Образ матери на картинах русских художников
Молодая крестьянка и жительница солнечной Италии, работница петроградской фабрики и жена партизана. Вспоминаем, как отечественные художники изображали матерей на своих полотнах.
.png)
Алексей Венецианов. Сенокос. 1820. Государственная Третьяковская галерея
Алексей Венецианов считается основателем жанра русской бытовой живописи. Выходец из купеческой семьи, он долго служил в Санкт-Петербурге чиновником. Полотна Венецианов писал лишь изредка — чаще всего он изображал сцены из жизни дворян и горожан.
В 1819 году Алексей Венецианов оставил службу, купил имение Сафонково в Тверской губернии и переехал туда. Он целиком посвятил себя живописи. Главной темой его творчества стал житейский уклад и быт крестьян. «Ничего не изображать иначе, как только в натуре, что является повиноваться ей одной», — писал художник.
В 1820 году художник написал полотно «Сенокос». На нем изображена крестьянка, которая кормит ребенка, оторвавшись от работы в разгар страды. Картина могла быть частью цикла: кисти художника также принадлежат работы «На пашне. Весна» и «На жатве. Лето».
«Сенокос» долгое время находился за границей — в Великобритании. Лишь в 2002 году полотно вернулось в Россию и заняло свое место в постоянной экспозиции Третьяковской галереи.
Карл Брюллов. Итальянка, ожидающая ребенка. 1830. Государственный Русский музей
Карл Брюллов. Итальянка с ребенком у окна. 1831. Государственный музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина
Карл Брюллов. Мать, просыпающаяся от плача ребенка. 1831. Государственный Русский музей
В 1822 году выпускник Академии художеств Карл Брюллов отправился в Италию — он получил от Общества поощрения художников стипендию для поездки за границу. Там живописец писал копии с картин эпохи Возрождения, этюды с натуры и сцены из жизни городских обывателей.
На многих картинах Брюллова главной героиней стала молодая мать или девушка, ожидающая ребенка. На полотнах — множество трогательных деталей: одна героиня рассматривает маленькую рубашонку, в то время как ее муж собирает колыбель, вторая — что-то показывает ребенку в окне, а молодая мать встает ночью к колыбели.
Картины полны мягкого света, который льется из открытой двери, окна или от пламени свечи на прикроватном столике. Так Карл Брюллов расставил акценты в своих работах: освещенные мать и дитя на затемненном или приглушенном фоне сразу становились центром сюжета.
Кузьма Петров-Водкин. Мать. 1913. Государственная Третьяковская галерея
Кузьма Петров-Водкин. 1918 год в Петрограде. 1920. Государственная Третьяковская галерея
Кузьма Петров-Водкин. Мать. 1913. Музей изобразительного искусства, Харьков
Тема материнства стала одной из основных для Кузьмы Петрова-Водкина в зрелый период его творчества. Как правило, художник изображал матерей-крестьянок — красивых, румяных, пышущих здоровьем. Петров-Водкин увлекался иконописью и использовал особые приемы в портретах крестьянок: они походили на Мадонн эпохи Ренессанса.
В 1920 году, в разгар Гражданской войны, художник написал одну из самых известных своих картин — «1918 год в Петрограде», — также известную как «Петроградская Мадонна». Ее фон уже совсем не идиллический. Мать и младенец окружены каменными стенами голодного города; стекла в окнах разбиты, линейный пейзаж прост и аскетичен.
Великая Октябрьская революция изменила общественное положение женщин — и не только крестьянок. Даже косынка на героине повязана новым способом: так покрывали голову работницы фабрики, чтобы подчеркнуть принадлежность к классу пролетариев.
Александр Дейнека. Мать. 1932. Государственная Третьяковская галерея
Главные персонажи полотен Александра Дейнеки — граждане молодого Советского государства. Они занимаются спортом и строят дома, участвуют в мирных съездах и воюют на фронтах Великой Отечественной. Чтобы изобразить их сильными и здоровыми, художник использовал свои приемы и уделял особое внимание цвету. Он писал: «Коричневый загар крепкого молодого тела способен вызвать положительные эмоции».
Одной из известных работ Александра Дейнеки стала картина «Мать» 1932 года. Художник изобразил на ней статную женщину со строгим профилем, на плече у нее уснул маленький сын. Светлые лица, мягкие силуэты, нарочито невыразительный темный фон — все призвано сосредоточить внимание зрителя на моменте таинства из жизни матери и ребенка.
«Десятки раз я писал спящих детей, усталых и трогательных, находил я в них и «уют» пластики и трепетность цвета, но всем этим зарисовкам недоставало конкретности. Оказывается, надо было дать другое место заснувшему ребенку, и совершенно неожиданно я увидел его на плече матери, величественной и нежной в одно и то же время. Все закомпоновалось легко, пластично и убедительно».
.png)
Михаил Савицкий. Партизанская мадонна. 1967. Государственная Третьяковская галерея
В 1950–60-х годах в отечественной живописи появилось новое направление — «суровый стиль». В его основу лег художественный метод, который использовали в первое десятилетие советской власти: четкие контуры, лаконичность, линейное изображение фигур. Сюжеты для таких полотен живописцы черпали из трудовых будней советских граждан и военного прошлого.
В 1967 году гостям Всесоюзной выставки в Москве была представлена картина «Партизанская Мадонна», которую создал художник Михаил Савицкий. Мать и дитя на ней изображены грубо, почти плакатно. Полотно Савицкого, как и Петрова-Водкина, также напоминает об иконописных традициях: сферическая перспектива, большие цветовые плоскости и яркий, почти сияющий на темном фоне младенец в центре сюжета. Задумчивая кормящая мать с обнаженным ребенком становятся олицетворением мирного прошлого, контрастируя с другими персонажами полотна — уезжающими партизанами и печальной пожилой женщиной.
В названии картины — «Партизанская Мадонна» — Михаил Савицкий объединил религиозную традицию с идеологией атеистического государства. Это было немыслимо для сталинского периода, но стало вполне возможным в годы оттепели.
Полотно Савицкого произвело огромное впечатление на гостей Всесоюзной выставки. Сразу же после экспозиции картину выкупила Третьяковская галерея.
Автор: Людмила Котлярова
Шедевры мировой живописи о материнстве: 9 картин — Статьи — Семья
1. Рафаэль Санти — «Сикстинская Мадонна» (1513 г.)
Wikimedia Commons
Молодая женщина прижимает к себе ребенка. В ее глазах читаются беспокойство и страх, но вместе с ними – доверчивость, любовь к сыну и желание его защитить. Картина висела в церкви, за алтарным крестом, а значит, Мадонна и ребенок смотрят на крестные муки Спасителя и – через них – на прихожан. Мать несет сына навстречу мукам и через них – навстречу людям.
Дева одновременно взволнованна и смиренна, тверда и нежна. Ее окружают ангелы и святые, но сама она – из плоти и крови. Мастерски объединив в одной фигуре столько противоположностей и сознание грядущих страданий, Рафаэль создал один из самых ярких образов материнства в истории искусства.
Утвердившееся название связано с историей и композицией полотна. Мадонне предстоят святой Сикст и святая Варвара. Святой Сикст – покровитель рода делла Ровере, к которому принадлежали Папа Юлий II и его дядя Папа Сикст IV.
Семейство делла Ровере по традиции поддерживало бенедиктинский монастырь в Пьяченце. В том монастыре была церковь Святого Сикста, в которой почитались мощи святой Варвары, покровительницы Пьяченцы. Для этой церкви и предназначалось полотно, написанное по заказу Юлия II, который, как считают некоторые исследователи, изображен здесь в образе святого Сикста.
2. Ж.-Б.-С. Шарден — «Молитва перед обедом» (до 1740 г.)
Шарден написал ряд картин о жизни буржуа – не богачей и не бедняков. Он идеализирует не аристократическое кокетство и роскошь, а достоинство и труд. Например, женщины на его картинах будут в простом, но чистом и опрятном платье.
Полотна Шардена показывают материнство в стенах дома. Его молодые матери исполнены самоуважения, потому что заботятся о детях, кормят их и моют, следят, чтобы они были прилично одеты и, как на этой картине, учат их молиться перед едой. Шарден представляет материнство как предназначение женщины, без которого не будет исполнен ее долг, прежде всего перед самой собой.
3. Т. Гейнсборо — «Семейство Бейли» (ок. 1784 г.)
Британские аристократы XVIII в. предпочитали другой подход к изображению материнства. Главной обязанностью женщины в детской было произвести наследника, что и отражалось в живописи. Это парадные портреты, в которых редко можно увидеть признаки близости матери и ее детей.
На этой картине Гейнсборо изображает семью не высшей английской знати, но следует всем канонам парадного аристократического портрета: богатое платье, условный фон, люди смотрят прямо на художника. В центр композиции он помещает не отца, а мать с малышкой, которой старший брат протягивает цветок. При этом ни мать, ни отец не смотрят на детей.
Семья Бейли уступала родовитым англичанам в статусе, но старалась вести схожий с ними образ жизни. Отец семейства Джеймс Бейли и его жена Колин принадлежали к крупным кланам Шотландии. Джеймс в молодости уехал в Вест-Индию, купил там плантацию и участвовал в работорговле. Прожив в колониях 20 лет, пара переехала в Лондон. Бейли, сам рабовладелец, был яростным противником отмены рабства на территории Британской империи. Когда в 1833 г. рабство все же было отменено, семья получила огромную компенсацию и вложила эти деньги в развитие Шотландии.
4. Ч.В. Коуп — «Жизнь, прожитая с толком» (1862 г.)
Викторианская эпоха – это время, когда разбогатевший средний класс начинает гордиться своими достижениями. Викторианцы хотят видеть на полотнах и роскошные интерьеры, и счастливую семью. Муж обязан обеспечить жену, которая может посвятить себя хозяйству и материнству.
Чарльз Вест Коуп написал много таких картин. Он всегда подчеркивает эмоциональную связь между женщиной и детьми. Молодые матери на его полотнах не смотрят на зрителя, всё их внимание сосредоточено на ребенке. Викторианская мать учит сына играть на фортепиано, читает с ним книжку, проверяет уроки, обучает молитвам, чистит яблоко для дочки или с шутками и играми заставляет ее позавтракать. Она в первую очередь мать-наставница.
Картину «Жизнь, прожитая с толком» можно считать образом идеального викторианского материнства: молодая женщина за рукодельем в окружении трех детей, в колыбели спит четвертый. Она слушает сына, возможно, проверяет по книжке урок. Вокруг не прибрано, но это создает ощущение достоверности, как и ножницы, положенные на разворот книги, и вязание, которое девочка явно бросила, чтобы почитать, пока мама отвлеклась на брата.
5. Э. Мане — «Семья Моне в саду в Аржантее» (1874 г.)
Во второй половине XIX в. французские матери массово стали вывозить детей дышать свежим воздухом: это стало считаться полезным для здоровья. Новое веяние не обошло и семьи художников, и это отразилось в живописи импрессионистов. У О. Ренуара, Кл. Моне и других художников много изображений семейного отдыха на природе.
Мужчина за работой – это Клод Моне. Мать позволяет мальчику валяться на траве, да и сама не боится испачкать платье. Камилла не заставляет Жана «сесть прилично», дает сыну двигаться свободно – все это новые подходы к воспитанию, к укреплению здоровья ребенка.
6. Г. Климт — «Три возраста женщины» (1905 г.)
Густав Климт посвящает картину разным возрастам женщины и круговороту жизни вообще – это одна и постоянных тем в его искусстве. Маленькая девочка символизирует беззаботное детство и юность. Молодая женщина, которая держит девочку на руках, – период расцвета и зрелости. Наконец, старая женщина означает закат жизни.
Художник восхищается и любуется молодой матерью. Климт пишет картину о женской жизни, и материнское объятие оказывается самым прекрасным в жизни и девочки, которую обнимают, и женщины, которая держит на руках свою дочь.
7. М. Шагал — «Рождение» (1910 г.)
Марк Шагал прожил долгую жизнь и не раз возвращался к теме материнства и вообще семьи и в живописи, и в графике. Темой полотна «Рождение» стало чудо появления на свет новой жизни.
Художник изображает постель роженицы, окровавленные простыни, повитуху, которая помогала матери, а теперь держит ребенка на руках, и лезущих в комнату соседей, которым не терпится отпраздновать свершившееся событие – приход в мир нового человека.
Возможно, интерес Шагала к этой теме связан с историей его собственного рождения. В книге «Моя жизнь» он писал, что в городе вспыхнул пожар, когда его мать рожала. Огонь быстро охватил пол-Витебска, в том числе бедный еврейский квартал. Постель с только что родившей женщиной и лежавшим у нее в ногах младенцем вынесли из дома на руках и переместили на другой конец города.
8. М.А. Савицкий — «Партизанская Мадонна (Минская)» (1978 г.)
Во время загрузки произошла ошибка.Михаил Андреевич Савицкий (1922-2010) – крупный белорусский художник. Участник боев за Севастополь попал в плен и прошёл Бухенвальд и Дахау. После войны он стал художником. Центральной темой его творчества была война.
Узнаваемая композиция Рафаэля наполняется новым смыслом, потому что помещена в другой контекст. На темном заднем плане еще более темные фигуры – это мужчины уходят в бой. Однако художник пишет не только мрачное полотно об ужасах войны, но и грядущее торжество жизни: хлеб поспевает, рождаются дети. Материнство здесь – знак продолжения жизни, вопреки всем происходящим вокруг ужасам.
9. Бэнкси — «Не забудь шарфик» 2009 г.
Во время загрузки произошла ошибка.Художник-аноним Бэнкси начинал с уличных граффити, однако уже в нашем веке попробовал себя в более традиционной живописи и концептуальной скульптуре. Более того, он снял фильм «Выход через сувенирную лавку», выдвинутый на «Оскар» в номинации «Лучший документальный фильм 2010 года».
Известность Бэнкси принесли граффити с политическим и социальным посылом. Он редко комментирует их смысл, даже если у работы возможно несколько толкований.
Мать поправляет сыну закрывающую лицо повязку, как будто проверяет, ровно ли завязан галстук. За этой композицией стоит несколько ироничное отношение художника к панкам: где бунт, а где материнская проверка внешности.
Но в этой работе можно увидеть и безграничную любовь матери к сыну. Она принимает его и поддерживает, хотя вряд ли эта консервативного вида женщина разделяет взгляды юноши на общепринятые нормы поведения и внешнего вида.
Как все работы Бэнкси, эту потом копировали, но неясно, он сам или кто-то другой. По сообщениям британской прессы, оригинал этой работы впервые появился на выставке 2009 года под названием «Не забудь шарфик» и без сопровождающего текста. Позже появилась другая подпись к работе: «Не забудь съесть свой ланч и устроить неприятности».
Читайте также: Отцовство в 10 шедеврах мировой живописи.
Подборка картин из серии «Мать и дитя»
Альфред Стивенс (1823-1906) — «Счастливая мать»
Эндрюс Леонард Зорн (1860-1920) -» Г-жа Вегуэлин с сыном», 1889
Артур Друммонд — «Её любовь к первоцветам»
Артур Джон Элсли (Англия, 1860-1952) — «Радость встречи»
Бендт Норденберг (1822-1902) — «По дороге домой»
Бернард де Хуг (Дания, 1867-1943) — «Мать»
Бернард де Хуг (Дания, 1867-1943) — «Датский дом»
Бернард де Хуг (Дания, 1867-1943) — «Подарок для малыша»
Бернард де Хуг (Дания, 1867-1943) — «Завтрак»
Бернард де Хуг (Дания, 1867-1943) — «Кормление новорожденного»
Бернард Потаст (Бельгия, 1882-1966) — «Семейная идиллия»
Карл Холсо (Дания, 1863-1935) — «Мать и дитя за столом»
Карл Холсо (Дания, 1863-1935) — «Интерьер с женщиной и сыном»
Карло Факкинетти (Италия, 1870-1951) — «Первые шаги»
Карлтон Альфред Смит (Англия, 1853-1946) — «Снаружи дома»
Чарльз Эдвард Вилсон (Англия, 1854-1941) — «Молодой выводок»
Чарльз Джошуа Чаплин (Франция, 1825-1891) — «Замок из карт»
Дэниель Эрнандес Морилло (1856-1932) — «Маленькая помощница»
Дуглас Крокет (Англия)
Форрини — «Рыбалка при стирке»
Эдвин Холанд Блешфилд (1848-1936) — «Мать и дитя»
Элизабет-Луиза Виже Ле Брюн — «Маркиза де Пезе и маркиза де Руж со своими сыновьями Алексом и Адрианом», 1787
Эугенио Эдуардо Зампиги (Италия, 1859-1944) «Игра с ребёнком»
Эугенио Эдуардо Зампиги (Italian, 1859-1944) — «Купание»
Эва Гонсалес (Франция, 1849-1883) — «Нянька и ребенок», 1877-78
Фанни Хельм (1858-1944) — «Мать и сын на лесной поляне»
Фердинанд Георг Вельдмюллер (1793-1865) — «Во власти бедности»,1854
Фердинанд Хейлбат (Франция, 1826-1889) — «В покое среди цветов»
Фредерик Морган (1856-1927) — «Нежные воспоминания»
Фредерик Морган (1856-1927) — «Мама и малыши»
Фредерик Морган (1856-1927) — «Сбор яблок»
Фредерик Морган (Англия, 1856 -1927) — «Солнечные часы»
Фредерик Уолкер (1840-1875) — «Семейный отдых», 1864
Гастон де ла Туш (Франция, 1854-1913) — «Материнская радость»
Джордж Гудвин Килбёрн (1839-1924)
Джордж Гудвин Килбёрн (Англия, 1839-1924) — «Мать и дитя у входа в дом»
Джордж Гудвин Килбёрн (Англия, 1839-1924) — «Субботнее утро»
Джордж Гудвин Килбёрн (Англия, 1839-1924) — «Подарок»
Джордж Харди (1822-1909) — «Крестьянский дом»
Джордж Смит (Англия, 1829-1901) — «Колыбельная»
Густав Леонард де Жонг (1829-1893) — «Подготовка к балу»
Гарольд Харви (Англия, 1874-1941) — «Ранняя весна»
Хенрик Норденберг (Швеция, 1857-1928) — «Маленькая помощница»
Анри-Пьер Данлу (1753-1809) — «Портрет жены художника и сына»
Генри Бернанделли — «Материнство»
Хьюго Селмсон (1843-1894) — «Мать и дочь в зимнем саду»
Айзек Сноумен (1874-1950) «Занятное безделье»
Ян Фредерик Питер Портилье (1829-1908)
Жан Каролюс (Бельгия, 1814-1897) — «Только что прибывший»
Йохан Хамза
Джон Ганнам (США, 1907-1955) — «Мать и дитя»
Джон Ганнам (США, 1907-1955) — «Мать и дитя», 1945
Джон Джордж Браун — «Сбор осенних листьев»
Джон Хайнс-Вильямс (1836-1908) — «Подготовка к фиесте»
Джон Сингер Саджент (1856-1925) — «Г-жа Фиске Уоррен и её дочь Рэйчел»
Джозеф Кларк (1834-1926) — «Время ложиться спать»
Джулиус Вайди (1822-1860) — «Материнские радости»
Килиан Золл (1818-1860) «Интерьер с женщинами и детьми»
Леон Эмиль Кейли (Франция, 1836-1907) — «Семейная сценка»
Леон Перро (Франция, 1832-1908) — «Крепкий сон»
Луиджи да Риос (Италия, 1844-1892) — «Мать с ребёнком, жизнь в Венеции»
Мэри Кассат (1844-1926) — «Молодая швея»
Матиас Шмидт
Йохан Георг Майер фон Бремен (Германия, 1813-1886)
Натали Шавони (1777-1858) — «Графиня с дочерью»
Пауль Герман Вагнер (1852-1937)
Питер де Хох — «Двор дома в Делфте», 1658
Питер Ян Ондерберг (1821-1890) — «Наследник»
Сэм Урдин (1886-1964) -«Интерьер с мальчиком»
Сеймур Джозеф Гай (1824-1910) — «Конкурс на букет (Семья Роберта Гордона в Нью-Йорке в столовой)»
Сэр Френк Дикси (Англия, 1853-1928) — «Искушение»
Сэр Джеймс Джебуза Шеннон (1862-1923) — «Жена художника и дочь»
Соломон Дж. Соломон (1860-1927) — «Жена художника с детьми (пока папа рисует)» 1905
Теодор Джерард (1829-1895) — «Новый звук», 1875
Теофил Эммануэль Дувергер — «Посетитель из деревни»
Витторио Реджианини (Италия,1858-1938) — «День рождения»
Вильям Богуро (Франция, 1825-1905) — «Апельсины»
Вильям Богуро (Франция, 1825-1905) — «Восхищение матери»
Вильям Богуро (Франция, 1825-1905) — «Мама, любующаяся ребёнком»
Вильям Богуро (Франция, 1825-1905) — «Сон»
Вильм Кей Блеклок (Англия, год рождения 1872) — «Послеобеденный сон»
Вильям Меррит Чейз (1849-1916) — «Завтрак на открытом воздухе»
Вильям Богуро (Франция, 1825—1905) — «Мать и дети», 1879
Вильям Богуро (Франция, 1825—1905) «Молодая мама с ребёнком»
Вильям Богуро (Франция, 1825-1905) — «Благотворительность (Аллегория)», 1878
Вильям Богуро (Франция, 1825—1905) — «Поцелуй», 1863
Вильям Богуро (Франция, 1825—1905) — «Сон», 1864
Алексиус де Лазло (1869-1937) — «Портрет г-жи Клод Ли и мисс Вирджинии Ли»Ода Материнству. Шедевры мировой живописи
С какою нежностью покоит на руках
Она свое дитя в задумчивом молчаньи!..
На сомкнутых губах лежит печать страданья,
И ласка тихая в опущенных глазах…
С тревогою прижав дитя к груди своей,
В его грядущее она глядит с тоскою,
И хочет мать закрыть беспомощной рукою
Свое дитя от слез, печали и скорбей…
И в сердце у нее неясная боязнь
Лишиться дорогой, единственной святыни…
Ведь без него весь мир останется пустыней,
А за него она пойдет на казнь.Г. Галина
Тысячи шедевров мирового искусства посвящены великому предназначению женщины — материнству. Поэты, композиторы, скульпторы и художники всех времен и народов воспевали женщину-мать, ее подвиг и безграничную силу ее материнской любви. Образ матери с ребенком на руках вдохновляет своей нежностью, чистотой и святостью. Взгляните на эти трепетные, светлые, исполненные любви образы, увековеченные великими художниками!
Уильям-Адольф Бугро.
Винсент Ромеро Редондо.
Бренда Берк.
Эмиль Мунье.
Эмиль Мунье.
Вильям Генри Коттон.
Джозеф Кларк.
Мэри Кассат.
Уильям-Адольф Бугро.
Джон Ганнам.
Эмиль Мунье.
Фредерик Морган.
Пино Даэни.
Винсент Ромеро Редондо.
Фредерик Лейтон.
Мама (картина) — Википедия
Вспоминаю один из портретов Тогрула Нариманбекова «Мама». Художник написал его в 1966 году. Перед нами старая женщина с иссеченным морщинами лицом. Её взгляд устремлен куда-то вдаль, может быть, она думает о своем нелегком прошлом. Но это гордое лицо освещено таким добрым сердечным светом, взгляд глаз такой мягкий и по-детски доверчивый, что увидев раз это лицо, запомнишь его на всю жизнь. Моделью для портрета Тогрулу послужила его няня. Я сравнивал портрет с моделью: художник гармонии целого добился. «В процессе работы характерные черты модели отошли на задний план, — рассказывал мне Тогрул. — Главным же я считал задачу психологической характеристики, убедительной трактовки внутреннего мира человека. Мне хотелось найти точный цветовой строй картины, соответствующий той задаче, которую я поставил перед собой. Мне хотелось найти емкую композицию и подчинить всю картину ведущей мысли, с которой, собственно, и началась вся работа. А мысль эта о том, что мама — средоточие лирики и трагедии мира, в ней я ощущаю сложную биографию человечества. Не только сложную, но и возвышенную. Мама — это символ всего доброго на земле. Может быть, это слишком громко сказано, но мне хотелось поточнее сказать о своем замысле».
Тревожная гамма портрета Нариманбекова «Мама» усиливается, когда в него долго всматриваешься. Открывается драматизм содержания. «Работает» каждый сантиметр живописи, дает энергию каждая молекула художественной формы. Понятно, контур линия, ритмический переход цвета — все подчинено замыслу. В этой картине с большой определенностью проявилась позиция художника, который на основе своих наблюдений и переживаний умеет создавать монументальное композиционное полотно.
Тогрул в этой картине показывает образ романтический и вместе с тем реальный, далекий от идей абстрактного гуманизма. Любовь, сочувствие, сострадание, уважение к портретируемому, проникновение в его внутренний мир — это не самоцель для художника. Он утверждает своим портретом высокие гуманистические идеалыМатери на картинах русских художников: wowavostok — LiveJournal
Молодая крестьянка и жительница солнечной Италии, работница петроградской фабрики и жена партизана. Вспоминаем, как отечественные художники изображали матерей на своих полотнах.
Алексей Венецианов считается основателем жанра русской бытовой живописи. Выходец из купеческой семьи, он долго служил в Санкт-Петербурге чиновником. Полотна Венецианов писал лишь изредка — чаще всего он изображал сцены из жизни дворян и горожан.
В 1819 году Алексей Венецианов оставил службу, купил имение Сафонково в Тверской губернии и переехал туда. Он целиком посвятил себя живописи. Главной темой его творчества стал житейский уклад и быт крестьян. «Ничего не изображать иначе, как только в натуре, что является повиноваться ей одной», — писал художник.
В 1820 году художник написал полотно «Сенокос». На нем изображена крестьянка, которая кормит ребенка, оторвавшись от работы в разгар страды. Картина могла быть частью цикла: кисти художника также принадлежат работы «На пашне. Весна» и «На жатве. Лето».
«Сенокос» долгое время находился за границей — в Великобритании. Лишь в 2002 году полотно вернулось в Россию и заняло свое место в постоянной экспозиции Третьяковской галереи.
Карл Брюллов. Итальянка, ожидающая ребенка. 1830. Государственный Русский музей
Карл Брюллов. Итальянка с ребенком у окна. 1831. Государственный музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина
Карл Брюллов. Мать, просыпающаяся от плача ребенка. 1831. Государственный Русский музей
В 1822 году выпускник Академии художеств Карл Брюллов отправился в Италию — он получил от Общества поощрения художников стипендию для поездки за границу. Там живописец писал копии с картин эпохи Возрождения, этюды с натуры и сцены из жизни городских обывателей.На многих картинах Брюллова главной героиней стала молодая мать или девушка, ожидающая ребенка. На полотнах — множество трогательных деталей: одна героиня рассматривает маленькую рубашонку, в то время как ее муж собирает колыбель, вторая — что-то показывает ребенку в окне, а молодая мать встает ночью к колыбели.
Картины полны мягкого света, который льется из открытой двери, окна или от пламени свечи на прикроватном столике. Так Карл Брюллов расставил акценты в своих работах: освещенные мать и дитя на затемненном или приглушенном фоне сразу становились центром сюжета.
Кузьма Петров-Водкин. Мать. 1913. Государственная Третьяковская галерея
Кузьма Петров-Водкин. 1918 год в Петрограде. 1920. Государственная Третьяковская галерея
Кузьма Петров-Водкин. Мать. 1913. Музей изобразительного искусства, Харьков
Тема материнства стала одной из основных для Кузьмы Петрова-Водкина в зрелый период его творчества. Как правило, художник изображал матерей-крестьянок — красивых, румяных, пышущих здоровьем. Петров-Водкин увлекался иконописью и использовал особые приемы в портретах крестьянок: они походили на Мадонн эпохи Ренессанса.
В 1920 году, в разгар Гражданской войны, художник написал одну из самых известных своих картин — «1918 год в Петрограде», — также известную как «Петроградская Мадонна». Ее фон уже совсем не идиллический. Мать и младенец окружены каменными стенами голодного города; стекла в окнах разбиты, линейный пейзаж прост и аскетичен.
Великая Октябрьская революция изменила общественное положение женщин — и не только крестьянок. Даже косынка на героине повязана новым способом: так покрывали голову работницы фабрики, чтобы подчеркнуть принадлежность к классу пролетариев.
Главные персонажи полотен Александра Дейнеки — граждане молодого Советского государства. Они занимаются спортом и строят дома, участвуют в мирных съездах и воюют на фронтах Великой Отечественной. Чтобы изобразить их сильными и здоровыми, художник использовал свои приемы и уделял особое внимание цвету. Он писал: «Коричневый загар крепкого молодого тела способен вызвать положительные эмоции».
Одной из известных работ Александра Дейнеки стала картина «Мать» 1932 года. Художник изобразил на ней статную женщину со строгим профилем, на плече у нее уснул маленький сын. Светлые лица, мягкие силуэты, нарочито невыразительный темный фон — все призвано сосредоточить внимание зрителя на моменте таинства из жизни матери и ребенка.
«Десятки раз я писал спящих детей, усталых и трогательных, находил я в них и «уют» пластики и трепетность цвета, но всем этим зарисовкам недоставало конкретности. Оказывается, надо было дать другое место заснувшему ребенку, и совершенно неожиданно я увидел его на плече матери, величественной и нежной в одно и то же время. Все закомпоновалось легко, пластично и убедительно».
Александр Дейнека
В 1950–60-х годах в отечественной живописи появилось новое направление — «суровый стиль». В его основу лег художественный метод, который использовали в первое десятилетие советской власти: четкие контуры, лаконичность, линейное изображение фигур. Сюжеты для таких полотен живописцы черпали из трудовых будней советских граждан и военного прошлого.
В 1967 году гостям Всесоюзной выставки в Москве была представлена картина «Партизанская Мадонна», которую создал художник Михаил Савицкий. Мать и дитя на ней изображены грубо, почти плакатно. Полотно Савицкого, как и Петрова-Водкина, также напоминает об иконописных традициях: сферическая перспектива, большие цветовые плоскости и яркий, почти сияющий на темном фоне младенец в центре сюжета. Задумчивая кормящая мать с обнаженным ребенком становятся олицетворением мирного прошлого, контрастируя с другими персонажами полотна — уезжающими партизанами и печальной пожилой женщиной.
В названии картины — «Партизанская Мадонна» — Михаил Савицкий объединил религиозную традицию с идеологией атеистического государства. Это было немыслимо для сталинского периода, но стало вполне возможным в годы оттепели.
Полотно Савицкого произвело огромное впечатление на гостей Всесоюзной выставки. Сразу же после экспозиции картину выкупила Третьяковская галерея.
Автор: Людмила Котлярова
Источник: www.culture.ru
11 детей с известных картин, о судьбах которых мы не догадывались
Ребята, мы вкладываем душу в AdMe.ru. Cпасибо за то,
что открываете эту красоту. Спасибо за вдохновение и мурашки.
Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтактеЭти картины известны миллионам людей, но далеко не каждый с легкостью ответит, что за мальчики и девочки изображены на них. И уж точно мало кто знает о судьбах ребят, которые смотрят на нас с этих полотен. Если вы тоже не относитесь к опытным искусствоведам, то скорее читайте нашу статью. Из нее вы узнаете, как картина может стать символом большой любви и какая связь между девочкой с персиками и Аленушкой с картины Васнецова.
AdMe.ru разузнал о дальнейшей жизни детей с известных полотен и спешит рассказать об этом вам.
Вера Мамонтова — В. Серов «Девочка с персиками», 1887
Вере Мамонтовой, девочке из известной купеческой семьи, было 12, когда она позировала Валентину Серову для одной из самых известных его картин. Кроме него яркую Веру в разное время писали также Виктор Васнецов, Павел Кузнецов и Михаил Врубель. Васнецов даже признавался, что образ знаменитой Аленушки на его картине навеян именно «сиянием глаз Веруши Мамонтовой».
Когда Вере шел 21-й год, Серов написал с нее еще один известный портрет — «Девушку с кленовой веткой».
К сожалению, любимице живописцев была отпущена недолгая жизнь. В 1903 году Вера Саввишна вышла замуж за Александра Дмитриевича Самарина. Свадьба состоялась после долгого сопротивления родни мужа, ведь он происходил из дворянского рода. У молодых родилось трое детей, а спустя 4 года после замужества Вера Самарина скончалась от пневмонии. Ее муж так больше и не женился. Он погиб в ГУЛАГе в 1932 году.
Маргарита Тереза Испанская — Диего Веласкес «Менины», 1656
На картине изображена семья испанского короля Филиппа IV: он сам, его супруга Марианна Австрийская, а также дочь инфанта Маргарита Тереза.
