.csu.ru/vch/115/009.pdf

Художественной культуре кабардинцев посвящены материалы на сайте адыгского народа.
adygi.ru

Особым видом искусства у адыгов является узорное плетение. О нем рассказывается в статье А. В. Гучевой, представленной на сайте Кунсткамеры.
kunstkamera.ru/files/lib/978-5-88431-239-5/978-5-88431-239-5_26.pdf

Об истории художественной критики в Кабардино-Балкарии рассказывает статья в сборнике материалов научной конференции «Художник и время».
elibrary.udsu.ru/xmlui/bitstream/handle/123456789/10739/2013232n.pdf?sequence=4

На сайте «Belcanto.ru» имеются материалы о кабардино-балкарской музыке.
belcanto.ru/kabardino.html

 

Республика Карачаево-Черкесия

Земля заповедных природных мест богата и культурными традициями своих жителей.

 

О материальной культуре карачаевцев можно узнать на сайте «Elbrusoid. org».
elbrusoid.org/articles/weinpast/359173

О хазарско-иудейском наследии в традиционной культуре карачаевцев повествует статья, представленная на сайте «Сувары.ру».
сувары.рф/ru/content/hazarsko-iudeyskoe-nasledie-v-tradicionnoy-kulture-karachaevcev

Со старинным ремеслом шорника предлагает познакомиться ГТРК «Карачаево-Черкесия».
gtrkkchr.ru/416-starinnaya-professiya-shornik.html

Статья А. Х.-М. Томоркуловой «Национальные и культурные ценности народов Карачаево-Черкесии как фактор воспитания межэтнической толерантности подрастающего поколения» опубликована в сборнике «Ярославский педагогический вестник».
vestnik.yspu.org/releases/pedagoka_i_psichologiy/21_26

 

Республика Северная Осетия-Алания

Богато историческое наследие и этой прекрасной земли, подарившей миру многих выдающихся деятелей искусства. Культуре древнего осетинского народа посвящен ряд интернет-ресурсов.

 

На официальном портале Республики Северная Осетия-Алания представлены материалы по культуре и искусству.
rso-a.ru

Информационный портал «15-й регион» познакомит с осетинской музыкой.
region15.ru

Статья искусствоведа М. Атаевой, посвященная искусству Осетии, опубликована на сайте Союза художников РСО-Алания.
cxpco-a.ru/articles/4-post4.html

Для преподавателей интерес может представлять методическая разработка «Памятники культуры осетин», составленная Д. А. Остаевой.
ic4.mwport.ru/LinkClick.aspx?fileticket=DlrhdJ_cRvI=&mid=23813&tabid=13023

Статья М. Б. Кодзаевой посвящена обработке художественной бронзы в искусстве древней Осетии.
lib.tpu.ru/fulltext/c/2013/C01/V3/151.pdf

На сайте «Ossethnos.ru» представлена информация по культуре и искусству осетин.                

ossethnos.ru

«Общие вопросы классификации и исторического развития осетинских свадебных песен» – так называется статья Д. М. Дзлиевой, опубликованная на сайте Российской Академии Естествознания.
rae.ru/fs/pdf/2014/8-5/34746.pdf

 

Чеченская Республика

Своими  неповторимыми традициями, художественной культурой обладают и представители Чеченской Республики.

 

Интересные материалы по культуре и искусству чеченского народа можно найти на сайтах: «Город Грозный», «Нохчалла», а также на сайте Фонда развития науки и культуры «Латта».
groznycity.ru
nohchalla.com/category/kultura
 

 

 

 

 

 

 

 

 

Массовая художественная культура ХХ века сквозь призму теоретического наследия

Феномен массовой художественной культуры стал предметом теоретического осмысления задолго до того, как появилось явное и неоспоримое воплощение его в действительности. Многие крупные художники, философы, теоретики искусства почувствовали приближение целого ряда симптомов, угрожающих сохранению искусства в его классическом варианте, сложившемся главным образом в XV-XVIII столетиях. Одним из них был А. Шопенгауэр, который, по словам А. Чанышева, предвосхитил мысль об «опасности подчинения культуры утилитарным целям» и вменил «творческой элите обязанность радикальной защиты культуры от непосвященных». (См.: Чанышев А.А. Проблема ценностного и целевого единства культуры в идеализме А. Шопенгауэра // Историко-философский ежегодник’88. М., 1988. С.148).

Понимание обреченности какой-либо охранительной позиции и признание неизбежного приближения конца художественного расцвета в европейской культуре, были присущи Ш. Бодлеру, воззрения которого впоследствии оказались весьма близки концепции О. Шпенглера. Среди разнообразных факторов, способствующих ослаблению творческой деятельности, он называл технический прогресс, уловки которого, «вторгаясь в искусство, становятся его смертельными врагами», — предупреждал он. Выделяя среди прочих искусств поэзию, он отмечал, что она и «материальный прогресс подобны двум честолюбцам, инстинктивно ненавидящим друг друга, и, когда они сталкиваются на одной дороге, один из них неизбежно порабощает другого». (Бодлер Ш. Об искусстве. М., Искусство. 1986. С.189).

Многие модификации, произошедшие в сфере художественной культуры ХХ века можно рассмотреть сквозь призму ницшеанских идей, которые не только оказались воспринятыми рядом художников как программные, но и, как подтвердило время, оказались весьма провидческими. Взгляды Ницше на искусство, как и все его творческое наследие, необходимо рассматривать поэтапно.

Для элитарных направлений в искусстве, щедро расцветших на рубеже 19-20 веков, кардинальной программой можно считать положение Ницше о метафизическом назначении искусства, которое он отмечал в предисловии к работе «Рождение трагедии из духа музыки». Феномен греческой красоты для Ницше заключался не в «прекраснодушном скольжении по поверхности», а в генеалогическом погружении в глубину по направлению к хаотическому источнику. Именно в дионисическом опьянении и мистическом самоотчуждении художнику, полагал он, «открывается его собственное состояние, т.е. его единство с внутренней первоосновой мира в символическом подобии сновидения «. Заметим, что такого рода трактовка искусства являлась продолжением традиции, идущей от романтиков и Шопенгауэра. Последователи Ницше среди двух противоположных начал в искусстве — дионисийского и аполлонического, отдавали приоритет первому. Явная увлеченность многих теоретиков и практиков искусства ницшеанскими идеями, имела место в ряде стран (см. , например: Дианова В.М. Философия в жизни и творчестве А. Стриндберга // Август Стриндберг и мировая культура. СПб., Изд. «Левша». 1999), в том числе и в России. (см.: Clowes E.W. The rovolution of moral consciosness: Nietsche in Russ. lit., 1890-1914. — De Kalb (ill.): Nothern Illinois univ. press, 1988. — XI). В свое время этот факт едко прокомментировал Д. Мережковский, заметив, что в России «одну половину Ницше взяли босяки, другую наши декаденты-оргиасты», назвав среди поклонников нового Диониса русского поэта символиста и философа Вяч. Иванова (Мережковский Д.С. Грядущий хам // Мережковский Д.С. Больная Россия. Л., Изд-во Ленингр.универ. 1991. С.41). Действительно, Вяч. Иванов обратился к идее Ницше о дионисийском начале в художественном творчестве, пытаясь создать свою концепцию театра будущего, причудливо соединившую в себе христианскую идею соборности и дионисийство, предназначение которой — преобразование человечества (См.: Иванов Вяч. Предчувствия и предвестия. Новая органическая эпоха и театр будущего // Иванов Вяч. Родное и вселенское. М., 1994). Полагаем, идея переоценки всех ценностей, выдвинутая немецким мыслителем, была наиболее притягательной в период модернистских исканий и новаций.

Несколько иначе сложилась судьба творческого наследия немецкого философа во второй половине столетия, когда были замечены, актуализированы и задействованы в творческом процессе иные идеи и отчасти переосмыслены прежние. Остановимся на анализе некоторых.

Более зрелый Ницше подчеркивает уже не метафизическое назначение искусства, а его игровую природу. И этим он примыкает к традиции, идущей от Шиллера и Канта, обосновывающей игровую концепцию искусства. Искусство — это иллюзия, игра, поэт — лгун. Ницше расценивает искусство «как культ недействительного», рассматривает восприятие искусства «как добрую волю к иллюзии». Искусство трактуется как подготовка к жизни и необходимый от нее отдых. Действительная жизненная борьба и бесконечно запутанная человеческая деятельность представляется в искусстве в упрощенно-сокращенном виде. Необходимость искусства в том и заключается, что оно дает «иллюзию упрощенного мира, сокращенного решения загадки жизни» (Ницше Ф. Рихард Вагнер в Байрейте // Ницше Ф. Избранные произведения. В 3 т. М., 1994. Т. 2. С.97). Без этой иллюзии как без сна не может обойтись никто из страдающих от жизни. Чем труднее жизнь, тем сильнее стремление к иллюзии упрощения. Поэтому Ницше — за искусство праздника: «Всем нам потребно озорное, ребячливое и блаженное искусство…, как бы смогли мы… обойтись без искусства, без того, чтобы не валять дурака?» — вопрошает он.

Эта характеристика грядущего искусства была обстоятельно описана последующими философами, которые заметили общий симптом нового искусства, просвечивающий за всеми его многообразными проявлениями: перемещение искусства из сферы жизненно «серьезного» в игровую сферу. Полу религиозный, высоко патетический характер, который века два назад приняло эстетическое наслаждение, теперь полностью выветрился. Эту черту искусства ХХ века отметил уже Х.  Ортега-и-Гассет: «Искусство было штукой серьезной, почти священной. Иногда оно — например, от имени Шопенгауэра и Вагнера — претендовало на спасение рода человеческого, никак не меньше!» — иронизирует испанский философ. (Ортега-и-Гассет. Дегуманизация искусства // Ортега-и-Гассет. Эстетика. Философия культуры. М., «Искусство». С.254). Действительно, сегодня научное и художественное творчество порой можно рассматривать как высокие плоды спортивной увлеченности. У позднего Ницше находим, что творчество это тщеславие, дурной вкус, что высшие люди не занимаются творчеством (сам он, заметим, не стремился подтвердить эти суждения собственным образом жизни). Художники, полагает он, занимаются выдумками, используют средства, чтобы сделать вещи прекрасными, привлекательными, достойными желания. Всему этому надо учиться у художников, а в остальном — быть мудрее их. Ибо эта утонченная сила обыкновенно прекращается у них там, где прекращается искусство и начинается жизнь; »мы же хотим быть поэтами нашей жизни, и, прежде всего в самом мелком и обыденном!» (Ницше Ф. Веселая наука. С.637).

Художественная практика последних десятилетий ХХ века настойчиво обнаруживает эту направленность в художественном творчестве к игре, к празднику. Примером тому может быть недавнее масштабное театральное действо, выполненное в подобном ключе: всемирная театральная олимпиада в Москве (2001 г.), среди мероприятий которой наибольший интерес представляла программа уличных театров ( художественный руководитель Вячеслав Полунин).

Весьма провидческой и продуктивно воплощенной в художественной практике оказалась еще одна идея Ницше — идея «вечного возвращения». Считаем, что наиболее глубокую интерпретацию этой проблемы дал Ж. Делёз. Идея «вечного возвращения» рассматривается им в терминах «повторения», которое, полагает он, неизбежно в культуре, поскольку конститутивно для жизни: процессы повторения разворачиваются во всяком живом существе по ту сторону сознания; это процессы пассивного синтеза, образующие «микроединства» и задающие образцы привычек и памяти, они конституируют бессознательное как «интегративное» и дифференцирующее. Делёз различает несколько видов повторений: унылое повторение привычки (физическое), глубинное повторение памяти (психическое), метафизическое и онтологическое повторения.

На материале художественного творчества эта идея нашла свое развитие в теориях и художественной практике У. Эко. Он обращает внимание на то, что в постмодернистском искусстве активно используются разнообразные приемы повторения, заимствованные его создателями из масс-медиа и конституировавшиеся в жанровые или стилистические феномены. Среди них им выделены: Retake — (повторная съемка), Remake — (переделка), серия, сага, интертекстуальный текст. (См.: Эко У. Инновация и повторение. Между эстетикой модерна и постмодерна // Философия постмодернистской эпохи. Сб. переводов и рефератов. Минск. 1998). Все эти приемы повторения рассчитаны на такие психологические механизмы, которые обеспечивают «радость узнавания» персонажей, «комфортность погружения» в привычную среду, «легкость приобщения» к знакомой ситуации, «желание» сопереживания полюбившимся героям и пр.

Заметим, что тенденцию к возврату и повторению в художественном творчестве Ницше расценивал как начало гибели искусства. Современные теоретики рассматривают эту тенденцию двояко: Бодрийар, к примеру, разделяет концепцию Ницше о приближающейся гибели искусства именно из-за полной его атрофированности к созданию новых форм; Делёз, напротив, видит в этом отличительную черту художественного творчества: «Быть может, высший объект искусства — пишет он, — синхронная игра всех этих повторений, с их сущностным и ритмическим различием, взаимным смешением и маскировкой, расхождением и децентрацией; их взаимовложенность и поочередное окутывание иллюзиями, чей «эффект» всякий раз иной» (Делёз Ж. Различие и повторение. СПб., 1998. С.351).

Наметившуюся тенденцию к разрушению традиционных форм Ницше принимает как неизбежность эволюционирования художественной культуры. Распад классического искусства, по мнению Ницше, начался с романтиков, с периода, вызванного «разнузданной революционной лихорадкой» (Ницше Ф. Человеческое, слишком человеческое. С.354). Правда, благодаря этой «разнузданности», отмечает он, мы можем наслаждаться поэзиями всех народов. Если искусству в прошлом были присущи мера, гармония, чувство вкуса, «строгая дисциплина», «оковы», национальные традиции, то в надвигающемся процессе взаимопроникновения художественного опыта и утрате чувства стиля Ницше увидел приближающуюся гибель искусства, ибо оно «идет навстречу своему разложению» (Там же. С.355). И это движение он трактовал, как уже было отмечено, в качестве тенденции возврата и истолкования искусством своего возникновения, своего созидания.

И здесь можно увидеть предвидение усилившегося в ХХ веке процесса взаимопроникновения культур, заимствований, усвоения и интерпретации художественного опыта различных исторических эпох, что привело к возможности реализовать «одновременное существование неодновременного».

В период работы над «Так говорил Заратустра» Ницше говорит о неразделенности тела и сознания и призывает учиться через тело радости жизни, превознося поэтому так высоко искусство танца. Лгать телу — это лгать природе, то есть жизни. Философ провозглашает творящее тело словами Заратустры: «В твоем теле больше разума, чем в лучшей мудрости». «Учиться освобождать сознание через движение тела: не правда ли, это первый закон для танцовщика?» (Ницше Ф. Так говорил Заратустра. М., 1990. С.31; См. также: Commenge B. La Danse de Nietzsche. — Gallimard. Franse. 1988). Активная, главенствующая роль телесного означает факт непосредственного присутствия человека в мире. Феноменальное тело, «живое тело» привлекает художников способностью «мыслить» на до вербальном уровне, открытием нового типа мыслительной деятельности, «мышления в движении». Позже эта тема привлекла А. Арто, П. Рикёра, определившего идейную природу мысли и движения. Понятия «телесность» и «живое тело» нашли отражение в экзистенциальной феноменологии Марселя, Сартра, Мерло-Понти. Проблемой человека и отнесением на второй план проблемы сознания занимался Гуссерль, Хайдеггер, у нас — В. Подорога. (См. : Подорога В.А. Мир без сознания (проблема телесности в философии Ф. Ницше // проблема сознания в современной западной философии. М., «Наука», 1989.) Проблема телесности стала одной их актуальнейших тем в массовой культуре современности.

Небезынтересен ницшеанский прогноз: у человечества наступает период, «когда всякий убежден, что способен почти на все, дорос почти до всякой роли, когда каждый испытывает себя, импровизирует, снова испытывает, испытывает с удовольствием, когда прекращается всякая природа и начинается искусство…» (Ницше Ф. Веселая наука. С.678).

Эти мысли Ницше, похоже, развивает Ж. Бодрийяр: «Искусство сегодня повсюду, ведь искусственность покоится в сердце реальности». Отсюда понятия гиперреальности как того, что уже было репродуцировано, где реальность полностью сменилась «игрой в реальность», где наслаждение знаками вины, отчаяния, насилия и смерти заменяют, по мнению Бодрийара, настоящие вину, тревогу и даже смерть в полной эйфории симуляции (Бодрийяр Ж. Транспаранс зла // Горизонты культуры. СПб., 1992. С.235). Эту печальную и вместе с тем фарсовую ситуацию в культуре предвидел немецкий философ, когда писал, что «наступают всякий раз интереснейшие и сумасброднейшие периоды истории, когда «актеры», всякого рода актеры оказываются доподлинными господами».

Ницше отмечает, что посредством искусства воздействуют на человека, пытаются, по его выражению, «совлечь бедных, истощенных и больных с большой страждущей улицы человечества». В этих суждениях напрашивается параллель с возникшей в ХХ веке могущественной и широкой сети культуриндустрии, выполняющей рекреационные, компенсаторные функции. Поскольку искусство это обман, вымысел художника, уводящий человека в мир иллюзий, то, по его мнению, оно не для сильных людей, «только отсталые люди будут еще нуждаться в художественном вымысле», прогнозирует он. Поэтому «искусство … окружает магия смерти», полагает он, и в этом с ним опять же солидарен Ж. Бодрийяр, который уверен, что скоро искусство уйдет, полностью уступив место рекламе. Собственно, эти же мысли мы встречаем у авторитетных аналитиков массовой культуры — М. Хоркхаймере и Т. Адорно. (См.: М. Хоркхаймер, Т. Адорно. Диалектика Просвещения. Философские фрагменты. М., «Медиум», «Ювента». М. — СПб., 1997. С.202.)

Если Ницше предвидел некоторые модификации, грядущие в сфере художественной культуры, то перед теоретиками Франкфуртской школы все это предстало в качестве реального предмета исследования. Ее основатель М. Хоркхаймер увидел тенденцию к саморазрушению идей Просвещения. Его критика массовой культуры заключалась в разоблачении «культурных стандартов» и вызываемых ими стереотипных реакций, которые неизбежно порабощают индивида, ведут к духовной несвободе.

Важнейшая проблема постиндустриального общества была поднята другим представителем этой же школы — В. Беньямином. Он заметил, что технические возможности тиражирования произведений искусства существенно изменили его природу, привели к потере «ауры», наличествующей у каждого художественного произведения. (См.: В. Беньямин. Произведение искусства в эпоху его технической воспроизводимости. М., «Медиум», 1996. С.15-65). Этот неизбежный процесс, вызванный техническим прогрессом, продолжал оказывать воздействие на иные стороны художественной культуры, приведя со временем к возникновению обширной сферы культуриндустрии. Обстоятельно анализируя особенности массовой художественной культуры, немецкие мыслители увидели не только негативные стороны, отдаляющие ее от культуры элитарной, но и ряд позитивных сторон, отметив их обоюдную взаимообусловленность. Так, по мнению Адорно и Хоркхаймера, «слияние культуры с развлечением приводит не только к деградации культуры, но и в такой же мере к неизбежному одухотворению развлечения»; «развлечение способствует очищению аффекта, выполняя ту же функцию, которую уже Аристотель приписывал трагедии» (речь идет о катарсисе. (М. Хоркхаймер, Т. Адорно. Диалектика Просвещения. Философские фрагменты. М.-СПб., 1997).

В недавний советский период массовую художественную культуру рассматривали лишь как явление западной культуры. С тем, чтобы понять идентичность процессов в развитых странах, Г. Генис предложил «заменить западный масскульт отечественным соцреализмом» (А. Генис. Треугольник (Авангард, соцреализм, постмодернизм // Иностранная литература, 1994, №10) и тогда теоретический анализ этого феномена, проделанный зарубежными авторами, становится необходимым для уяснения собственной культурной ситуации. Безусловно, сегодня феномен массовой культуры претерпел значительные изменения, и не только под влиянием возросших возможностей технических и информационных технологий, но и в результате изменений, произошедших в человеческом сознании, в человеческих потребностях и образе жизни. Учитывая это, необходимо взамен понятия «массовая культура», которое обременено негативным смыслом, будучи противопоставленным понятию «элитарная культура», выработать иное понятие, лишенное некоторой негативной окраски и фиксирующее действительные изменения в современной культурной ситуации.

Культура и художественная деятельность.

Культура и искусство

Главная страница Банковское дело Государственное управление Культурология Журналистика Международная экономика Менеджмент Туризм Философия История экономики Этика и эстетика

Культура и художественная деятельность. Культура и искусство   Художественная деятельность — это особый вид человеческой активности, уникальный в его отношении к культуре. Это единственная деятельность, главным содержанием, смыслом которой является создание, хранение, функционирование и передача духовных ценностей. Эта деятельность прямо направлена на “обработку”, оформление, облагораживание, одухотворение мира, окружающего человека, и на самого человека. В художественной деятельности и ее результатах ярче, непосредственнее, чем в чем либо другом, выявляется поэтому культура эпохи, периода, страны, этноса.   Понятие “художественная деятельность” включает в себя художественное творчество и его результаты (художественные ценности), художественное восприятие явлений действительности и произведений искусства. В таком употреблении понятие “художественная деятельность” во многом совпадает с понятием “искусство”. Правда, термин “искусство” иногда употребляют в более узких значениях: как только совокупность художественных произведений (исключая процессы их создания и восприятия), или как только специфическое мастерство высокого уровня (не включая тогда его результаты). При более широком понимании (которое мы будем дальше использовать), — искусство — это особая сфера человеческой деятельности, целенаправленная, осознанная в своем значении специализированная художественная активность (художественное творчество) и ее результаты (художественные произведения, произведения искусства), их функционирование и восприятие.   Вообще художественная деятельность и искусство как ее специализированное выражение, — возможны потому, что существуют эстетические отношения и эстетические ценности. Эстетическое отношение необходимо присутствует и в художественном замысле, и в художественном творчестве, и в художественном восприятии. Если произведение не порождает эстетического отношения, то оно не является художественным произведением, или не выступает в этом качестве для данного человека. Эстетическое отношение — это и средство и цель конкретной художественной деятельности.   Но конечно оно не единственное средство и не единственная цель. Только в простейших случаях (орнамент, элементарная украшенность какой- нибудь вещи) эстетическое и художественное практически совпадают. То есть, в этих случаях художественная деятельность и направлена на создание эстетической ценности, эстетического отношения. И если последнее возникает, — цель достигнута. В других случаях развитое профессиональное искусство, используя особенности эстетических отношений, решает гораздо более сложные задачи.   Художественное творчество — это своеобразное осмысление человеком мира и себя в нем. Осмысление, выражающееся в специфическом оформлении материи, в эстетической организации особых чувственно- воспринимаемых знаков, в особых языках (языках звучаний, линий, движений, ритмов, слов и т. д.). Осмысление это обычно многослойно и многофункционально. В искусстве могут художественно осмысляться любые природные явления, все разнообразные человеческие отношения. Произведение искусства может содержат в себе религиозные, философские, нравственные, политические пласты жизненных проблем. И действуя на того, кто воспринимает это произведение (слушает музыку, читает стихи), искусство пробуждает его мысли и чувства, возбуждает гамму художественно значимых смыслов. Художественная идея, по выражению А. А. Потебни, “развивается в понимающем, как его художественная мысль, его эстетическое переживание” [7].   Искусство представляет собой и особый род вненаучного знания о мире и, главное, о человеке, о его духе. Это такое знание, которое иным способом, кроме художественного мышления, — недостижимо. При этом художник может изображать не красоту и выражать не эстетический восторг, а, скажем свое негодование или даже омерзение в отношении к уродству, всяческой жизненной грязи, бесчеловечности. В этом плане художественные ценности — шире эстетических. В их носителях, знаках, знаковых системах (таких как храм, картина, икона, поэма, пьеса и т. д.) может воплощаться разнообразное содержание. Художественному осмыслению доступны все сферы природы, жизни, культуры.   Однако это эмоциональное воплощение содержания, осмысление, становится художественно действенным, а его результат — произведение — выступает как художественная ценность лишь при некоторых непременных условиях. Во-первых, если это чувственное воплощение смыслов, осмысление себя и мира, — эстетически значимо. Если все пласты, все смыслы произведения искусства (религиозные, философские, нравственные и т. д.) “втянуты” художником в поле эстетических отношений. Во-вторых, произведение оказывается художественно ценным, только если есть те, кто способен художественно “постичь” это произведение.   Художник, создавая произведения искусства, художественные ценности, — воспроизводит эстетические ценности и творит новые, так или иначе порождая красоту. Порождая ее хотя бы в форме выражения художественной мысли, органично воплощающей художественное содержание. Порождая чувство красоты, и в себе и в тех, кому адресовано искусство. И чувство, родившись, снова и снова влечет человека к этой и подобным художественным ценностям.   Искусство поэтому — одно из мощнейших средств воспитания эстетической культуры и культуры вообще. Ибо в искусстве духовное становится зримым, слышимым, осязаемым и, вместе с этим, — чувственно привлекательным, желаемым конкретным проявлением человеческого в человеке, волнующим его, способным захватить все его существо.   Но это может происходить только если человек встречается с настоящим искусством, и если эстетический и художественный вкус его достаточно развит. Причем, опять-таки, в основе художественного вкуса — вкус эстетический, т. е. способность к различению прежде всего красоты и уродства. Но развитый художественный вкус, базирующийся на этом, — это уже способность к отличению художественных ценностей (от того, что не ценно, от подделок, имитаций) — во всем их богатстве, включающем и не собственно эстетические элементы. Художественный вкус — это один из главных показателей наличия, характера и уровня художественной культуры человека (а художественные вкусы — культуры социальной группы). Художественная культура представляет собой, во-первых, развитие у людей и реализацию в их жизни художественных способностей, способностей создавать художественные ценности и воспринимать их в этом качестве. Во- вторых, культура художественная — это само создание художественных ценностей, художественное творчество, т.е. художественная “обработка”, художественное оформление, облагораживание, одухотворение разных материалов, вещей, процессов и т. д., а также — творение искусственных, эстетически и художественно значимых, форм и смыслов, создание произведений искусства. В-третьих, художественная культура выявляется в функционировании художественных ценностей, ведущем к облагораживанию, одухотворению людей, взаимодействующих с ними.   Художественная культура тесно связана не только с эстетической, но и со всеми другими сторонами и сферами культуры. И, как и вообще культура, реализуется она не абстрактно, а в конкретных условиях, по-разному, в разной мере, на разных уровнях. Есть по-разному и в разной степени эстетически и художественно культурные люди и их группы.

Arts & Culture Experiments — Experiments with Google

All Arts & Culture Experiments

Oplinator Pathmaker

Александра Дейзи Гинзберг и Google Arts and Culture Lab

Создайте свой собственный уникальный сад, удобный для опылителей

Voices

от Google Arts and Culture Lab

«Голоса за перемены: мир глобальных целей» оживляет тысячи голосов в поддержку…

Это расширение для Chrome представляет собой интуитивно понятный способ расширить свои знания о жизни Фредерика Шопена…

Архив Мо Амина

by Simon Doury, Nicolas Barradeau, Gael Hugo, Artists in Residence at Google Arts & Culture Lab

Исследуйте визуальную хронику архива фронтового фотожурналиста Мо Амина с помощью. ..

The Klimt Color Enigma

Эмиля Валлнера, Ромена Казье, художников-резидентов Google Arts & Culture Lab

Раскрашивание исчезнувших картин Климта с помощью искусственного интеллекта и экспертов Климта

Игра «Фейерверк Четвертого июля»

Джонатана Тананта, Кристин Сугрю, и Николя Баррадо, художники-резиденты Google Arts & Culture Lab

Этого четвертого июля вы отвечаете за фейерверк!

Лозунги для выпускников 2030 года

Дуглас Коупленд

Дуглас Коупленд совместно с исследователями Google создал новую серию лозунгов, используя…

Рисуйте с музыкой

Саймон Доури, Кэролайн Баттет, художники-резиденты Google Arts & Culture Lab

Превратите свою кисть в музыкальные инструменты и сочиняйте на сенсорных полотнах!

Assisted Melody

Саймон Доури, художник-резидент Google Arts & Culture Lab с Google Magenta

Сочиняйте мелодии как маэстро

PATHOS Robotic Animation Tool

by Pors & Rao

Художники Pors & Rao

Artists доступный инструмент для роботизированной анимации

Cold Flux

Бена Каллена Уильямса и Брайса Кронкайта-Рэтклиффа

Cold Flux подчеркивает опасность наших глобальных ледяных шапок, задаваясь вопросом, существует ли таяние. ..

Blob Opera — В турне!

Дэвид Ли в сотрудничестве с Google Arts & Culture

Играйте четырьмя голосами в городах по всему миру с помощью машинного обучения

Департамент по делам культуры

Крупнейшие ассигнования Фонда культурного развития в истории агентства включают финансирование восстановления после COVID-19, художественного образования и увеличения для организаций в недостаточно обслуживаемых сообществах.

«Материалы для искусства» (MFTA) впервые с начала пандемии COVID-19 официально вновь открыли свои двери для участников.

Летом и осенью 2021 года Городской корпус художников оказал финансовую помощь местным художникам, одновременно организовав творческие программы в каждом уголке Нью-Йорка.

COVID-19 коронавирус

Для получения самой последней информации о коронавирусе COVID-19 в Нью-Йорке посетите сайт www. nyc.gov/коронавирус.

DCLA в партнерстве с Americans for the Arts и SMU DataArts изучили финансовые последствия COVID-19 для некоммерческого культурного сектора Нью-Йорка. Прочтите отчет.

Прочтите последние новости Департамента культуры Нью-Йорка.

Департамент культуры Нью-Йорка

Департамент культуры города Нью-Йорка (DCLA) является крупнейшим муниципальным спонсором культуры в стране и стремится обеспечить доступ к искусству и культуре для всех жителей Нью-Йорка.

Присоединяйтесь к нашему списку рассылки, чтобы получать наш информационный бюллетень с периодическими обновлениями новостей и программ агентства.

---

CreateNYC

Первый комплексный культурный план для города Нью-Йорка и всех жителей Нью-Йорка.

Проценты за Искусство

Посмотреть сданные в эксплуатацию постоянные общественные произведения искусства, находящиеся в ведении Департамента по делам культуры.

Материалы для искусства

Программа повторного использования Нью-Йорка, которая предоставляет пожертвованные материалы некоммерческим художественным группам и государственным школам.

Архив проектной комиссии

Изучите рисунки, фотографии и другие документы, документирующие историю общественных работ Нью-Йорка.

---

Исследуйте искусство и культуру

От музеев и галерей до представлений и многого другого Нью-Йорк предлагает множество вариантов развлечений.

OneNYC

Зеленый Новый курс Нью-Йорка и видение лучшего мира.

AccessibleNYC

Комплексный план Нью-Йорка по улучшению качества жизни жителей Нью-Йорка с ограниченными возможностями.

---

Произошла ошибка — проверьте подробности в журналах

Искусство, культура и музыка | Получите вдохновение в культурной столице Флориды®

Из-за пандемии COVID-19 многие местные культурные организации разработали особые правила, помогающие обеспечить безопасность гостей.Пожалуйста, обратитесь к веб-сайту каждой организации для получения дальнейших обновлений и подробностей перед посещением. Вы также можете посетить веб-сайт Культурного совета округа Палм-Бич, чтобы получить дополнительную информацию о вакансиях и дополнительную информацию о здоровье и безопасности.

Музеи и галереи мирового уровня. Концерты и фестивали, где музыка наполняет воздух. Отмеченные наградами театральные и бродвейские артисты. От Юпитера до Бока-Ратон, The Palm Beaches полны творчества.
 
Оглянитесь вокруг: нетрудно понять, почему живописная красота Палм-Бич вдохновляла поколения художников и коллекционеров.Искусство — это образ жизни в Делрей-Бич, где на Ананасовой роще и площади Олд Скул расположены галереи и мастерские художников. Просмотрите престижные коллекции и экспонаты в Художественном музее Бока-Ратон и Художественном музее Нортона. В музее Флаглера зайдите в особняк позолоченного века Палм-Бич железнодорожного барона Генри Флаглера, чтобы увидеть исторические экспонаты, а также старинные произведения искусства и мебель.
 
Что касается развлечений, то The Palm Beaches побеждает на шоу. В районе искусств и развлечений Уэст-Палм-Бич и Харборсайд-Плейс в Юпитере всегда что-то происходит.Приобретайте билеты на концерты лучших гастролей в Центре исполнительских искусств Крависа в Уэст-Палм-Бич, смотрите мюзиклы, удостоенные премии «Тони», в театре «Мальтц Юпитер» и насладитесь кабаре с участием самых ярких звезд Бродвея в театре «Крест» в Делрей-Бич.
 
Календарь мероприятий The Palm Beaches круглый год полон искусных событий. Фестиваль искусств BOCA — это блестящий праздник культуры, а Шекспир у моря привлекает поклонников Барда в парк Юпитера Карлин. А SunFest в Уэст-Палм-Бич заполняет набережную в течение четырех дней подряд отличной музыкой, искусством, хорошим настроением и танцами на улице.
 
Узнайте больше об искусстве и развлечениях в The Palm Beaches, начните здесь.
 

Искусство и культура | Фонд Эндрю У. Меллона

Искусство и культура прославляет невероятную силу искусства бросать вызов, активировать и питать человеческий дух. Мы поддерживаем исключительную творческую практику, научные исследования и сохранение искусства и культуры, развивая репрезентативную и надежную экосистему искусства и культуры.

Наша программа работает с художниками, кураторами, реставраторами, учеными и организациями, чтобы обеспечить равный доступ к превосходному искусству и культурному опыту.Наша цель — сделать наше понимание мира более сложным и справедливым, а также создать общества, которые ценят художников как летописцев нашей человечности.

Короче говоря, мы работаем, чтобы сделать искусство и художников центром процветающих и здоровых сообществ.

 

Смелое пространство для смелого искусства 

---

В Asian Arts Initiative художники могут быть общественными активистами, не теряя из виду свое ремесло, говорит директор Энн Исии.

ПОДРОБНЕЕ >

Танцевальные артисты предпринимают творческие шаги для воссоединения

ПОДРОБНЕЕ >

AXIS Dance поднимает настроение благодаря инклюзивности 

---

Привыкшая к преодолению ограничений, физически интегрированная компания изящно адаптировалась к задачам создания искусства в условиях пандемии.

ПОДРОБНЕЕ >

«Глубоко размышляя о том, что важно:» Кейвин Фельдман о руководстве национальным музеем в неопределенные времена

---

Директор Национальной художественной галереи делится своими мыслями о роли культуры во время кризиса и о том, как сделать великий институт, еще более значимый для все более разнообразной Америки.

ПОДРОБНЕЕ >

Меллон в 50 лет: язык, перформанс и демократия 

---

Как нам сосредоточить решающую роль художников в нашем обществе?

ПОДРОБНЕЕ >

Театр Carpetbag Theatre «Истории, которые подтверждают и укрепляют нас» 

---

Краеугольный камень Южного театра отмечает 50-летие искусства и защиты интересов общества.

ПОДРОБНЕЕ >

Как музеи углубляют свою приверженность взглядам коренных американцев 

---

Множество программ стипендий, поддерживаемых Меллоном, удовлетворяют растущую потребность в разнообразии среди специалистов в области культурного наследия.

ПОДРОБНЕЕ >

State of the Arts 

---

ALL ARTS — революционный общедоступный медиа-канал и платформа потокового вещания — и расширенное освещение на PBS NewsHour объединяет самую разнообразную аудиторию по всей Америке с искусством.

ПОДРОБНЕЕ >

От выживания к устойчивому развитию: комплексная инициатива в области организационного здравоохранения 

---

Региональные организации искусства и культуры, занимающиеся сохранением природы, танцами и театром, могут работать над достижением долгосрочных целей с помощью грантов Меллона.

ПОДРОБНЕЕ >

Пуэрто-Рико: после шторма 

---

Профессор и заведующий кафедрой перформанса Северо-Западного университета Рамон Х. Ривера-Сервера возглавил инновационную информационно-просветительскую инициативу по оказанию помощи пуэрто-риканским артистам после разрушительных ураганов прошлой осени. Статья Керри Троттер и Кары Локвуд, впервые опубликованная в Dialogue, издании Северо-Западного университета.

ПОДРОБНЕЕ >

За кулисами: оценка национальной программы ординатуры драматургов 

---

Национальная программа ординатуры драматургов, основанная в 2012 году, направлена ​​на расширение прав и возможностей драматургов путем их вовлечения в создание театров.Вот краткое изложение отчета Helicon Collaborative о влиянии программы.

ПОДРОБНЕЕ >

Искусство в Америке: поддержка нового поколения кураторов 

---

Программа стипендий Меллона для студентов бакалавриата предназначена для диверсификации рядов кураторов в музеях по всей Америке.

ПОДРОБНЕЕ >

Обогащение наших сообществ, часть 1: анализ музеев как двигателей экономики музеи приносят пользу нашей жизни и экономике.

ПОДРОБНЕЕ >

---

• 31 августа 2021 г.

  Новости от исполнительного директора Creatives Rebuild New York Сары Кальдерон.

• 28 июля 2021 г.

  Репортаж из PBS NewsHour Canvas.

• 12 июля 2021 г.

  Пресс-релиз Фонда Эндрю У. Меллона.

• 28 июня 2021 г.

Все новости искусства и культуры >

Искусство и культура | Университет Темпл

В Темпле вы найдете городскую культуру прямо здесь, в кампусе.Каждый год мы проводим сотни представлений и выставок мирового уровня, которые воспитывают человеческий дух, открывают глаза на разнообразные идеи и вносят свой вклад в насыщенную жизнь в кампусе.

В кампусе

Колледж музыки и танца Бойера

Колледж Бойера является домом для яркого сообщества выдающихся художников, педагогов и ученых. Каждый год колледж представляет и проводит множество публичных выступлений и предоставляет множество возможностей для междисциплинарного сотрудничества между студентами, преподавателями и культурными партнерами. Узнайте больше о Бойер.

Центр исполнительских и кинематографических искусств

Центр исполнительских и кинематографических искусств представляет собой комплексную и единую академическую единицу, состоящую из Колледжа музыки и танца Бойера и Отделения театрального искусства, кино и медиаискусства. Центр обслуживает соседние сообщества, а также национальную и международную аудиторию посредством проведения более 500 ежегодных мероприятий, представлений, лекций и выставок. Узнайте больше о Центре исполнительских и кинематографических искусств Темпл.

Кино и медиаискусство

Креативность, инновации и отмеченная наградами работа исходят от этого факультета, который стал одной из ведущих академических и творческих программ в стране. Узнайте больше о предложениях Temple в области кино и медиаискусства.

Центр Лиакурас

В Центре Лиакурас происходят многие из крупнейших событий Темпла, включая баскетбольные матчи, концерты, драматические представления и выпускные церемонии. Эта крытая арена на 10 200 мест пережила много памятных моментов с момента своего открытия в 1997 году.Узнайте больше о предстоящих мероприятиях в Liacouras Center.

Библиотечные программы и экспонаты

В осеннем и весеннем семестрах в библиотеках Университета Темпл проводится серия программ «За пределами страницы: изучение культурных, исторических и научных сведений». Лекции, книжные беседы, выставки и панели бесплатны и открыты для всех. Эти программы расширяют образовательные возможности, предоставляемые за пределами классной комнаты в Темпле, и укрепляют репутацию университета как центра искусства и культуры в северной Филадельфии.Узнайте больше о библиотечных программах и выставках.

Серия «Поэты и писатели»

Колледж свободных искусств и факультет английского языка являются домом для отмеченных наградами творческих писателей как в художественной литературе, так и в поэзии. Каждый семестр в серии «Поэты и писатели», которая проходит в главном кампусе и в центре города, участвуют одни из самых интересных писателей, работающих сегодня. Все чтения бесплатны и открыты для публики. Узнайте больше о нашей серии «Поэты и писатели».

Центр исполнительских искусств Темпл

Центр исполнительских искусств Temple, один из самых уникальных концертных залов страны, расположен в бывшей церкви Baptist Temple.Эта великолепная историческая достопримечательность была перепрофилирована, чтобы вдохнуть новую жизнь в кампус Темпла и открыть новые возможности для искусства, культуры и деловых кругов Филадельфии. Узнайте больше о Центре исполнительских искусств Temple.

Театр

Театральный факультет — это общенациональная конкурентоспособная программа профессиональной подготовки с компанией-резидентом, которая включает в себя постановку, исполнение и стипендию на самом высоком уровне художественного академического мастерства. Узнайте больше о театре в Храме.

Школа искусств и архитектуры Тайлера

Классы, студии и галереи Школы искусств и архитектуры Тайлера полны активности, идей и вдохновения. Ультрасовременный дом школы в главном кампусе может похвастаться самыми передовыми средствами изобразительного искусства в регионе и функционирует как выставочное пространство мирового класса, включая Temple Contemporary. Узнайте больше о Школе искусства и архитектуры Тайлера.

В Филадельфии

Культурный альянс Большой Филадельфии

Театры

Temple, Temple Contemporary и Колледж музыки и танца Бойера являются членами Культурного альянса Большой Филадельфии, ведущей региональной организации по защите интересов и развитию аудитории в области искусства и культуры.Миссия альянса состоит в том, чтобы возглавить, укрепить и дать голос разнообразному культурному сектору, который делает Филадельфию регионом мирового класса, в котором можно жить, работать и отдыхать. Узнайте больше о культурных мероприятиях в Филадельфии.

VisitPhilly.com

Хотите знать, что происходит в Филадельфии? VisitPhilly.com является официальным сайтом для посетителей Большой Филадельфии и предлагает полный список событий, достопримечательностей, ресторанов и отелей в городе. Узнайте больше о посещении Филадельфии.

Искусство и культура в Оклахома-Сити

---

Стены Плазы

Plaza Walls — это кураторский вращающийся проект настенной росписи в районе Плаза в Оклахома-Сити. Этот проект, управляемый и созданный Синдикатом настенных росписей Оклахомы, был запущен в сентябре 2015 года после того, как Дилан Брэдвей и Кристофер Канали задумали защищать и создавать паблик-арт по всей Оклахоме. Эта достопримечательность стала одной из главных достопримечательностей не только в районе Плаза, но и в Оклахома-Сити.Plaza Walls с более чем 30 фресками ежегодно обновляется.

---

---

Ряд пленки

Почти 90 лет назад, в 1930-х годах, Шеридан-авеню была домом для владельцев кинотеатров, которые хотели показывать и сдавать в аренду фильмы для своих фильмов. В этом районе располагались крупные кинокомпании, такие как Paramount Pictures, MGM, Universal, Fox и Warner Brothers. В наши дни самым красивым аспектом Film Row являются фрески и выставки искусства по всему району. Film Row с 10 художественными галереями в радиусе менее двух миль, безусловно, стоит посетить во второй половине дня из-за художественной привлекательности и отличного опыта ночной жизни с большим выбором баров.

Балет Оклахома-Сити

Сезон балета «

Оклахома-Сити» длится с октября по апрель. Компания может похвастаться международной группой талантливых танцоров со всего мира и каждый сезон выпускает четыре постановки на главной сцене под руководством художественного руководителя Роберта Миллса. Для гостей из крупных городов цены на билеты будут очень приятным сюрпризом.

---

Филармония Оклахома-Сити

Филармония Оклахома-Сити предлагает концерты круглый год, и сезон представляет собой сочетание классики, поп-музыки и семейных сериалов. Дирижер Джоэл Левин курирует выдающуюся коллекцию музыкантов, и каждый сезон выступают всемирно известные музыканты и вокалисты. Концерты проходят в мюзик-холле Civic Center в районе искусств Оклахома-Сити. В этом районе есть много парковочных мест и легкий доступ к некоторым из лучших ресторанов города.

---

Художественный музей Оклахома-Сити

Также в районе искусств находится Художественный музей Оклахома-Сити. Посетителей встречает массивная стеклянная скульптура Дейла Чихули, когда они входят в фойе, не столь тонкое обещание того, что находится на третьем этаже. Первый этаж всегда занят передвижной, вращающейся выставкой, на которой представлены классические и современные художники в самых разных средствах массовой информации. На втором этаже есть несколько комнат, где выставлены предметы из постоянной коллекции OKCMOA — от смешанной техники до живописи и скульптуры.На третьем этаже музея находится коллекция стеклянных экспонатов Дейла Чихули. Работа Чихули, от причудливой до серьезной, всегда замечательна, и OKCMOA проделал замечательную работу по организации отдельных сборок как к открытию.

---

Индивидуальные художники Оклахомы

Менее чем в миле от Художественного музея OKC находится официальная галерея Индивидуальных художников Оклахомы (IAO), организации, которая поддерживает и представляет местных художников со всего штата. Галерея расположена в Film Row, недалеко от множества ресторанов и развлечений. Экспонаты регулярно меняются, и на выставке представлены работы всех мыслимых жанров, включая кино. В зале в задней части здания регулярно звучит поэзия и музыка.

---

Современная Оклахома

На углу 11-й северо-западной улицы и Бродвей-авеню у Oklahoma Contemporary вскоре появится постоянный дом — кампус искусств стоимостью 26 миллионов долларов. На данный момент в выставочном зале Oklahoma Contemporary проводятся выставки, он служит местом проведения искусства и курирует художественную библиотеку.Oklahoma Contemporary сотрудничает с Marfa Contemporary в Марфе, штат Техас, и фестивалем искусств Green Box в Грин-Маунтин-Фолс, штат Колорадо, чтобы представить одних из лучших региональных и национальных художников.

---

Экспонат C

Exhibit C — одна из новейших художественных галерей в центре города, где выставлены работы художников из Чикасо. Галерея, расположенная в Бриктауне, представляет собой идеальное сочетание искусства, культуры коренных американцев и гостеприимства, демонстрируя нового художника каждые несколько месяцев. Вы также можете купить настоящие ремесленные изделия, такие как ювелирные изделия, керамика, картины и одежда, в его ярком торговом зале.

---

Район искусств Пасео

Любой, кто серьезно относится к изобразительному искусству, должен отправиться в Район искусств Пасео, исторический район искусств Оклахома-Сити. В этом районе находится более 22 галерей, в которых представлены работы около 80 художников. В первую пятницу каждого месяца все галереи открыты вечером для ежемесячной Art Walk.За последние несколько лет район быстро вырос, и эта тенденция, похоже, сохраняется. Появляются новые рестораны, появляется больше вариантов для покупок, что делает Пасео самостоятельным местом назначения.

---

СитиРеп

В Оклахома-Сити есть несколько отличных театральных трупп, предлагающих шоу в бродвейском стиле, а также классические и современные пьесы и мюзиклы. Театр CityRep сотрудничает с Университетом Оклахома-Сити и национальными и региональными артистами, чтобы предложить полный список выдающихся живых выступлений.