Представители модернизма – что это такое, в живописи, архитектуре, литературе, искусстве, представители модерна, художники модернисты, модернистские течения

Содержание

Модернизм в изобразительном искусстве — Википедия

Модернизм в изобразительном искусстве — совокупность художественных течений, характеризующихся нарушением классических изобразительных форм, установлением нового и утверждением радикальных художественных принципов. Модернизм — художественное направление середины XX века, рамки которого иногда расширяют с 60-х годов XIX века по 70-е годы XX столетия. Модернизм затрагивает изобразительный стиль и содержание искусства. Модернизм определяют как своеобразную философию и новую форму художественного мышления. Наиболее заметными течениями в рамках классического модернизма принято считать фовизм, экспрессионизм, кубизм, футуризм, дадаизм, сюрреализм. Также к модернистским течениям относят более ранние импрессионизм и постимпрессионизм и более поздние — оп-арт, кинетическое искусство. Классический модернизм, как правило, использовал абстрактную форму, поэтому абстрактную живопись часто считают одним из наиболее характерных примеров модернизма. В то же время, модернизм не ограничен абстрактными принципами и многие его канонические примеры были созданы в рамках фигуративной живописи.

Условной датой начала модернизма называют 1863 год — год открытия в Париже «Салона отверженных», куда вошли работы художников, не принятых к участию в официальном Парижском салоне. В широком смысле модернизм — «другое искусство», главной целью которого является создание произведений, основанных на внутренней свободе, особом видении мира и формирующих новый изобразительный язык, где важной составляющей становится вызов устоявшимся художественным канонам.

XIX век[править | править код]

В настоящий момент не существует единого мнения, какой именно момент следует считать отправной точкой современного искусства. Также как не существует четких стилистических и хронологических границ модернизма. Несмотря на то, что принципы современной скульптуры и архитектуры складываются в конце XIX века, начало современной живописи можно отнести к более раннему времени

[1].

Одной из условных дат возникновения современного искусства, иногда называют 1863 год[1], когда Эдуард Мане выставил в Салоне отверженных в Париже свою картину Завтрак на траве (Le déjeuner sur l'herbe). В некоторых случаях датой начала нового искусства определяют 1855, когда Гюстав Курбе представил картину Мастерская художника" или 1784, когда Жак-Луи Давид завершил работу над Клятвой Горациев[1]. По словам историка-искусствоведа Х. Г. Арнасона: "Каждая из этих дат имеет значение для развития современного искусства, но ни одна категорически не обозначает нового начала... Постепенная метаморфоза произошла в течение ста лет"[1].

Также широко распространено мнение, что основные идеи и принципы современного искусства складываются еще в XVII веке[2], на заре искусства Нового времени. Концепции, которые в конечном итоге привели к формированию современного искусства, можно проследить и в рамках Эпохи Просвещения, и в XVII веке[3]. Например, критик и теоретик современного искусства Клемент Гринберг считал Иммануила Канта «первым настоящим Модернистом». В то же время, Гринберг обращал внимание на разницу художественных программ модернизма и искусства XVIII века: «Эпоху Просвещения критиковали со стороны ... Модернизм критикуется изнутри»

[4].

Важным рубежом в формировании современного искусства можно считать Французскую революцию 1789 года. Она обозначила новые принципы, привела к формированию новых институций, представила новые социальные и политические реалии. Искусствовед Эрнст Гомбрих называл новое искусство «самосознанием, которое заставило людей выбирать стиль своего здания, также как человек выбирает узор своих обоев»[5].

Идеи, связанные с принципами современного искусства, складывались в рамках романтизма, реализма и импрессионизма[1]. Стилистические и смысловые формы классического модернизма формировались под влиянием постимпрессионизма и символизма, которые можно считать непосредственными предшественниками и частью традиции современного искусства.

Начало XX-го века[править | править код]

Среди арт-движений, которые получили активное развитие в первом десятилетии XX-го века, были фовизм, кубизм, экспрессионизм и футуризм.

В период между 1910 и окончанием Первой мировой войны и после расцвета кубизма в Париже возникло несколько движений. Джорджо де Кирико переехал в Париж в июле 1911 года, где он присоединился к своему брату Андреа (поэт и художник, известный как Альберто Савинио). Через своего брата он познакомился с Пьером Лапрадом, членом жюри Осеннего салона, где он выставлял ряд своих картин: «Загадка Оракула», «Загадка полудня» и «Автопортрет». В 1913 году он выставил свои работы в Салоне Независимых и Осеннем салоне, и его работы заметили Пабло Пикассо, Гийом Аполлинер и другие видные художники. Его неотразимые и загадочные картины считаются важным фундаментом для формирования сюрреализма. «Песня любви» (1914) - одно из самых известных произведений де Кирико и является ранним примером сюрреалистического стиля, хотя она была написана за десять лет до того, как движение было «основано» Андре Бретоном в 1924 году.

Первая мировая война положила конец этому этапу, но указала на начало ряда антихудожественных движений, таких как дадаизм, в том числе работы Марселя Дюшана и сюрреализм. Художественные арт-группы, такие как Де Стейл и Баухаус, выработали новые идеи о взаимосвязи искусства, архитектуры, дизайна и художественного образования.

Современное искусство в США начало активно развиваться после Арсенальной выставки в 1913 году и с помощью европейских художников, которые переехали в США во время Первой мировой войны.

Послевоенные годы[править | править код]

Однако только после Второй мировой войны США стали новым центром художественных арт-движений. В 1950-х и 1960-х годах возникли абстрактный экспрессионизм, живопись цветового поля, концептуальное искусство группы искусство и язык, поп-арт, оптическое искусство, живопись жестких контуров, минимализм, лирическая абстракция, флуксус, хеппенинг, видео-арт, постминимализм, фотореализм и другие арт-движения. В конце 1960-х и 1970-х гг. искусство кантри, перформанс, концептуальное искусство и другие новые виды искусства привлекли внимание кураторов и критиков за счет более традиционных средств массовой информации. Широко стали распространяться большие инсталляции и перформанс.

К концу 1970-х годов, когда культурные критики заговорили о «закате живописи» (название провокационного эссе, написанного в 1981 году Дугласом Кримпом), новое медиаискусство само по себе стало категорией с растущим числом художников, экспериментирующих с технологиями, такими как видеоарт. Живопись приобрела новое значение в 1980-х и 1990-х годах, о чем свидетельствует рост неоэкспрессионизма и возрождение фигуративной живописи.

К концу 20-го века ряд художников и архитекторов начали сомневаться в идее «модерна» и перешли к созданию типично постмодернистских работ.

XIX век[править | править код]

  • Романтизм — Франсиско Гойя, Уильям Тёрнер, Эжен Делакруа, Каспар Давид Фридрих, Филипп Отто Рунге
  • Реализм — Гюстав Курбе, Камиль Коро, Жан Франсуа Милле́, Роза Бонёр
  • Маккьяйоли — Джованни Фаттори, Сильвестро Лега, Телемако Синьорини
  • Импрессионизм — Фредерик Базиль, Эдуард Мане, Клод Моне, Огюст Ренуар, Эдгар Дега, Альфред Сислей, Камиль Писсарро
  • Постимпрессионизм — Винсент Ван Гог, Поль Гоген и Поль Сезанн, Жорж Сёра, Поль Синьяк, Морис Дени, Поль Серюзье, Пьер Боннар, Тулуз-Лотрек
  • Символизм — Гюстав Моро, Одилон Редон, Пюви де Шаванн, Эжен Каррьер, Обри Бердслей, Джордж Фредерик Уоттс, Яцек Мальчевский
  • Наби (группа) — Морис Дени, Пьер Боннар, Поль Рансон, Аристид Майоль, Феликс Валлотон
  • Модерн, ар-нуво — Поль Гоген, Густав Климт, Фернан Кнопф, Михаиль Врубель, Леон Бакст , Эдвард Мунк
  • Пуантилизм — Жорж Сёра, Поль Синьяк, Анри Кросс, Люсьен Писсарро
  • Дивизионизм — Гаэтано Превиати, Джузеппе Пеллицца да Вольпедо, Джованни Сегантини

Начало XX века[править | править код]

  • Абстракционизм — Франсис Пикабия, Василий Кандинский, Франтишек Купка, Робер Делоне, Леопольд Сюрваж, Пит Мондриан
  • Фовизм — Андре Дерен, Анри Матисс, Морис де Вламинк, Жорж Брак, Кис ван Донген
  • Экспрессионизм и связанные с ним группы (Мост, Синий всадник) — Эрнст Людвиг Кирхнер, Василий Кандинский, Франц Марк, Эгон Шиле, Оскар Кокошка, Эмиль Нольде, Аксель Тёрнеман, Карл Шмидт-Роттлуфф, Макс Пехштайн
  • Футуризм — Джакомо Балла, Умберто Боччони, Карло Карра, Джино Северини, Наталия Гончарова, Михаил Ларионов
  • Кубизм — Пабло Пикассо, Жорж Брак, Жан Метцингер, Альберт Глейзес, Фернан Леже, Роберт Делоне, Анри Ле Фоконье, Марсель Дюшан, Жак Вийон, Фрэнсис Пикабиа, Хуан Грис
  • Скульптура — Константин Бранкузи, Йожеф Чаки, Александр Архипенко, Раймонд Дюшан-Вийон, Жак Липшиц, Осип Цадкин, Анри Лоренс, Эли Надельман, Хаим Гросс, Хана Орлофф, Яков Эпштейн, Гюстав Миклош
  • Орфизм — Робер Делоне, Соня Делоне, Франтишек Купка
  • Фотография — Пикториализм, Группа F/64, Новое ви́дение (New Vision)
  • Супрематизм — Казимир Малевич, Александр Родченко, Эль Лисицкий
  • Синхромизм — Стэнтон Макдональд-Райт, Морган Рассел
  • Школа мусорных вёдер — Эдвард Хоппер, Джон Слоан, Джордж Лакс, Роберт Генри, Эверетт Шинн, Уильям Галкенс

Между Первой и Второй мировыми войнами[править | править код]

  • Дадаизм — Жан Арп, Марсель Дюшан, Макс Эрнст, Фрэнсис Пикабиа, Курт Швиттерс
  • Вортицизм — Уиндем Льюис
  • Метафизическая живопись — Джорджо де Кирико, Карло Карра, Джорджо Моранди
  • Де Стейл — Тео ван Дусбург, Пит Мондриан
  • Экспрессионизм — Эгон Шиле, Амедео Модильяни, Хаим Саутин
  • Новая вещественность — Макс Бекман, Отто Дикс, Георг Гросс, Кристиан Шад
  • Фигуративизм — Анри Матисс, Пьер Боннард
  • Американский модернизм — Стюарт Дэвис, Марсден Хартли, Джорджия О'Кифф
  • Конструктивизм — Наум Габо, Густав Клутзис, Эль Лисицкий, Казимир Малевич, Вадим Меллер, Александр Родченко, Владимир Татлин
  • Сюрреализм — Марк Шагал, Рене Магритт, Жан Арп, Сальвадор Дали, Макс Эрнст, Джорджо де Кирико, Андре Массона, Жоан Миро
  • Баухауз — Василий Кандинский, Пауль Клее, Йозеф Альберс, Ласло Мохой-Надь, Лионель Файнингер, Йоханнес Иттен, Оскар Шлеммер, Герхард Маркс, Юст Шмидт, Гунта Штольц
  • Скульптура — Александр Колдер, Альберто Джакометти, Гастон Лашез, Генри Мур, Пабло Пикассо, Хулио Гонсалес
  • Шотландские Колористы —  Фрэнсис Каделл, Сэмюэл Пепло, Джордж Хантер, Джон Дункан Фергюссон
  • Супрематизм — Казимир Малевич, Ольга Розанова, Любовь Попова, Иван Клюн, Надежда Удальцова, Александра Экстер, Николай Суетин, Иван Пуни, Нина Генке, Александр Древин, Александр Родченко
  • Прецизионизм — Чарльз Шилер, Чарльз Демут

После Второй мировой войны[править | править код]

  • Фигуративизм — Бернар Бюффе, Жан Карзу, Морис Буатель, Даниэль Дю Жанере, Клод-Макс Лочу
  • Скульптура — Генри Мур, Дэвид Смит, Тони Смит, Александр Колдер, Исаму Ногучи, Альберто Джакометти, сэр Энтони Каро, Жан Дюбюффе, Исаак Виткин, Рене Иче, Марино Марини, Луиза Невельсон, Альберт Врана
  • Абстрактный экспрессионизм — Виллем де Кунинг, Джексон Поллок, Ханс Хофманн, Франц Клайн, Роберт Мазервелл, Ли Краснер, Джоан Митчелл
  • Американские абстрактные художники — Илья Болотовский, Ибрам Лассау, Эд Рейнхардт, Джозеф Альберс, Бургойн Диллер
  • Ар брют — Фердинан Шеваль, Фридрих Шрёдер-Зонненштерн, Адольф Вёльфли, Алоиза (Алоиза Корбаз), Огюстен Лесаж, Луи Сутер, Генри Дарджер, Мадж Гилл
  • Арте повера — Яннис Коунеллис, Лучиано Фабро, Марио Мерц, Пьеро Мандзони, Алигьеро Боэтти, Микеланджело Пистолетто, Джулио Паолини, Джованни Ансельмо, Джузеппе Пеноне, Пино Паскали
  • Живопись цветового поля — Барнетт Ньюман, Марк Ротко, Адольф Готлиб, Сэм Фрэнсис, Моррис Луис, Кеннет Ноланд, Джулс Олицки, Элен Франкенталер
  • Ташизм — Жан Дюбюффе, Пьер Сулаж, Ханс Хартунг, Людвиг Мерварт
  • КОБРА — Пьер Алешинский, Карел Аппел, Асгер Йорн
  • Де-коллаж — Вольф Востелл, Миммо Ротелла
  • Неодадаизм (Нео-дада) — Роберт Раушенберг, Джаспер Джонс, Джон Чемберлен, Джозеф Бойс, Ли Бонтекоу, Эдуард Кинхольц
  • Фигуративный экспрессионизм — Ларри Риверс, Грейс Хартиган, Элейн де Кунинг, Роберт Де Ниро-старший, Лестер Джонсон, Джордж МакНил, Эрл М. Пилгрим, Ян Мюллер, Роберт Бошамп, Боб Томпсон
  • Флуксус — Йозеф Бойс, Нам Джун Пайк, Джордж Мациюнас, Терри Райли, Джон Кейдж, Карлхайнц Штокхаузен, Йонас Мекас, Ла Монте Янг, Йоко Оно
  • Хеппенинг — Аллан Капроу, Джим Дайн, Клас Ольденбург, Роберт Раушенберг, Рой Лихтенштейн, Нам Джун Пайк, Шарлотта Мурман, Роберт Уитмен, Йоко Оно
  • Доу эль Сет — движение основаное в Барселоне поэтом / художником Джоан Броссой — Антони Тапиес
  • Grupo El Paso — основанная в Мадриде художниками Антонио Саура, Пабло Серрано
  • Геометрическая абстракция — Василий Кандинский, Казимир Малевич, Надир Афонсу, Манлио Ро, Марио Радиче, Мино Ардженто
  • Живопись жёстких контуров —  Эльсуорт Келли, Кеннет Ноланд, Джон Маклафлин, Фрэнк Стелла, Эл Хелд, Рональд Дэвис
  • Кинетическое искусство — Александр Колдер, Джордж Рики, Наум Габо, Виктор Вазарель
  • Ленд-арт — Христо, Ричард Лонг, Роберт Смитсон, Майкл Хайзер
  • Автоматисты — Клод Говрё, Жан-Поль Риопелль, Пьер Говро, Фернан Ледук, Жан-Поль Муссо, Марсель Феррон
  • Минимализм — Сол Левитт, Дональд Джадд, Дэн Флавин, Ричард Серра, Агнес Мартин
  • Постминимализм — Ева Гессе, Брюс Науман, Линда Бенглис
  • Лирическая абстракция — Ронни Ландфилд, Сэм Гиллиам, Ларри Зокс, Дэн Кристенсен, Натвар Бхавсар, Ларри Пунс
  • Неофигуративизм — Фернандо Ботеро, Антонио Берни
  • Неоэкспрессионизм — Георг Базелитц, Ансельм Кифер, Йорг Иммендорфф, Жан-Мишель Баския
  • Трансавангард — Франческо Клементе, Миммо Паладино, Сандро Чиа, Энцо Кучи
  • Свободная фигуративность — Эрве Ди Роза, Франсуа Буаронд, Роберт Комбас
  • Новый реализм — Ив Клейн, Пьер Рестани, Арман
  • Оптическое искусство — Виктор Вазарели, Бриджит Райли, Ричард Анушкевич, Джеффри Стил
  • Фотореализм — Одри Флэк, Чак Клоуз, Дуэйн Хэнсон, Ричард Эстес, Малкольм Морли
  • Поп-арт — Ричард Гамильтон, Роберт Индиана, Джаспер Джонс, Рой Лихтенштейн, Роберт Раушенберг, Энди Уорхол, Эд Руша, Дэвид Хокни
  • Послевоенный европейский фигуративизм — Лукиан Фрейд, Фрэнсис Бэкон, Франк Ауэрбах, Герхард Рихтер
  • Новая европейская живопись — Люк Туйманс, Марлен Дюма, Нео Раух, Браха Эттингер, Микаэль Борреманс, Крис Офили
  • Живопись фигурного холста — Фрэнк Стелла, Кеннет Ноланд, Рон Дэвис, Роберт Мангольд.
  • Советское изобразительное искусство — Александр Дейнека, Александр Герасимов, Илья Кабаков, Комар и Меламид, Александр Жданов, Леонид Соков
  • Спациализм — Лучо Фонтана
  • Дюссельдорфская школа фотографии — Андреас Гурски, Кандида Хефер, Томас Штрут, Йорг Сассе, Аксель Хютте, Эльгер Эссер.
  • Видео-арт — Нам Джун Пайк, Вольф Востелл, Джозеф Бойс, Билл Виола
  • Виженари арт — Эрнст Фукс, Поль Лаффоли, Майкл Боуэн

Крупнейшие выставки и музеи изобразительного искусства[править | править код]

ru.wikipedia.org

Модернизм в литературе — Википедия

Материал из Википедии — свободной энциклопедии

Модернизм в литературе — явление в литературе конца XIX — начала XX века, характеризуемое отходом от классического романа в пользу поиска нового стиля и радикальным пересмотром литературных форм. Является частью общего направления в искусстве — модернизма (от лат. modernus — «современный, недавний»).

Период модернизма считается завершившимся к концу 1930-х годов[1]. На смену модернизму пришёл постмодернизм.

Модернизм в литературе стал закономерным итогом развития художественного сознания и перехода от классического восприятия автором мира к модернистскому. Вместо создания собственного мира, предложения читателю готовых концепций, литература модернизма становится чистым отражением реальности или её полной противоположностью. Автор перестаёт быть носителем абсолютной истины и начинает демонстрировать её относительность. Как следствие, рушится целостность мира произведения: на смену линейному повествованию приходит обрывочное, раздробленное на небольшие эпизоды и подаваемое посредством нескольких героев, имеющих даже противоположный взгляд на излагаемые события и факты[2].

Модернизм в литературе проявился в новых направлениях: символизме, акмеизме, футуризме, экспрессионизме, сюрреализме, но существовал и вне них. Более того, нередко все эти (кроме определённой, более поздней прослойки символизма) модернисткие направления несколько дистанцируются от модернизма просто[источник не указан 1351 день]. Одновременно была переосмыслена реалистичная литература[3]. Появился стиль, названный «потоком сознания», характеризующийся глубоким проникновением во внутренний мир героев. Важное место в литературе модернизма занимает тема осмысления войны, потерянного поколения.

Главные представители литературы модернизма

  1. ↑ Анну Ахматову также относят к классическим поэтам[2].

ru.wikipedia.org

Архитектурный модернизм — Википедия

Архитектурный модернизм (фр. modernisme, от фр. moderne — новейший, современный; «англ. modern» — современный, новый) — движение в архитектуре двадцатого века, переломное по содержанию, связанное с решительным обновлением форм и конструкций, отказом от стилей прошлого. Охватывает период с начала 1900-х годов и по 1970-е—1980-е годы (в Европе), когда в архитектуре возникли новые тенденции. В специальной литературе термину «архитектурный модернизм» соответствуют английские термины «modern architecture», «modern movement» или же «modern», употребляемые в том же контексте. Выражение «модернизм» употребляется иногда как синоним понятия «современная архитектура»; или же как название стиля (в англоязычной литературе — «modern»).

Архитектурный модернизм включает такие архитектурные направления, как европейский функционализм 1920—1930-х годов, конструктивизм и рационализм в 1920-х годах СССР, движение «баухауз» в Германии, архитектурный ар-деко-стиль, интернациональный стиль, брутализм, советский модернизм, органическая архитектура. Таким образом, каждое из этих явлений — суть одна из ветвей общего дерева, архитектурного модернизма.

Основные представители архитектурного модернизма — это пионеры современной архитектуры Фрэнк Ллойд Райт, Вальтер Гропиус, Рихард Нойтра, Людвиг Мис ван Дер Роэ, Ле Корбюзье, Алвар Аалто, Оскар Нимейер, а также некоторые другие.

Кредо архитектурного модернизма заключено в самом его названии — это создание чего-то нового, что соответствовало бы духу современности, требованиям сегодняшнего дня. То есть в модернизме присутствует принципиальная установка на новизну архитектуры, — как конструктивных и планировочных идей, закладываемых в проекте, так и внешних пластических форм. Образное выражение «призмы из бетона и стекла» хорошо передаёт общий характер построек модернизма.

Основные принципы архитектурного модернизма:

  • использование самых современных строительных материалов и конструкций (в частности, стального или ж/б каркаса).
  • рациональный подход к решению внутренней планировки (функциональный подход),
  • отсутствие тенденций украшательства, принципиальный отказ от исторических реминисценций в облике сооружений,
  • «интернациональный» характер.

В своих истоках архитектурный модернизм основывался на новейших достижениях научно-технического и промышленного прогресса, а также на передовых социально-реформаторских идеях своего времени. Социальные установки архитекторов-модернистов отличались, как правило, явным демократизмом, а то и левизной, — по крайней мере, во многих декларациях его теоретиков.

Стили-предшественники модернизма в архитектуре — это так называемые «неостили»: русский модерн, сецессион в Австрии, югендстиль в Германии, ар-нуво во Франции, а также неоклассицизм, развившийся позже повсеместно.

Последующий за модернизмом стиль — постмодернизм, основная черта которого — отказ от примата функции и возврат к использованию элементов традиционных исторических стилей.

Торговый дом Шлезингер и Майер, 1899—04. Арх. Л.Салливен

Современная архитектура (модернизм) имела главным источником и вдохновляющим началом техническую и промышленную революцию XIX века. Железобетон, чрезвычайно прочный и устойчивый к нагрузкам материал, был впервые запатентован в 1867 году. Придумал его простой французский садовник Жозеф Монье, пытаясь найти решение для изготовления садовых кадок для растений — что положило начало развитию конструкций из железобетона (армированного бетона). Невероятно лёгкие и прочные по сравнению с тем, что знала история раньше, эти конструкции вызвали к жизни новые формы в промышленном строительстве, а позже и в жилых и общественных зданиях. В это же время было освоено строительство из металла — смелые и изящные металлические конструкции, зачастую с огромными пролётами, применялись в строительстве оранжерей, мостов, для перекрытий вокзальных перронов и больших городских рынков. Известные постройки этой эпохи, возведённые с применением металлических конструкций, — Библиотека Сен-Женевьев в Париже (1850), Хрустальный дворец Д. Пэкстона в Лондоне (1851), Дворец Машин на Всемирной выставке в Париже (1889), Бруклинский мост (1883) и другие. К той же Всемирной выставке в Париже была возведена Эйфелева башня — поначалу как сугубо временное сооружение выставки, а позже ставшая символом технического и строительного прогресса XIX века.

В Соединённых Штатах конец столетия ознаменовался строительством высотных зданий с металлическим каркасом (снаружи все ещё покрытым декоративной облицовкой из камня). Благодаря каркасу здания могли уже достигать высоты 15—20 этажей — при весьма «облегчённом» плане (дом Монаднок в Чикаго, 1891, арх. Дж. Рут; здание торгового дома Шлезингер & Майер в Чикаго, 1899—04, арх. Л. Салливен). Приоритетная роль в проектировании и строительстве первых высотных зданий принадлежит так называемой Чикагской школе, идеологом которой был Луис Салливен, активный поборник функционального подхода, автор знаменитого изречения "форма следует функции" (известен также и как учитель молодого Ф.Л. Райта).

Существенную роль в развитии новых тенденций сыграло движение «искусства и ремесла» в Великобритании, вдохновителями которого были художник и эссеист Уильям Моррис, художник и писатель Джон Рескин. Значение рационального подхода в архитектуре отстаивал в своих теориях и проектах талантливый архитектор Чарльз Ренни Макинтош, лидер английского модерна, один из участников так называемой Школы Глазго.

Школа искусств в Глазго. 1897—1909 Арх. Ч.Р. Макинтош.

Следует отметить также промышленный подъём в Германии, выразившийся, в частности, в образовании Объединенных промышленно-художественных мастерских в Мюнхене (1898), в крупных Художественно-промышленных выставках (художественно-архитектурные выставки Дармштадтской колонии (1897, 1901, 1905-08), Дрезденская промышленная выставка (1899—1900 гг.) и другие).

Большую роль в развитии новых тенденций архитектуры сыграл Отто Вагнер, ведущий архитектор венского сецессиона (дворец Хойос, 1890-е гг., многоквартирные дома в Вене, конец 1890-х гг.).

Упомянутые уже «неостили», расцветшие в Европе в конце XIX — начале XX века, — немецкий югенд, сецессион в Австрии, французский ар-нуво, русский модерн — решительно порывали с прошлым, как в отношении формы, так и в отношении базовых установок. Архитектура «неостилей», с её огромными, немыслимыми раньше оконными проёмами и пролётами перекрытий, большими поверхностями остекления, смело осваивала сталь и железобетон, являясь таким образом прямой предшественницей модернизма.

Теоретическую основу движения к обновлению архитектуры и дизайна на этом этапе подготовили статьи, книги (а иногда и постройки) таких видных архитекторов и теоретиков архитектуры, как Готфрид Земпер (Германия), Анри Ван де Вельде (Бельгия), Виолле-ле-Дюк (Франция), Луис Салливен.

Архитекторы — предтечи модернизма: Чарльз Р. Макинтош, Ч.-Ф.-А. Войси (Великобритания), Отто Вагнер, Адольф Лоос (Австрия), Ганс Пельциг (Германия), Хендрик П. Берлаге, Анри Ван де Вельде (Бельгия) и некоторые другие. В Америке — Луис Салливен, а также Фрэнк Ллойд Райт. Хотя почти все они были представителями региональных «неостилей», их по праву можно считать также и зачинателями модернизма в архитектуре.

Начало XX века. Успехи нового строительства в предвоенный период[править | править код]

Многоквартирный дом по ул. Б. Франклина, 25, Париж. 1913. Арх. Огюст Перре

   Первое в Европе жилое здание из железобетона было построено в 1904 году — это известный многоквартирный дом в 10 этажей на улице Бенджамина Франклина, 25, в Париже, по проекту Огюста Перре. Ничем не скрытый ж/бетонный каркас явственно читается на его фасаде, легком и ажурном, хотя все еще не свободном от украшений. Огюста Перре называют во Франции «отцом бетона», он был пионером и успешным практиком строительства зданий с применением этого материала.

   Однако ж/бетон не сразу завоевал признание у архитекторов, конструкции из него выглядели, по их мнению, «неэстетично» — слишком тонко, несолидно и немонументально. По этой причине его считали материалом совершенно непригодным для «зданий с красивыми фасадами». К овладению конструктивными и пластическими возможностями ж/бетона гражданская архитектура пришла значительно позже. Промышленный подъем конца XIX — начала XX века вызвал потребность в строительстве большого числа новых производственных предприятий и других промышленных объектов. Проектировщики, главным образом инженеры, относившиеся к новым строительным материалам без предубеждения и не связанные требованиями архитектурного украшательства, смело использовали современные конструктивные решения и ресурсы, добиваясь при этом иногда весьма впечатляющего художественного эффекта — что можно видеть, скажем, на примере «летящих» мостов швейцарца Р.Майара или выразительно-пластичных ангаров для дирижаблей француза Э.Фрейсине.  

   Особенно преуспевала в этом Германия, на тот момент лидер экономического прогресса в Европе. Крупный промышленный концерн AEG (Всеобшее Электрическое Общество) пригласил известного архитектора Петера Беренса на пост главного архитектора и проектировщика AEG. Его фабричные комплексы AEG в Берлине, и особенно турбинный завод, построенный им для концерна в 1909 г. — массивные, строгие, подчеркнуто монументальные здания — стали своего рода символом промышленной мощи и силы капитала.

Фабрика турбин AEG, Берлин. 1909. Арх. П. Беренс

  Беренс последовательно отстаивал принципы функционализма в архитектуре — так же, как и работавший в его мастерской Вальтер Гропиус, будущий создатель «Баухауза». В 1911 году по проекту Гропиуса (в сотрудничестве с А.Мейером) была построена фабрика сапожных колодок «Фагус-верк» в г. Альфельд-на-Ляйне. Трехэтажное здание фабрики, с ее огромными, вытянутыми по горизонтали окнами и безопорными стеклянными углами — что опрокидывало устоявшиеся представления о тектонике, — стало вехой в развитии нового архитектурного языка. Еще одна заметная довоенная постройка В.Гропиуса — показательное фабричное здание, спроектированное им (совместно с А.Мейером) для выставки германского Веркбунда 1914 года. Здесь спиральные лестницы на обоих торцах здания заключены в сплошную стеклянную оболочку, разделенную горизонтальными тягами, да к тому же еще частично скругленную, что создавало невероятный по тому времени эффект невесомости конструкции.

   В целом гражданская архитектура того периода (жилые дома, городские постройки) шла еще по пути «художественных» стилизаций — среди архитекторов были в ходу альбомы с образцами декоративных форм готики, романского, испанского стиля, неоклассики; в России, например, также и русского национального стиля. Сейчас постройки такого рода объединяют общим термином «эклектика». Модерн (югенд, ар нуво), хоть и являлся в своей основе таким же «художественным» стилем, однако ему не чужды были и прогрессивные тенденции — в отношении принципа целесообразности формы, очищения плоскости стены от орнамента. В архитектурной среде велась дововольно жесткая полемика на эти темы — о необходимости решительного обновления архитектуры в связи с новыми задачами и новыми возможностями строительных технологий. Австрийский архитектор Адольф Лоос опубликовал программное, во многом провокационное эссе «Орнамент и преступление» (1913), в котором подверг разгромной критике «художественный романтизм» разного рода псевдо-стилей (также и модерна), что в то время воспринималось как резкий вызов общепринятым представлениям.

  На американском континенте подобную же кампанию за обновление архитектуры вел архитектор Фрэнк Ллойд Райт. Достаточно продолжительная работа в фирме «Адлер и Салливен», под началом Луиса Салливена, первого строителя высотных зданий, идеолога рационализма, сформировала его систему взглядов, сделав его приверженцем рационального, функционального подхода. Уже работая самостоятельно, примерно с 1900 по 1917 годы он спроектировал и построил ряд довольно своеобразных частных домов — с "открытым" планом, с вытянутыми по горизонтали линиями фасадов, широкими свесами крыш — домов невысоких, как бы льнущих к земле, и невероятно просторных и уютных внутри. Эти дома получили название «дома прерий», возможно, по той причине, что построены в основном в пустынных районах штата Иллинойс, вокруг Чикаго.

Дом Айвери Кунли, Риверсайд, Иллинойс. 1908-12. Арх. Ф.Л.Райт

  Среди лучших райтовских построек «стиля прерий» можно назвать Дом Уорда В. Виллитса, (Хайланд Парк, Иллинойс, 1902), Дом Мейер Мэй (Гран Рапидс, Мичиган, 1908), дом Айвери и Куини Кунли (Риверсайд, штат Иллинойс, 1908), дом Фредерика Роби (Чикаго, 1910). Эти и другие проекты, созданные Райтом между 1900-м и 1009 годами, были отобраны им для рекламного альбома-портфолио Wasmuth (издан в 1910 году в Берлине), благодаря которому работы Райта стали известны в Европе и оказали большое влияние на европейских архитекторов после Первой мировой войны.

  Хотя достижения архитекторов-новаторов в предвоенную эпоху достаточно осязаемы, но по настоящему это лишь своего рода переходный этап, время больших открытий модернизма еще не наступило. Разрыв между «техникой» и «искусством» все еще присутствует, его только предстоит преодолеть. Архитектура постепенно освобождается от фасадных декораций, осваивая мышление в трех измерениях, внимание архитектора все больше привлекают проблемы взаимодействия объемов, пространств, проблемы функциональности, "чистоты" материалов — того, что эстетика югенда обычно отодвигала на второй план. Наконец, становится очевидным, что современная техника и особенно открытие ж/бетона предоставляют архитектору такие возможности, каких наверняка не имели строители предыдущих десятилетий.

Видные архитекторы этого периода и их постройки:

В Германии: Петер Беренс, Вальтер Гропиус.

В Австрии:  Отто Вагнер (вилла Вагнер-2, 1913, Австрийский почтовый сберегательный банк , 1906)

Йозеф Хоффман (Дворец Стокле в Брюсселе, 1905-1911)

Адольф Лоос (частные виллы в Австрии, в Швейцарии, 1904 - 1917).

Нидерланды: Хендрик П. Берлаге (здание Амстердамской биржи, 1897 – 1903)

США: Ф.Л.Райт («дома прерий», 1900 - 1917)

Л.Г.Салливен (универмаг Ван Аллена, Клинтон, Айова, 1914; здание Аудиториума, Чикаго)

Двадцатые и тридцатые годы. Расцвет модернизма[править | править код]

Классические примеры модернизма в архитектуре[править | править код]

  • Здание Баухауса в Дессау, 1926-29, арх. В. Гропиус;
  • Выставочный павильон Германии в Барселоне, 1929, арх. Мис Ван дер Роэ;
  • Вилла Савой в Пуасси, 1930, арх. Ле Корбюзье;
  • Жилые комплексы «Хай-пойнт-1» и «Хай-пойнт-2» в Лондоне, 1936, арх. Б. Лубеткин;
  • Санаторий в Паймио, 1933, арх. А. Аалто;
  • Архитектура города Чандигарх, Индия. Арх. Ле Корбюзье, П. Жаннере и др.;
  • Новая столица Бразилии, г. Бразилиа, арх. Л. Коста, О. Нимейер, 50-е гг.;
  • Здание «Сигрем» в Нью-Йорке, 1958, арх-ры Мис ван Дер Роэ, Ф. Джонсон;
  • Музей Гуггенхайма в Нью-Йорке, 1955. Арх. Фрэнк Ллойд Райт.
  • Жилой комплекс «Хабитат» на Экспо-67 в Монреале, 1967, арх. М. Сафди.
  • Парламентское здание «Улей» в Веллингтоне, 1981, арх. Бэзил Спенс.
  • Pevzner, Nicolaus. Pioneers of the Modern Movement. London, 1936
  • Гидеон, Зигфрид. Пространство, время, архитектура. (Перевод с нем.), Стройиздат, М., 1984 г.
  • Френк Ллойд Райт. Будущее архитектуры. М., 1960.
  • William J.R. Curtis. Modern Architecture since 1900. Phaidon, 1982, 1987, 2006. ISBN 9780714833569.
  • Архитектура современного Запада. Изогиз, Москва, 1932.
  • Фремптон К. «Современная архитектура. Критический взгляд на историю развития». М.: Стройиздат, 1990

ru.wikipedia.org

История живописи: Модерн, модернизм и постмодернизм

Эти созвучные стили живописи часто путают между собой. Чтобы начинающий художник и любой другой человек,  интересующийся  искусством, мог свободно ориентироваться в направлениях, а так же  уметь отличать их друг от друга, наша художественная школа предлагает Вам ознакомиться с данной статьей, а так же посетить увлекательные мастер-классы «Живопись Маслом». Вместе мы сможем не только рассмотреть разные стили живописи с их особенностями, но и самостоятельно реализовать свой потенциал в тех или иных течениях с применением специальных художественных техник.

Виктор Васнецов. После побоища Игоря Святославовича с половцами. 1848-1926.

Итак, начнем с модерна, который сегодня остается  популярным и востребованным в мире за счет своей оригинальной эстетики.

МОДЕРН

Модерн в живописи – это сюжеты, наполненные характерными для символизма образами. Их сложный ритм сочетают в линейной композиции с оригинальными декоративными элементами.

Первым и главным признаком данного стиля является специфическая плавность форм. Мы видим вытянутые, растущие в высоту фигуры, с четкими выделенными контурами на одноцветной поверхности.  Рассматривая работы известных художников модерна, стоит приглядеться, и  вы заметите, что на них нет привычного эффекта глубины. Изображения выглядят плоскими, словно это настенные аппликации.

Изначально, когда модерн в живописи только набирал обороты, его представители  использовали экзотические растительные мотивы, причудливые орнаменты и узоры. Не редко в их сплетении на холстах возникали женские фигуры или мистические существа. Это символ, некая аллегория на главную тему картины, например любви, греха, смерти или войны. Важно отметить, что язык стиля формировался долгие годы, во многом не без идей символистов из Франции и России.  В каждой стране он именовался по-разному. Это вам и ар нуво, и  югендстиль, и сецессион.

Модерн в живописи представлен работами таких культовых личностей как П. Гоген и П. Боннар, Г. Климт и Э. Мунк, М. Врубель и В. Васнецов.

Поль Гоген. Две таитянки

Михаил Врубель. Шестикрылый Серафим. 1904.

Не путайте живописцев модерна и художников-модернистов.

МОДЕРНИЗМ

Модернизм – это некая совокупность разных стилей, которые основаны на индивидуальности взгляда автора, на свободе его мысли и внутренних эмоций.  В целом, модернизм в живописи позиционирует себя как отдельное крупное течение, которое отказалось от привычных классических традиций. Художники перечеркнули свой исторический опыт. Они пытались найти новое начало в искусстве, обновить восприятие и понимание живописи в социуме.

К наиболее известным модернистским течениям относятся такие стили, как авангардизм, примитивизм, кубизм, сюрреализм, футуризм, экспрессионизм и абстракционизм. Каждый из них преследует свою цель, имея в основе оригинальную философскую идею или мысль.

Авангардизм возник на почте модернизма в Европе в 1905-1930 годах. Цель  этого течения — приобретения свободы по средствам художественных приемов. Работы авангардистов отличаются вызывающими, откровенными идеями и сценами.

Казимир Малевич. Супрематизм.

Примитивизм в живописи  – это намеренное искажение  образов, методом упрощения. В некотором смысле данный стиль подражает первичным, примитивным этапам развития живописи. Детская интерпретация человеческой сущности, обрисованная мелкими деталями, сделала этот стиль популярным среди художников самоучек. Однако наивное, легкое искусство без четких рамок и классических приемов серьезно повлияло на творчество маститых творцов. Примитивизм в живописи, в формах и образах отнюдь не связан с примитивностью содержания картины. Какие-то невзначай брошенные мелочи в сюжетах могут рассказать об очень важных внутренних эмоциях героя на холсте.

Нико Пиросмани. Актриса Маргарита. 1909.

Кубизм основывается на сдвиге форм образов, их деформации и  разложении на геометрические элементы. Концепция картин стала доминировать над художественной ценностью. Именно это течение  определило развитие искусства на ближайшие десятилетия.

Л. Попова. Портрет философа. 1915.

Сюрреализм в живописи возник в результате литературных трудов, посвященных формированию сознания человека. Мысль о существование разума и души за пределами реального мира, изучение бессознательного, а так же феномена сна и абсурдных явлений дало художникам новые темы для работ.  Главный смысл   этого стиля – отстранение от привычного осознанного творчества. Сюрреализм в живописи – это образы и сюжеты, взятые  из глубин собственного подсознания. Посему картины этого плана полны причудливыми  галлюцинациями.

Сальвадор Дали. Постоянство памяти. 1931.

Как и сюрреализм, футуризм в живописи берет свои идеи из литературы. Разрушение стереотипов и демонстрация урбанистического будущего – вот главная идея этого стиля. Стремительное движение в будущее, желание избавиться от старых норм, вырваться из пережитков прошлых столетий и попасть в мир более организованный и последовательный,  видно в каждой работе художников данного течения. Футуризм в живописи русских авторов несколько отличается от картин европейских последователей этого направления. Главным образом слиянием с принципами кубизма.

Умберто Боччони. Состояния души II: Те, кто ушли. 1911.
Экспрессионизм в живописи – это протест против мира. Это внутреннее острое восприятие окружения, отчуждение человека, его духовное крушение. Стиль возник в преддверии войны, поэтому не удивительно, что холсты насыщенны деформацией, особым колоритом и резкими диссонансами. Экспрессионизм в живописи не что иное, как передача конкретной эмоции, драматизм понимания своих переживаний.

Эдвард Мун. Крик. 1893.

Абстракционизм в живописи – полный отказ от действительной передачи образов направлен на создание своеобразных ассоциаций у зрителя, путем сочетания на холсте разных геометрических фигур конкретных  оттенков. Абстракционизм в живописи нацелен на гармонию композиции, ведь любой предмет под разным углом может иметь разные формы и оттенки.  Это течение — последняя стадия проявления модернизма, так называемое нефигуративное искусство.

Тео ван Дусбург. Контркомпозиция V. 1924.

ПОСТМОДЕРНИЗМ 

Уже из названия понятно, что постмодернизм пришел на смену модернизму, непонятному широким кругам и попавшему под руку скептических критиков.  Он  имеет уникальные типологические признаки. Во-первых, постмодернизм в живописи – это наличие готовой формы. Художники заимствуют образы из классических традиций, но дают им новую интерпретацию, свой эксклюзивный контекст.  Не редко постмодернисты комбинируют формы из разных стилей, иронизируя над миром, а так же оправдывая тем самым свою вторичность.

Следующим важным отличием является отсутствие каких-либо правил.  Данное течение не диктует автору критерии для самовыражения. Творец вправе выбрать любую форму и манеру исполнения своей работы. Обратите внимание, что такая свобода стала основой для  свежих  творческих идей и направлений в искусстве. Именно постмодернизм в живописи является предпосылкой к возникновению художественных инсталляций и перформансов. Данное течение не имеет четких особенностей в технике, и сегодня является наиболее крупным и популярным на мировой арене.

Paul Salvator Goldengreen. The Painter Prince.

Художественная школа «Живопись Маслом» активно содействует в поиске своего стиля начинающим художникам и любителям.

jivopismaslom.ru

Поздний модернизм — Википедия

Поздний модернизм — интернациональное направление современного искусства, в широком смысле описывающие все направления современного искусства созданные после Второй мировой войны до начала XXI века. Терминология часто указывает на сходство между поздним модернизмом и постмодернизмом, хотя есть различия. Преобладающим термином для произведений искусства созданных с 1950-х годов является термин современное искусство. Однако не все искусство, обозначенное как современное искусство, является модернистским или постмодернистским, в более широком смысле термин охватывает как художников, которые продолжают работать в современных и позднемодернистских традициях, так и художников, которые отвергают модернизм по другим причинам.

Критик Артур Данто в работе «After the End of Art» утверждает, что современное искусство более широкий термин нежели поздний модернизм, произведения позднего модернизма представляют подсектор современного искусства, и эти произведения пришли на смену произведениям модерна и модернизма. Параллельно рая других критиков, таких как: Жан-Франсуа Лиотар, Кирк Варнедо, Хилтон Крамер[1] утверждают, что произведения позднего модернизма, в лучшем случае относятся к произведениям модерна.

Терминология, которая включает в себя два термина поздний модернизм и искусство постмодернизма, используется для обозначения того, что можно рассматривать как конечную фазу современного искусства, как искусство в конце модернизма или как определенные тенденции современного искусства.

Есть те, кто выступает против разделения на современный и постмодернистский периоды. Не все критики согласны с тем, что этап, называемый модернизмом, закончен или даже близок к концу. Нет единого мнения, что все искусство после модернизма является постмодернистским. Современное искусство является более широко используемым термином для обозначения работы примерно с 1960 года, хотя оно также имеет много других применений и толкований. Постмодернистское искусство также не отделено четкой линией от модернизма, и многие критики видят в нем лишь еще одну фазу современного искусства или другую форму позднего модернизма[2].

По состоянию на конец 2010-х годов, критики применения термина поздний модернизм, находятся в меньшинстве. Это не означает, что фаза искусства, обозначаемая поздним модерном, принята и общепризнана, просто необходимость термина для описания движений в искусстве после пика абстрактного экспрессионизма хорошо известна. Однако, хотя концепция изменений в искусстве пришла к консенсусу, консенсуса относительно того являются ли эти изменения постмодернистскими или позднемодернистскими пока еще нет, консенсус заключается в том, что произошло глубокое изменение в восприятии произведений искусств, и на мировой арене появилась новая эра, с отсечкой с 1960-х годов[3].

В литературе термин поздний модернизм относится к литературным произведениям, произведенным после Второй мировой войны. Однако существует несколько различных определений позднейшей модернистской литературы. Наиболее распространенными являются работы, опубликованные между 1930 и 1939 годами или 1945 годом. Однако существуют модернисты, такие как Базиль Бантинг (1900-85) и Т. С. Элиот (1888—1965), написавшие свои произведения позднее 1945 года, также Сэмюэль Беккет[4], который умер в 1989 году, был описан как «поздний модернист». Элиот опубликовал две пьесы в 1950-х годах, а длинная модернистская поэма Бантинга «Briggflatts» была опубликована в 1965 году.

Поздний модернизм описывает движения, которые как возникают, так и реагируют на тенденции модернизма и при этом отвергают некоторые его аспекты, полностью развивая концептуальные возможности модернистского направления[5]. В некоторых описаниях постмодернизм как период в искусстве завершен, тогда как в других он является продолжающимся движением в современном искусстве. В искусстве характеризуемом специфическими чертами модернизма выделяются, как правило, формальная чистота, средняя специфичность, искусство ради искусства, возможность подлинности в искусстве, важность или даже возможность универсальной правды в искусстве и важность авангарда и оригинальность. Этот последний момент является одним из особых споров в искусстве, в котором многие институты утверждают, что наличие перспективных, передовых и прогрессивных тенденций имеет решающее значение для миссии искусства в настоящем, и поэтому постмодерн представляет собой противоречие ценности «искусство нашего времени».

Одно из предложенных компактных определений состоит в том, что, хотя постмодернизм действует, отвергая великие повествования модернизма о художественном руководстве, и уничтожая границы между высокими и низкими формами искусства, нарушает жанр и его условные обозначения путем столкновения, коллажа и фрагментации. В постмодернистском искусстве считают, что все позиции нестабильны и неискренни, и поэтому ирония, пародия и юмор — единственные позиции, которые нельзя отменить критикой[6].

Многие из этих черт присутствуют в современных движениях в искусстве, в частности, отказ от разделения между высокими и низкими формами искусства. Однако эти черты считаются основополагающими для постмодернистского искусства, а не просто присутствуют в той или иной степени. Однако одним из наиболее важных различий между постмодернизмом и модернизмом, как движениями в искусстве, является, в конечном счете, прогрессивная позиция модернизма, согласно которой новые работы должны быть более «ориентированными на будущее» и продвинутыми, в то время как постмодернистские движения обычно отвергают это понятие.

Однако, у использования термина постмодерн, есть критики его применения. Например, Кирк Варнедо заявил, что постмодернизма не существует и что возможности модернизма еще не исчерпаны[7]. Как выше отмечалось, эти критики в настоящее время в меньшинстве.

Радикальные движения в современном искусстве[править | править код]

Радикальные движения и тенденции в модернизме и модернистском искусстве, рассматривающиеся как оказавшие влияние и потенциально предшествующие появлению позднего модернизма, начали возникать незадолго до Первой мировой войны и особенно после нее. С появлением в искусстве технической и механической составляющей появились такие направления как кубизм, дадаизм и сюрреализм, а вместе с ними и такие техники, как коллаж и другие. Также в это время произошли появление новых форм искусства таких как кино, которое благодаря применению техники промышленного копирования, вывело искусство на новый уровень. Благодаря усилиям Пабло Пикассо и Марселя Дюшана, появилось техника реди-мейд.

Фовизм, кубизм, дадаизм, сюрреализм как прецедент[править | править код]

В начале XX века, под влиянием Анри Матисса и Андре Дерена как живописцев-фовистов и монументальных инноваций Пабло Пикассо и Жоржа Брака, а также всемирного успеха кубизма и поощрения авангарда, Марсель Дюшан выставил писсуар и объявил его скульптурой. Он хотел, чтобы люди смотрели на писсуар, как на произведение искусства, потому что он сказал, что это произведение искусства. Он назвал свою работу «реди-мейдом». «Фонтан» был писсуаром с псевдонимом Р. Матт, который потряс мир искусства в 1917 году. Это и другие работы Дюшана, как правило, искусствоведы относят к дадаизму.

Дадаизм можно рассматривать как часть модернистской склонности бросать вызов сложившимся стилям и формам, наряду с сюрреализмом, футуризмом и абстрактным экспрессионизмом[8]. С хронологической точки зрения Дада находится в рамках модернизма, однако ряд критиков считает, что он предвосхищает постмодернизм, в то время как другие, такие как Ихаб Хасан и Стивен Коннор, считают его возможной точкой перехода между модернизмом и постмодернизмом[9].

Фовизм и, в частности, Анри Матисс, оказали важное влияние как на абстрактный экспрессионизм, так и на живопись цветового поля, что стало важной вехой позднего модернизма. «Танец» широко известен как «ключевой момент в карьере Матисса и в развитии современной живописи»[10]. Благодаря большому голубому пространству, простоте дизайна и акценту на чистых ощущениях, картина оказала огромное влияние на американских художников, которые видели ее в MoMA в Нью-Йорке.

Джексон Поллок: абстрактный экспрессионизм[править | править код]

В конце 1940-х годов радикальный подход Поллока к живописи революционизировал потенциал всего современного искусства, которое последовало за ним. В какой-то степени Поллок понял, что путь к созданию произведения искусства так же важен, как и само произведение искусства. Подобно новаторским изобретениям живописи и скульптуры на рубеже веков с помощью кубизма Пабло Пикассо, Поллок пересмотрел способ, которым искусство создается в середине столетия. Движение Поллока — в сторону от станковой живописи и условностей — стало сигналом освобождения для его современников и их последователей.

Художники поняли, что творческий процесс Джексона Поллока — работа на полу, растянутый необработанный холст, специфические материалы, промышленные материалы, бросание линейных мотков краски, капельная живопись, рисование, окрашивание, нанесение кистью, по существу, перенесло процесс творчества за пределы любых предшествующих границ.

Абстрактный экспрессионизм в целом расширил и развил те возможности, которые были у художников для создания новых произведений искусства. В некотором смысле инновации Джексона Поллока, Виллема де Кунинга, Франца Клайна, Марка Ротко, Филиппа Густона, Ганса Гофмана, Клиффорда Стилла, Барнетта Ньюмана, Эда Рейнхардта и других открыли шлюзы для разнообразия и масштабов всего искусства.

Неодада, коллаж и ассамбляж[править | править код]

С абстрактным экспрессионизмом связано появление комбинированных произведений искусства — с материалами художника, отходящими от прежних условностей живописи и скульптуры. Эта тенденция в искусстве иллюстрируется работами Роберта Раушенберга, чьи «комбинаты» в 1950-х годах были предшественниками поп-арта и инсталляционного искусства и использовали множество крупных физических объектов, включая чучела, птиц и коммерческую фотографию.

Лео Штейнберг использует термин постмодернизм в 1969 году для описания «плоской» плоскости изображения Раушенберга, содержащей ряд культурных образов и намеков, которые не были совместимы с живописным полем премодернистской и модернистской живописи[11].

Стивен Бест и Дуглас Келлнер идентифицируют Раушенберга и Джаспера Джонса как часть переходной фазы между модернизмом и постмодернизмом, под влиянием Марселя Дюшана. Оба использовали образы обычных объектов или сами объекты в своей работе, сохраняя при этом абстракцию и живописные жесты высокого модернизма[12].

Абстрактная живопись и скульптура 1960-х и 1970-х годов[править | править код]

В абстрактной живописи и скульптуре в 1950-х и 1960-х годах геометрическая абстракция стала важным направлением в работах многих скульпторов и художников. В живописи главенствовали минимализм, живопись цветового поля, живопись жестких контуров и лирическая абстракция, являвшиеся радикально новыми направлениями[13][14][15].

Элен Франкенталер, Морис Луис, Фрэнк Стелла, Келли Эльсуорт, Ричард Дибенкорн, Дэвид Смит, Энтони Каро, Марк ди Суверо, Джин Дэвис, Кеннет Ноланд, Джулс Олицки, Исаак Виткин, Энн Трутт, Кеннет Снельсон, Ал Хелд, Говард Ходжкин, Ларри Пунс, Брайс Марден, Роберт Мангольд, Дэн Кристенсен, Ларри Зокс, Чарльз Хинман, Сэм Гиллиам были одними из художников, чьи работы характеризовали абстрактную живопись и скульптура 1960-х годов[16]. Лирическая абстракция имеет сходство с живописью цветового поля и абстрактным экспрессионизмом, особенно в свободном использовании краски — текстуры и поверхности. Прямое рисование, каллиграфическое использование линий, эффекты матовой, забрызганной, окрашенной, сжатой, вылитой и разбрызганной краски по внешнему виду напоминают эффекты, наблюдаемые в абстрактном экспрессионизме и живописи цветового поля. Однако стили заметно отличаются.

Как видно в живописи действия, акцент делается на мазках, высокой композиционной драме, динамическом композиционном напряжении. В то время как в лирической абстракции есть ощущение композиционной случайности всей композиции, сдержанной и расслабленной композиционной драмы и акценте на процессе, повторении и общей чувствительности. В 1960-х и 1970-х годах такие влиятельные художники, как Роберт Мазервелл, Адольф Готлиб, Филипп Густон, Ли Краснер, Сай Твомбли, Роберт Раушенберг, Джаспер Джонс, Ричард Дибенкорн, Джозеф Альберс, Элмер Бишофф, Агнес Мартин, Сэм Фрэнсис, Эльсуорт Келли, Фрэнк Стелла, Кеннет Ноланд, Джоан Митчелл и молодые художники, такие как Брайс Марден, Роберт Мангольд и десятки других продолжали создавать жизненно важные и влиятельные картины.

Минимализм и пост-минимализм[править | править код]

К началу 1960-х минимализм появился как абстрактное движение в искусстве (его корня уходят к геометрической абстракции Малевича, Баухауза и Мондриана). Среди художников, которые стали пионерами минимализма, можно выделит Фрэнка Стеллу, Эда Рейнхардта, Агнес Мартин, Барнетта Ньюмана, Дональда Джадда, Тони Смита, Карла Андре, Роберта Смитсона, Сола Левитта, Дэна Флавина, Роберта Мангольда, Роберта Морриса и Рональда Бладен. Новое искусство отвергло идею реляционной и субъективной живописи, сложность абстрактных экспрессионистских поверхностей, эмоциональный дух времени и полемику, присутствующие на арене живописи действия. Минимализм утверждал, что чрезвычайная простота может охватить все возвышенное представление, необходимое в искусстве. Минимализм в живописи и скульптуре, в отличие от других областей, является поздним модернистским движением и в зависимости от контекста может быть истолкован как предшественник постмодернистского движения.

Хэл Фостер в своем эссе «Суть минимализма» исследует степень, в которой Дональд Джадд и Роберт Моррис признают и превосходят Гринберговский модернизм в своих опубликованных определениях минимализма[17]. Он утверждает, что минимализм — это не «тупик» модернизма, а «сдвиг парадигмы в сторону постмодернистских практик, которые продолжают разрабатываться сегодня»[18].

В конце 1960-х годов термин «постминимализм» был придуман Робертом Пинкусом-Виттеном для описания минималистского производного искусства, имеющего содержание и контекстные обертоны, которые отверг минимализм, к этому направлению были отнесены работы Евы Гессе, Кейта Соннье, Ричарда Серра и новые работе бывших минималистов Роберта Смитсона, Роберта Морриса, Сола Левита и других[19].

Розалинда Краусс утверждает, что к 1968 году такие художники, как Моррис, Левит, Смитсон и Серра, «оказались в ситуации, логические условия которой уже нельзя назвать модернистской»[20]. Расширение категории скульптуры, включившей ленд-арт и архитектуру, «привело к переходу в постмодернизм»[21].

Процесс-арт[править | править код]

Однако к концу 1960-х годов процесс-арт стал революционной концепцией и движением, которое охватило живопись и скульптуру, посредством лирической абстракции и постминималистического движения, а также раннего концептуального искусства. Ева Гессе, Роберт Смитсон, Уолтер Де Мария, Ричард Серра, Нэнси Грейвс, Яннис Кунеллис, Брюс Науман, Ричард Таттл, Мел Бохнер, Ханна Вилке, Линда Бенглис, Майкл Хейзер, Лоуренс Вайнер, Джозеф Кошут были одними из художников направления, появившихся в 1960-х годах. Искусство процесс-арта, вдохновленное Поллоком, позволило художникам экспериментировать и использовать разнообразную палитру стиля, содержания, материала, размещения, ощущения времени, масштаба, размера, пластичности и реального пространства[22].

Поп-арт[править | править код]

Термин «поп-арт» использовался Лоуренсом Аллоуэйем для описания картин, которые прославляли потребительство западного мира эпохи после Второй мировой войны[23]. Это движение отвергло абстрактный экспрессионизм и его ориентацию на герменевтический и психологический интерьер, в пользу искусства, движение изображало и часто прославляло материальную потребительскую культуру, рекламу и иконографию эпохи массового производства. Ранние работы Дэвида Хокни и работы Ричарда Гамильтона, Джона Макхейла и Эдуардо Паолоцци считались оригинальными примерами в движении. В то время как более поздние американские примеры включают основную часть карьеры Энди Уорхола и Роя Лихтенштейна и его использование точек Бенди, техники, используемой в коммерческом воспроизведении. Существует четкая связь между радикальными работами Дюшана, мятежного дадаиста — с чувством юмора, и поп-артистами, такими как Клас Олденбург, Энди Уорхол, Рой Лихтенштейн и другими[24].

В целом поп-арт и минимализм начинались как модернистские движения, сдвиг в парадигме и философский раскол между формализмом и антиформализмом в начале 1970-х годов заставили некоторые критиков рассматривать эти движения как предшественников или предтечей постмодернистского искусства. Другими современными движениями, которые упоминаются как влиятельные для постмодернистского искусства, являются концептуальное искусство, дадаизм и сюрреализм, а также использование таких технических методов, как ассамбляж, монтаж, коллаж, бриколаж и художественные формы, которые используют запись или воспроизведение в качестве основы для произведений искусства.

Существуют различные мнения относительно того, является ли поп-арт поздним модернистским движением или постмодернистским. Томас Макэвелли, соглашаясь с Дейвом Хикки, говорит, что постмодернизм в изобразительном искусстве начался с первых выставок поп-арта в 1962 году, «хотя прошло около двадцати лет, прежде чем постмодернизм стал доминирующим в изобразительном искусстве». Фредерик Джеймсон тоже считает поп-арт постмодернистским[25].

Перформанс и хеппенинг[править | править код]

В конце 1950-х и 1960-х художники с широким спектром интересов начали раздвигать границы современного искусства. Ив Кляйн во Франции и Кэроли Шнееманн, Яёи Кусама, Йоко Оно в Нью-Йорке были пионерами произведений, основанных на перформансах. Такие группы, как «Живой театр» с Джулианом Беком и Джудит Малиной, сотрудничали со скульпторами и художниками, создавая обстановку радикально меняющую отношения между аудиторией и исполнителем. Эти представления часто предназначались для создания новой формы искусства, сочетающей в себе скульптуру, танец, музыку или звук, часто с участием аудитории. Произведения были охарактеризованы редуктивными философиями минимализма, спонтанной импровизацией и выразительностью абстрактного экспрессионизма.

В течение того же периода — с конца 1950-х до середины 1960-х различные художники-авангардисты создавали хеппенинги. Случаи были таинственными и часто стихийными и незарегистрированными собраниями художников, их друзей и родственников в различных указанных местах. Мероприятия включают в себя абсурдные, физические упражнения, странные костюмы, спонтанную наготу и различные случайные и, казалось бы, несвязные действия. Аллан Капроу, Клас Олденбург, Джим Дайн и Роберт Уитмен, среди прочих, были известными создателями хеппенингов.

Fluxus[править | править код]

Флюксус был назван и организован в 1962 году Джорджем Мачьюнасом (1931—1978), американским художником, родившимся в Литве. Fluxus ведет свое начало от классов экспериментальной композиции Джона Кейджа с 1957 по 1959 год в Новой школе социальных исследований в Нью-Йорке. Многие из его учеников были художниками, практически не имеющими музыкального опыта. Среди студентов Кейджа были основатели Fluxus Джексон МакЛоу, Ал Хансен, Джордж Брехт и Дик Хиггинс[26].

По внешним проявлениям Флюксус нередко напоминает дадаизм. Многие представители Флюксус-группы 60-х сами говорили о непосредственном влиянии дадаистов, в частности Марселя Дюшана, на их творчество. Но назвать новое течение «нео-дада» было бы неверно. Основатель Флюксуса, Джордж Мачьюнас, предпочел обратиться к мертвой латыни, вероятно, чтобы тем самым, во-первых, отделить новое течение от исторически сложившегося дадаизма, а во-вторых — подчеркнуть вневременность идей Флюксуса. Простой до банальности, порой смехотворно глупый или вызывающе дикий, Флюксус бросал вызов канонам, в которых «застряло» официальное искусство 50—60-х гг. Флюксус был призван в очередной раз стереть границы между искусством и жизнью, научить людей видеть прекрасное в самых тривиальных вещах, жить «в моменте», создавать нечто интересное постоянно и из «ничего» вне мастерских, вне сцены, без отрыва от повседневности. Fluxus включил в себя сильный поток анти-коммерциализма и анти-художественной чувствительности, осуждая мир традиционного искусства, ориентированного на рынок, в пользу творческой практики, ориентированной на художника. Художники Fluxus предпочитали работать с любыми материалами, которые были под рукой, и либо создавали свои собственные работы, либо сотрудничали в процессе создания со своими коллегами.

Андреас Хюйссен критикует попытки заявить о Fluxus как о постмодернизме как о «либо мастер-коде постмодернизма, либо, в конечном счете, непредставимом художественном движении — как бы возвышенном постмодернизме». Вместо этого он видит Fluxus как основной нео-дадаистский феномен в рамках авангардной традиции. Он не представлял большого прогресса в разработке художественных стратегий, хотя и выражал бунт против «управляемой культуры 1950-х годов, в которой умеренный, одомашненный модернизм служил идеологической опорой для холодной войны»[27].

Движения, связанные с постмодернистским искусством[править | править код]

Концептуальное искусство[править | править код]

Концептуальное искусство стало важным событием в современном искусстве в конце 1960-х годов. Поздний модернизм расширился и сократился в конце 1960-х, и для некоторых концептуальное искусство полностью порвало с модернизмом. Иногда концептуальное искусство маркируется как постмодерн, потому что оно явно вовлечено в деконструкцию того, что делает произведение искусства «искусством».

В концептуализме концепция произведения важнее его физического выражения, цель искусства — в передаче идеи. Концептуальные объекты могут существовать в виде фраз, текстов, схем, графиков, чертежей, фотографий, аудио- и видео- материалов. Объектом искусства может стать любой предмет, явление, процесс, поскольку концептуальное искусство представляет собой чистый художественный жест.

Дюшана можно рассматривать как предшественника концептуального искусства. Так авангардный композитор Дэвид Тюдор создал пьесу «Воссоединение» (1968), написанную совместно с Лоуэлл-Кросс, в которой представлена ​​игра в шахматы, где каждый ход вызывает эффект освещения или проекцию. На премьере игра была сыграна между Джоном Кейджем и Марселем Дюшаном[28]. Некоторые другие известные примеры, композиция «4′33″» американского композитора Джона Кейджа, во время исполнения которой не играется ни один звук. Многие концептуальные работы придерживаются той позиции, что искусство создается зрителем, наблюдающим объект, и не как иначе.

Инсталляция[править | править код]

Важная серия движений в искусстве, которые последовательно описывались как постмодерн, включала инсталляционное искусство и создание объектов, которые имеют концептуальный характер. Одним из примеров являются таблички Дженни Хольцер, которые используют художественные методы для передачи конкретных сообщений, таких как «Защити меня от того, что я хочу». Вступая в различные неординарные комбинации, вещь освобождается от своей практической функции, приобретая функцию символическую. Смена контекстов создаёт смысловые модификации, игру значений. Габарит инсталляций варьируется от предельно малого, куда можно только заглянуть одним глазком, до нескольких залов в крупных музеях. Инсталляция, в отличие от плоских росписей и единичных объектов, делает акцент на создание интерьерного пространства.

Интермедиа и мультимедиа[править | править код]

Другой тенденцией в искусстве, которая ассоциируется с термином постмодерн, является использование нескольких различных средств художественного выражения вместе. Интермедиа, термин, придуманный Диком Хиггинсом и предназначенный для обозначения новых форм искусства по направлениям Флюксус, фигурная поэзия, реди-мейд, перформанс. Устойчивые сочетания жанров превращались в новые формы художественной практики, например в такие, как визуальная поэзия, искусство перфомансов. Эти симбиозы происходили в русле глобальной тенденции XX века, заключавшейся в разрушении границ между средами, смешения выразительных средств разных видов искусств. Под интермедиа понимались новые работы которые не могли быть описаны в рамках существующих на начало 1960-х годов художественных категорий, потому что по смыслу находились между двумя выразительными средствами, которые уже были известны и использовались[29].

Хотя теория объединения нескольких искусств в одно искусство довольно стара и периодически возрождается, постмодернистская манифестация часто сочетается с перформанс-искусством, где драматический подтекст удален, а то, что осталось, — это конкретные высказывания художника или концептуальное изложение действия.

Искусство присвоения и нео-концептуальное искусство[править | править код]

В эссе «Аллегорической Impulse: к теории постмодернизма», критик Крейг Оуэнс в 1980 году идентифицирует возрождение в аллегорическом импульсе в качестве характеристики постмодернистского искусства. Этот импульс можно увидеть в искусстве присвоения таких художников, как Шерри Левин и Роберт Лонго, потому что «аллегорические образы — это присвоенные образы»[30]. Искусство присвоения развенчивает модернистские представления о художественном гении и оригинальности и является более амбивалентным и противоречивым, чем современное искусство, одновременно устанавливая и разрушая идеологии, «будучи одновременно критичным и соучастным»[31].

Неоэкспрессионизм[править | править код]

Возвращение к традиционным формам искусства скульптуры и живописи в конце 1970-х и начале 1980-х годов, увиденное в работах художников-неоэкспрессионистов, таких как Георг Базелиц и Джулиан Шнабель, было охарактеризовано как постмодернистская тенденция и одна из первых согласованных движений, которые возникли в эпоху постмодерна[32][33].

Его прочные связи с рынком коммерческого искусства подняли вопросы, как о его статусе постмодернистского движения, так и об определении самого постмодернизма. Хэл Фостер заявляет, что неоэкспрессионизм был соучастником консервативной культурной политики эпохи Рейгана-Буша в США[34]. Пьер-Феликс Гваттари заявляет, что постмодернизм — не что иное, как последний вздох модернизма. Эта критика неоэкспрессионизма показывает, что деньги и общественные отношения действительно поддерживали мировое доверие к современному искусству в Америке в тот же период, когда концептуальные и феминистские художественные практики систематически переоценивали современное искусство[35].

Поздняя модернистская живопись и скульптура в XXI веке[править | править код]

В начале XXI века современная живопись, современная скульптура и современное искусство в целом продолжаются развиваться в нескольких смежных направлениях, характеризующихся идеей плюрализма. «Кризис» в живописи, скульптуре и современном искусстве, а также современная арт-критика сегодня вызваны плюрализмом. В отношении репрезентативного стиля эпохи нет и не должно быть консенсуса. Следовательно, произведения искусства продолжают изготавливаться, хотя и в самых разных стилях и эстетических темпераментах, а рынок является мерилом признания и успеха.

Не существуют общепринятого термина, который определил бы искусство двух последних десятилетий XXI века, ряд критиков заявляет о закате постмодернизма. При этом следует отметить, что никогда прежде не создавалось и не покупалось так много произведений современного искусства. Никогда прежде общественность и СМИ и проявляли к искусству такого интереса. Английский искусствовед Уилл Гомперц в своей книге «Непонятное искусство. От Моне до Бэнкси» для описания нового искусства XXI века вводит термин новый авангард[36].

  1. The Citadel of Modernism Falls to Deconstructionists, 1992 critical essay, The Triumph of Modernism, 2006, Hilton Kramer, pp. 218—221.
  2. ↑ Greenberg: Modernism (неопр.). www.sharecom.ca. Дата обращения 9 сентября 2019.
  3. Late modernist poetics: From Pound to Prynne by Anthony Mellors; see also Prynne’s publisher, Bloodaxe Books.
  4. ↑ Morris Dickstein, «An Outsider to His Own Life», Books, The New York Times, August 3, 1997.
  5. ↑ The Originality of the Avant Garde and Other Modernist Myths Rosalind E. Krauss, Publisher: The MIT Press; Reprint edition (July 9, 1986), Part I, Modernist Myths, pp.8-171
  6. ↑ The Originality of the Avant Garde and Other Modernist Myths Rosalind E. Krauss, Publisher: The MIT Press; Reprint edition (July 9, 1986), Part I, Modernist Myths, pp.8-171, Part II, Toward Post-Modernism, pp. 196—291.
  7. ↑ William R. Everdell, The First Moderns: Profiles in the Origins of Twentieth-century Thought, University of Chicago Press, 1997, p. 4. ISBN 0-226-22480-5
  8. ↑ Simon Malpas, The Postmodern, Routledge, 2005. p. 17. ISBN 0-415-28064-8
  9. ↑ Mark A. Pegrum, Challenging Modernity: Dada Between Modern and Postmodern, Berghahn Books, 2000, pp. 2-3. ISBN 1-57181-130-3
  10. ↑ Russell T. Clement. Four French Symbolists. Greenwood Press, 1996. Page 114.
  11. ↑ Douglas Crimp in Hal Foster (ed), Postmodern Culture, Pluto Press, 1985 (first published as The Anti-Aesthetic, 1983). p. 44. ISBN 0-7453-0003-0
  12. ↑ Steven Best, Douglas Kellner, The Postmodern Turn, Guilford Press, 1997, p. 174. ISBN 1-57230-221-6
  13. ↑ Ratcliff, Carter. The New Informalists, Art News, v. 68, n. 8, December 1969, p.72.
  14. ↑ Barbara Rose. American Painting. Part Two: The Twentieth Century. Published by Skira — Rizzoli, New York, 1969
  15. ↑ Walter Darby Bannard. «Notes on American Painting of the Sixties.» Artforum, January 1970, vol. 8, no. 5, pp.40-45.
  16. ↑ Aldrich, Larry. Young Lyrical Painters, Art in America, v. 57, n. 6, November-December 1969, pp. 104—113.
  17. ↑ Hal Foster, The Return of the Real: The Avant-garde at the End of the Century, MIT Press, 1996, pp. 44-53. ISBN 0-262-56107-7
  18. ↑ Hal Foster, The Return of the Real: The Avant-garde at the End of the Century, MIT Press, 1996, p. 36. ISBN 0-262-56107-7
  19. Movers and Shakers, New York, «Leaving C&M», by Sarah Douglas, Art+Auction, March 2007, V.XXXNo7.
  20. ↑ The Originality of the Avant Garde and Other Modernist Myths Rosalind E. Krauss, Publisher: The MIT Press; Reprint edition (July 9, 1986), Sculpture in the Expanded Field pp.287
  21. ↑ The Originality of the Avant Garde and Other Modernist Myths Rosalind E. Krauss, Publisher: The MIT Press; Reprint edition (July 9, 1986), Sculpture in the Expanded Field (1979). pp.290
  22. ↑ Source: Archived copy (неопр.). Дата обращения 28 июля 2007. Архивировано 27 сентября 2007 года. (accessed: March 15, 2007)
  23. Topics in American Art since 1945, pp. 119—122, by Lawrence Alloway, 1975 by W.W. Norton and Company, NYC ISBN 0-393-04401-7
  24. ↑ Thomas McEvilly in Richard Roth, Jean Dubuffet, Susan King, Beauty Is Nowhere: Ethical Issues in Art and Design, Routledge, 1998. p. 29. ISBN 90-5701-311-8
  25. ↑ Stuart Sim, The Routledge Companion to Postmodernism, Routledge, 2001. p. 148. ISBN 0-415-24307-6
  26. ↑ Andreas Huyssen, Twilight Memories: Marking Time in a Culture of Amnesia, Routledge, 1995. p. 192. ISBN 0-415-90934-1
  27. ↑ Andreas Huyssen, Twilight Memories: Marking Time in a Culture of Amnesia, Routledge, 1995. p. 196. ISBN 0-415-90934-1
  28. ↑ Marcel Duchamp
  29. ↑ Ihab Hassan in Lawrence E. Cahoone, From Modernism to Postmodernism: An Anthology, Blackwell Publishing, 2003. p. 13. ISBN 0-631-23213-3
  30. ↑ Craig Owens, Beyond Recognition: Representation, Power, and Culture, London and Berkeley: University of California Press (1992), p. 54
  31. ↑ Steven Best and Douglas Kellner, The Postmodern Turn, Guilford Press, 1997. p. 186. ISBN 1-57230-221-6
  32. ↑ Tim Woods, Beginning Postmodernism, Manchester University Press, 1999. p. 125. ISBN 0-7190-5211-4
  33. ↑ Fred S. Kleiner, Christin J. Mamiya, Gardner’s Art Through the Ages: The Western Perspective, Thomson Wadsworth, 2006, p. 842. ISBN 0-495-00480-4
  34. ↑ Hal Foster, The Return of the Real: The Avant-garde at the End of the Century, MIT Press, 1996, p. 36. ISBN 0-262-56107-7
  35. ↑ Erika Doss, Twentieth-Century American Art, Oxford University Press, 2002, p. 210. ISBN 0-19-284239-0
  36. Уилл Гомперц. Непонятное искусство. От Моне до Бэнкси. — Litres, 2019-02-28. — 695 с. — ISBN 9785040357833.

ru.wikipedia.org

Художники-модернисты и их картины :: SYL.ru

Само понятие модерн, или, как его еще называют, ар-нуво, в буквальном смысле означает "новый", "новое искусство". В эпоху стремительно развивающейся промышленности художественное творчество тоже претерпевало изменения. Стремление к новому выражалось в бунте против вековых устоев в мире искусства, где не было места яркости и неординарности. Все подчинялось строгим законам стиля и композиции, которые оставили в наследство после себя старые мастера.

Возникновение стиля

Как правило, большинство художников работало в реалистичной манере. Они изображали сюжеты из повседневной жизни и окружающей действительности, тогда как художник-модернист стремился задействовать свое воображение. Он руководствовался прежде всего своим восприятием мира, вместо того чтобы просто копировать то, что видит. Он никак не мог выразить себя в рамках традиционного искусства. Поэтому создал свой стиль, который не опирался на опыт прошлого, был самобытен и менял само представление о красоте.

художник модернист

Мы привыкли воспринимать модерн исключительно как продукт 20-го века. Однако прочный фундамент для него заложили художники-модернисты 19 века, такие как Эдуард Мане, Анри де Тулуз-Лотрек, Поль Гоген, Винсент Ван Гог, Обри Бердслей, Эдвард Мунк, Поль Сезанн и другие. Именно их произведения дали модерну дорогу в жизнь.

Венский "Сецессион"

В разных уголках Европы модерн приобретал разные формы и по-разному себя выражал. Одного из самых известных и узнаваемых художников-модернистов 20 века миру подарила Австрия. Речь идет о Густаве Климте. Его орнаментальные, символические и яркие работы невозможно спутать ни с чьими другими. Они привлекают к себе внимание обилием золотого цвета и пышными узорами.

Австрийские художники модернисты

Но Климт был далеко не единственным художником-модернистом в Австрии. В 1897 году он объединил местных творцов-новаторов в сообщество под названием "Венский Сецессион". Оно выступало против консерватизма и академизма в творчестве. Помимо Густава Климта туда входили Йозеф Хофман, Коломан Мозер, Макс Курцвайль, Йозеф Мария Ольбрих и другие художники и архитекторы.

Павильон для проведения выставок был спроектирован и построен участниками объединения. Проектом руководил Ольбрих, а интерьеры продумывал Мозер. Первая выставка там состоялась в 1898 году. Также благодаря "Сецессиону" Вена познакомилась с работами импрессионистов.

Художники модернисты 20 века

Еще один, почему-то малоизвестный, но не менее значимый для эпохи модерна австрийский художник, Йозеф Мария Аухенталлер. Его творческая деятельность была очень обширна. Он был живописцем, графиком, иллюстратором, гравером, ювелиром и фотографом, занимался дизайном текстиля. Он также вошел в состав "Венского Сецессиона".

Лозунгом австрийских художников-модернистов были слова критика Людвига Хевеси: "Эпохе - свое искусство, искусству - своя свобода".

Такой разный

Модерн в Великобритании проявился в книжной графике еще в конце 19-го столетия, когда художник Обри Бердслей проиллюстрировал роман "Смерть Артура" в своей неподражаемой манере. Его черно-белые иллюстрации отличались изяществом форм и утонченностью линий.

Заслуживает упоминания и Чарльз Макинтош, который внес свой вклад в развитие модерна в архитектуре Великобритании.

Германия и Скандинавия известна своим "югендштилем". В нем архитектура объединяет в себе живопись и декоративно-прикладное искусство в одно гармоничное целое. Ему присуща плавность и текучесть линий, витражи с цветочным орнаментом в виде лилий и ирисов, кованый металл, широкие окна, золотой цвет. Среди известных архитекторов-модернистов были Бруно Юлиус Флориан Таут, Петер Беренс, Август Эндель.

художник модернист

В США модерн выразил себя в витражном искусстве. Американский дизайнер и художник по стеклу Луис Комфорт Тиффани изготавливал вазы и лампы цветочных форм, которые украшал стеклом собственного изготовления. Материал отличался радужным отливом и приобрел огромную популярность. Витражи Тиффани не утратили славу и по сей день.

Альфонс Муха

Отдельное место в модерне и в сердцах многих ценителей занимает Альфонс Муха. Художник чешского происхождения завоевал мировую славу благодаря театральным афишам и рекламным плакатам в стиле модерн, или ар-нуво. Интересно, что молодой Муха посылал свои работы в художественное училище. Они были возвращены с пометкой о полном отсутствии в них таланта. Но позже, когда Альфонс занимался росписью стен в графском замке, его работу заметил профессор академии, и был ею восхищен. Его обучение взялся оплачивать граф Куэн. Так начался творческий путь художника.

Художник модернист Муха

Благодаря работам Альфонса Мухи стиль ар-нуво был возведен в разряд культа. Художник творил и выполнял заказы во Франции, Германии, США. Символом стиля стали лилии, цветы цикламена, ирисы. Стилизованные растительные и животные формы, с плавными и текучими линиями.

Любимым объектом Альфонса Мухи была грациозная фигура прекрасной женщины, окруженная цветами и орнаментом. Помимо плакатов и иллюстраций, художник-модернист Муха занимался дизайном интерьеров и ювелирных украшений, писал трактаты по искусству. В Париже, на Всемирной выставке декоративно-прикладного искусства, Альфонс Муха был объявлен самым выдающимся представителем модерна.

Модернисты Серебряного века

Появление ар-нуво в России примерно совпадает с началом Серебряного века в литературе. Первые русские художники-модернисты в конце 1880-х годов образовали кружок под названием "Мир искусства".

Поначалу общество состояло из Александра Бенуа, Льва Бакста, Евгения Лансере, Сергея Дягилева и Константина Сомова. Постепенно к ним присоединяется все больше участников.

Руководителем стал Сергей Дягилев. Он занимался организацией выставок и продвижением художников-модернистов Серебряного века на европейский рынок. Постепенно кружок перерастает в творческое объединение. Туда входит весь цвет русской живописи. Список имен художников-модернистов Серебряного века слишком велик. Среди них особое место занимали Михаил Врубель, Валентин Серов, Исаак Левитан, Михаил Нестеров, Николай Рерих.

Мастера русского модерна

Отдельного упоминания заслуживает Михаил Александрович Врубель. Он был не только живописцем, но и декоратором, книжным иллюстратором. Также расписывал стены и витражи. Одним из известнейших мотивов его творчества является образ Демона, навеянный поэзией Лермонтова.

Врубелевский персонаж выступает скорее в роли страдающего лирического героя, чем грозной разрушительной силы. На картине "Демон сидящий" об этом отчетливо говорит его поза и полные тоски глаза.

Художники модернисты серебряного века

Также в творчестве Врубеля был заметен уклон в сторону народного стиля. К нему относятся картины на тему русских былин и сказок: "Пан", "Микула Селянинович", "Царевна-Лебедь", а также религиозные и иконописные сюжеты. Александр Бенуа считал, что именно Врубель выразил все самые прекрасные и печальные стороны Серебряного века.

Наряду с Михаилом Александровичем значимой фигурой русского модерна был Михаил Васильевич Нестеров. В его творчестве звучат религиозные мотивы с пейзажами северной природы. Более всего он известен церковной живописью. Например, мозаичные работы на фасаде петербургского храма Воскресения Христова выполнены по его эскизам.

Русские художники модернисты

Еще один известный представитель художников-модернистов России - Николай Константинович Рерих. Он работал с невероятной плодотворностью. Его наследие живописных работ насчитывает более семи тысяч. Еще при жизни он приобрел мировую известность.

Свои картины на мифологические сюжеты, преимущественно славянские, Рерих писал чистыми интенсивными цветами. Одна из самых известных его работ - "Заморские гости". Она написана крупными, энергичными мазками и выразительным цветом. В ней отчетливо передано течение воды и движение паруса.

Эволюция модернизма

На сегодняшний момент под понятием "модернизм" объединяют несколько художественных направлений. К ним относятся: кубизм, абстракционизм, импрессионизм, экспрессионизм, символизм, дадаизм, фовизм, футуризм, сюрреализм, постмодернизм. В каждом из этих направлений есть свои яркие представители.

Некоторые связывают зарождение модернизма с появлением в 1863 году во Франции "Салона отверженных". Тут выставляли свои картины импрессионисты. Их идеи отвергались официальной художественной критикой, однако это лишь способствовало возрастанию их популярности. Импрессионизм дословно переводится как "впечатление". Художники старались запечатлеть подвижность и переменчивость мира, передать свое мнение о нем.

Среди самых ярких представителей можно выделить Эдуарда Мане, Клода Моне, Эдгара Дега, Огюста Ренуара, Поля Сезанна.

Основная фигура в кубизме - это Пабло Пикассо. Для кубизма характерно разбиение изображения на условные формы и примитивные фигуры.

художник модернист

Абстракционизм тесно связан с Василием Кандинским. Особенность этого стиля заключается в гармоничном сочетании геометрических форм и цветовых пятен. При этом каждый оттенок был символичен и нес определенную смысловую нагрузку.

Кандинский отождествлял абстракционизм с музыкой. В одном из своих трактатов он писал: "Художник - рука, которая с помощью той или иной клавиши заставляет человеческую душу вибрировать".

Поздний модернизм

Сюрреализм - более позднее проявление модернизма - возник в 20-х годах прошлого столетия и стал широко известен благодаря эксцентричным работам Сальвадора Дали. Данный жанр представляет собой неограниченный полет воображения. Столкновение реального и нереального.

Символизм, пожалуй, самое раннее проявление модерна. Стиль возник еще в 1870-х годах. Символизм - широкое понятие, которое относится не только к живописи, но и к музыке и литературе. Символисты активно экспериментировали с художественными средствами и темами. Этот стиль был популярен и среди российских живописцев. Его ярким представителем был Виктор Борисов-Мусатов.

Фовизм принадлежит французской живописи. Яркость цветов, динамичность мазков, обобщенные формы - вот основные характеристики фовизма. Главной фигурой в этом стиле считается Анри Матисс. Хотя термин "фовизм" и переводится с французского как "дикий", сами приверженцы стиля не признавали это определение.

Футуризм позиционировался как искусство будущего. Был широко распространен в Италии и России. Он отталкивался от технологического и урбанистического развития мира, стремился выразить его красоту и динамику. Художественные приемы футуризма схожи с фовизмом и абстракционизмом. Но основной упор делается на передачу ритма и движения современной жизни. У русского футуризма судьба весьма трагична. Некоторые его представители, например Игорь Терентьев, были расстреляны, некоторые - отправлены в ссылку, остальные - преданы забвению.

Дадаизм представлял собой коллажи из газетных и журнальных вырезок. Как самостоятельный стиль просуществовал недолго и слился с сюрреализмом и экспрессионизмом.

Экспрессионизм и абстрактный экспрессионизм призваны передать эмоциональное состояние художника или его впечатление от той или иной вещи, человека и события. И хотя этот термин широко распространен, определенного художественного движения под этим названием не существовало.

Самый поздний виток развития модернизма - это постмодернизм. Это был окончательный эстетический переворот в Европе в середине 20-го века. Главной чертой его стало соединение элементов различных культур - Востока, Африки, Индии, Западной Америки, европейской культуры. Постмодернизм состоял из студенческих групп, которые стремились привнести в потребительское общество новую сверхидею. Но по сути это была своеобразная форма эстетического бунтарства. Наиболее яркие представители стиля - Йозеф Бойс и Сандро Киа.

Самые значимые картины

Среди всего творческого многообразия можно выделить наиболее значимые картины известных художников-модернистов, которые стали примером зарождающегося стиля и ветвями его развития.

Первой, пожалуй, будет картина "Завтрак на траве" Эдуарда Мане. Она была настолько нетипичной для своего времени, настолько не вписывалась ни в какие рамки традиционной живописи, что была не принята на официальную выставку в Парижском салоне и осмеяна критиками. Тем не менее Мане выставил ее в "Салоне отверженных". Там она ознаменовала собой новую эру в искусстве, лишенную страха самовыражения.

Вторым, более поздним примером переворота в творчестве, стала картина Пабло Пикассо "Авиньонские девицы". Впоследствии ей был присвоен статус иконы модернизма. Сам Пикассо о своей живописи писал, что изображает не объект, а свое отношение к нему.

Художники модернисты и их картины

И третья по счету, но не по значимости, - картина русского художника-модерниста Казимира Малевича "Черный квадрат". Она настолько известна, что не нуждается в представлении. Это своеобразная икона русских художников-модернистов 20 века. В то время стиль дробился и принимал причудливые формы.

Для самого Малевича картина стала отправной точкой, переходом на новый уровень беспредметного творчества, которое он назвал "супрематизм". Этот новый стиль являл собой сочетание упорядоченных простых геометрических форм. Казимир Малевич называл свой "Черный квадрат" первым шагом чистого творчества.

Заключение

Если бы пришлось составлять полный список художников-модернистов, тех, кто так или иначе связан с развитием стиля, то рамок данной статьи было бы явно недостаточно. Ибо он столь велик, что хватит на целую книгу.

Трудно переоценить поистине глобальный переворот в искусстве, который произвели художники-модернисты и их картины. Они заставили общество посмотреть на мир по-новому. Увидеть в нем другие краски, формы и содержание.

В начале 20-го века все ценности культурного наследия прошлых лет были пересмотрены, некоторые оставлены позади в прошедшем столетии. Мир захлестнули перемены. Этому способствовали и изящный венский модерн, и утонченный французский ар-нуво, и постмодернистские идеи в творческом самовыражении.

Благодаря творцам мир изобразительного искусства навсегда изменился, стал более открытым, свободным, новым. Теперь поклонники живописи столетиями могут наблюдать за художественным развитием прошлого.

www.syl.ru

Модернист - это... Что такое Модернист?

Эта статья о направлении в искусстве. Об историческом периоде см. Эпоха модерна

Модерни́зм (итал. modernismo — «современное течение»; от лат. modernus — «современный, недавний») — направление в искусстве и литературе XX века, характеризующееся разрывом с предшествующим историческим опытом художественного творчества, стремлением утвердить новые нетрадиционные начала в искусстве, непрерывным обновлением художественных форм, а также условностью (схематизацией, отвлечённостью) стиля[1]. Модернистская парадигма была одной из лидирующих в западной цивилизации первой половины XX века; во второй же половине века она была подвергнута развёрнутой критике. Термин «модернизм» присущ только отечественной искусствоведческой школе, в западных источниках — это термин «modern». Так как в русской эстетике «модерн» означает художественный стиль, предшествующий модернизму, необходимо различать эти два понятия, дабы избежать путаницы.

Модернизм в изобразительном искусстве

Модернизм — совокупность художественных направлений в искусстве второй половины девятнадцатого — середины двадцатого столетия. Наиболее значительными модернистскими тенденциями были импрессионизм, модерн, экспрессионизм, нео- и постимпрессионизм, фовизм, кубизм, футуризм. А также более поздние течения — абстрактное искусство, дадаизм, сюрреализм. В узком смысле модернизм рассматривается как ранняя ступень авангардизма, начало пересмотра классических традиций. Датой зарождения модернизма часто называют 1863 год — год открытия в Париже «Салона отверженных», куда принимались работы художников, забракованные жюри официального Салона. В широком смысле модернизм — «другое искусство», главной целью которого является создание оригинальных произведений, основанных на внутренней свободе и особом видении мира автором и несущих новые выразительные средства изобразительного языка.

Модернизм в архитектуре

Выражение «модернизм в архитектуре» употребляется часто как синоним термина «современная архитектура», но последний термин всё же шире. Модернизм в архитектуре охватывает творчество пионеров современной архитектуры и их последователей во временно́м промежутке с начала 1920-х годов и по 70-е—80-е годы (в Европе), когда в архитектуре возникли новые тенденции.

Кредо модернизма заложено в самом его наименовании — это созидание нового («модерн» значит «новый»). То есть, принципиальная установка на новизну архитектуры, — как конструктивных и планировочных идей, так и внешних форм, которые, по мысли архитекторов-модернистов, должны исходить из достижений новых строительных технологий. Образное выражение «призмы из бетона и стекла» хорошо передает общий характер построек модернизма.

Основные принципы архитектурного модернизма — использование самых современных строительных материалов, рациональный подход к решению конструкций и внутренних пространств, отсутствие тенденций украшательства, принципиальный отказ от исторических реминесценций в облике сооружений, их «интернациональный» характер. Что касается социальных установок архитекторов-модернистов, то, как правило, они отличались явным демократизмом, а то и левизной, — по крайней мере, во многих декларациях его теоретиков.

Стили-предшественники модернизма в архитектуре, так называемые «неостили», — русский модерн, австрийский сецессион, югенд-стиль в Германии, ар-нуво во Франции, а также неоклассицизм, развившийся позже повсеместно.

Последующий за модернизмом стиль — постмодернизм, для которого характерен возврат к использованию элементов традиционных исторических стилей. А также другие направления, в которых усилились черты иррационального подхода к архитектуре, выразившиеся, например, в более эмоциональном подходе — в экспрессивных деформациях форм и конструкций зданий, в художественной стилизации или же в прямых изобразительно-ассоциативных решениях.

Модернизм в архитектуре ассоциируется с такими понятиями (движениями), как авангардизм, пуризм, функционализм, конструктивизм, «новое движение», интернациональный стиль, техницизм, минимализм.

Основные представители модернизма, пионеры современной архитектуры, которым принадлежит роль первопроходцев, это — Фрэнк Ллойд Райт, Вальтер Гропиус, Рихард Нойтра, Людвиг Мис ван Дер Роэ, Ле Корбюзье, Алвар Аалто, Оскар Нимейер и некоторые другие.

Определение «модернистское» вполне уместно и по отношению к современному зданию, — если по своему виду и по намерениям автора оно соответствует традиционному представлению о модернизме.

Классические примеры модернизма в архитектуре

  • Здание Баухауза в Дессау, арх. В. Гропиус;
  • Вилла Савой в Пуасси, 1930, арх. Ле Корбюзье;
  • Жилые комплексы «Хай-пойнт-1» и «Хай-пойнт-2» в Лондоне, 1936, арх. Б. Любеткин;
  • Санаторий в Паймио, 1933, арх. А. Аалто;
  • Архитектура города Чандигарх, Индия. Арх. Ле Корбюзье, П. Жаннере и др.;
  • Новая столица Бразилии, г. Бразилиа, арх. Л. Коста, О. Нимейер, 50-е гг.;
  • Здание «Сигрем» в Нью-Йорке, 1958, арх-ры Мис ван Дер Роэ, Ф. Джонсон;
  • Жилой комплекс «Хэбитэт» на Экспо-67 в Монреале, 1955, арх. М. Сафди.

Модернистские течения в искусстве

Примечания

См. также

Ссылки

Wikimedia Foundation. 2010.

dic.academic.ru

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *

2015-2019 © Игровая комната «Волшебный лес», Челябинск
тел.:+7 351 724-05-51, +7 351 777-22-55 игровая комната челябинск, праздник детям челябинск